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La beauté et la misère du cinéma Français !

Publié le par Bernard Oheix

Catégories : #cinema

Deux films, l'un pour rêver et l'autre pour cauchemarder, sur le cinéma de notre pays, dans une période complexe, avec un environnement économique et politique catastrophique. Et les nuages qui s'amoncellent au dessus d'un 7ème Art qui tente plus que jamais d'exister et d'offrir des moments de rêves aux spectateurs de plus en plus attirés par les petits écrans et l'offre d'un streaming décomplexé et envahisseur.

Notre système d'aide à la création est pourtant un modèle d'efficacité, envié par les producteurs et réalisateurs de tant de pays. Et quand l'on pense que ce modèle vertueux qui a permis à notre cinéma hexagonal de rayonner sur le monde est contesté par une partie de la classe politique d'extrême droite qui veut le remettre en cause...

Mais notre histoire, ce sont aussi ces innombrables chefs d'oeuvre incomparables que tant de réalisateurs ont livrés avec la soif d'éclairer le monde et de mieux comprendre notre vie !

Puissent-ils continuer à créer dans l'insouciance de l'espérance d'un monde meilleur !

Mais, avouons-le, il n'y a pas que des réussites !

J'en prend pour preuve l'affligeante composition d'un Alain Guiraudie enfermé dans son univers délétère qui avec Miséricorde ne nous donne pas vraiment le désir de lui accorder cette miséricorde espérée. Un jeune homme revient dans le village de son enfance et tente de retrouver les traces de son passé et de renouer des liens. Ce qui aurait pu ouvrir sur une réflexion sur l'homosexualité, débouche sur une pantalonnade dont le grand architecte va être un curé bandant (dans le sens littéral du terme !) pour le corps de son bel éphèbe. Le propos se perd dans l'errance des personnages mal construits et s'ouvre sur le néant.

Dommage, le thème aurait pu introduire une belle réflexion gâchée par la facilité d'un réalisateur pour des images faciles s'appuyant sur un scénario inconsistant !

On est bien loin, hélas, des promesses de L'Inconnu du Lac !

Par contre, Emmanuel Mouret dans Trois amies va nous emporter dans le délire de ces passions de femmes à la recherche du bonheur. Trois actrices éblouissantes vont nous embarquer dans la recherche effrénée du bonheur. Camille Cottin, Sara Forestier et India Hair vont décliner avec brio toutes les variations possibles de l'amour fou. Maîtresse du mari de sa meilleure copine, femme désenchantée portant sa culpabilité après avoir repoussé l'amour exclusif de son  homme qui se brise, aventures en marge du couple, recherche éperdue d'une âme soeur, toutes les déclinaisons possibles s'entremêlent, se conjuguent, dressent un portrait saisissant de femmes en recherche d'un bonheur intime dans le trio jamais rompu de l'amitié de ces 3 êtres plongés dans le maelstrom des sentiments et de la vie réelle !

Le réalisateur jongle avec les situations, les décline dans un déséquilibre permanent et nous offre un part de vie saisissante de réalisme.

Bravo à toute l'équipe de réalisation et encore merci pour cette plongée dans l'intime des sentiments les plus humains.

Le cinéma français est si riche que même un accident de route ne remet pas en cause sa dynamique et sa force. Alain Guiraudie nous offrira, on l'espère, la possibilité de rêver avec sa prochaine réalisation et qu'Emmanuel Mouret conservera l'inspiration pour continuer à nous entrainer derrière ses films.

D'autres sont là, fourmillant de projets et tentant de nous offrir leur vision d'un monde qui nous rend meilleur.

Bravo à tous les acteurs de la production cinématographique qui nous permettent d'être fier de notre pays et rayonnent sur les écrans du monde entier !

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Festival du Film : This is the end !

Publié le par Bernard Oheix

Catégories : #cinema

Et voilà que retentissent les trompettes de la remise des prix du Festival 2024 !

Pour moi, 36 films au compteur, un score tout à fait exceptionnel compte-tenu de la situation, avec une partie de l'équipe de la Pampa en train de fêter le véritable accueil enthousiasmant du public dans mon jardin, deux petites filles (les miennes, Lise et Alma) sur les bras, et les difficultés générées par un système qui, malgré des salles loin d'être pleines, empêche l'accès aux séances de trop nombreux cinéphiles.

Mais 36 films exclusivement à la salle de la Licorne, couvrant toutes les sélections, c'est un beau score, et ce d'autant plus que cette édition nous aura réservé de belles surprises et un panorama mondial d'une grande qualité !

Et à tout d'abord, honneur à un cinéma français qui s'affiche dans une forme étonnante, multipliant les propositions originales, avec de jeunes cinéastes, de nombreuses réalisatrices, des actrices et acteurs portant des projets ancrés dans le territoire d'une France plurielle.

Il y a bien sûr, La Pampa d'Antoine Chevrolier, un 1er film magistral où, sur fond d'un rodéo à moto, une amitié indéfectible entre deux jeunes, le conformisme de conventions sociales qui condamne l'homosexualité de l'un pour son coach, l'amour d'un père qui ne sait l'exprimer si ce n'est dans sa passion pour la victoire en moto-cross, dessine un monde imparfait que rien n'entravera dans sa marche funeste. Ce film est appelé à obtenir un vrai succès populaire pour sa sortie à l'automne, tant, à Cannes, chaque représentation a débouché sur une standing-ovation.

Tout aussi envoutant En Fanfare d'Emmanuel Courcol qui mêle la musique et le la découverte du frère inconnu, tromboniste dans une fanfare, avec un chef d'orchestre célèbre atteint d'une leucémie. Une saga autour d'une famille que la musique réunit et qui survivra aux drames de la vie.

Le roman de Jim des frères Larrieu est une bouleversante ode à la paternité porté par un Karim Leclou d'une justesse incroyable. Père de substitution, il va élever Aymeric jusqu'à ses 10 ans et l'irruption d'un père biologique qui va lui arracher cet enfant et partir vivre au Québec. Des années plus tard, cet enfant revient pour solder ses comptes avec celui qu'il pense l'avoir abandonné. Un casting magnifique (Sara Giraudeau, Laétita Dosh...), une caméra qui s'approche des personnages dans les paysages grandioses du Jura, un bijou dont on ne sort pas indemne !

Animale d'Emma Benestan se déroule en Camargue, celle des taureaux et des chevaux. Une jeune femme (Incroyable Oulaya Amamra) va vivre un drame et n'aura de cesse de se venger, sur le fil d'une fiction onirique, entre le cauchemar et les souvenirs qui émergent petit à petit, elle réussira à reprendre son destin en main. Vision étonnante du monde macho des razzeteurs et de l'affirmation d'une femme qui communie avec les animaux pour se venger des hommes. 

L'Amour Ouf de Gilles Lellouche est un film passionnant sur l'éternel thème d'un amour fou d'adolescents qui ne pourra se conclure qu'après la violence, l'injustice et la prison. Clotaire n'est pas armé pour affronter sa vie et ne s'exprime que par la violence, Jackie va meubler sa vie de vide. Ils vont pourtant se retrouver et affronter leur passion, réussir à tirer un trait sur le passé afin de s'approprier un avenir. C'est beau et haletant, c'est l'amour revisité dans un univers de fureur et de bruits. C'est une vision moderne mais si juste des sentiments éternels qui font qu'un homme et une femme sont parfois fait l'un pour l'autre contre les aléas du présent !

Il n'y avait pas que les films français pour briller, quelques perles d'horizons lointains venaient nous plonger dans des univers que nous ne voulons pas toujours voir et qui ouvraient des portes sur l'au-delà qui nous entoure.

Le Village près du Paradis de Mo Harawe (Somalie) décrit la survie quotidienne d'une famille désaccordée coincée entre des clans, dans un pays de misère et de guerres, avec des drones qui bombardent des cibles sur les routes. Manger est le seul objectif d'une journée de labeur à enterrer des morts ou vendre des tissus sur des étals de fortune. Pourtant, des femmes vont tenter de prendre leur destin en main et créer l'espoir d'un monde meilleur. 

Norah de Tawfik Alzaidi (Arabie Saoudite) joue de la même variation, celle d'une solidarité entre femmes dans un pays de misère, quand la fragilité de l'existence ne gomme pas la solidarité et l'entraide.

 All we imagine as light est un film indien en compétition d'une réalisatrice Payat Kapadia qui montre l'aliénation des femmes empêtrées dans un réseau de règles, un corset de liens qui les enferment dans la domination des hommes et des clans. Pourtant Prabha et Anu vont réussir à se libérer de leurs chaînes et vivre leur vie. Un germe d'espoir dans un océan d'aliénation.

Et je ne peux que terminer, même si je n'ai vu que 50% de la sélection, à l'heure de la montée du tapis rouge pour la remise des prix, par deux films en compétition qui pour moi, sont les deux bijoux de cette édition.

Ma Palme d'or va à La plus précieuses des marchandises de Michel Hazanavicius, un film d'animation moi qui n'aime que très peu l'animation. C'est un chef d'oeuvre qu'il aurait été impossible de tourner en réel et qui grâce à ce trait incroyable nous plonge dans les remugles de l'histoire pour faire émerger un conte de fée à vous tirer des larmes. Indispensable et merci monsieur Hazanavicius.

Et le prix spécial du jury est attribué à The Seed of the sacres Fig de l'iranien Mohammad Rasoulof, qui ose, dans un pays de dictature porter la parole de ceux qui refusent de vivre dans le passé, sous la botte de fer d'un régime qui les prive de tous les droits et des rêves d'un monde meilleur. Bravo à ce cri dans la nuit iranienne porteur d'un espoir.

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Festival du Film : 17 films et après !

Publié le par Bernard Oheix

Catégories : #cinema

Festival du Film 2024, et comme à chaque édition, ce frisson indicible à l'idée de partir sur les chemins de la découverte d'un 7ème Art libéré de toutes les entraves d'un monde sclérosé. Et en cette année 2024, avouons que la lecture de la réalité vaut bien la fiction la plus osée qu'un scénariste qui aurait abusé de produits illicites, puisse imaginer !

Nous nous préparons donc, comme de sages élèves qui auraient bien fait leurs devoirs pour la composition finale : aller au cinéma régulièrement tout au long de l'année, remplir un dossier en février avec une lettre de motivation afin de justifier le privilège d'un badge cinéphile, respecter les consignes de Cannes Cinéma, assister à la présentation, passer des heures sur son téléphone afin de tenter de trouver des places disponibles dans les quotas diminués des cinéphiles, trop âgés et sans intérêts pour les pontes du Festival ! 

Mais quand la lumière s'éteindra et que le cadre noir de l'écran s'illuminera, toujours cet incroyable sentiment de pénétrer dans une cité interdite où tout devient possible !

17 films en 4 jours, une moyenne raisonnable compte tenu de la présence en mon home d'une horde de cinéphiles venant de Corse, de Bresse et de Paris (sans badges, eux qui depuis plus de 10 ans débarquent sanglés de leur sésame mais que les contraintes actuelles condamnent à voler des places en catimini !).

Mais le nombre de films ne fait pas la qualité et du 15ème au dernier de ce matin, la sortie précipité après 30 minutes de projection, pour les 3 films... un chinois incongru de femmes qui chantent pendant une demi heure sans que ne se dessine la moindre esquisse d'un scénariste au travail, Rumours avec une pléiade d'acteurs (Kate Blanchet, Ménochet...) singeant un G7 improbable et qui ne cultive que l'ennui et le désir de vrais morts-vivants, et enfin Les reines du drame où des trans exacerbées se pelotent sans retenue et sans aucun espoir d'attirer notre attention !

Bon, mais heureusement, il y a aussi de bons films, de ceux qui touchent et nous donnent la certitude qu'une équipe s'est soudée afin de transmettre un message, une humeur, un désir de faire et de partage.

C'est le cas avec Les Fantômes de Jonathan Millet, (Semaine de la Critique) une fiction qui plonge dans les horreurs de l'après guerre de Syrie. Un commando secret traque les tortionnaires qui ont tué et violé au nom de la loi de Bachar... Une quête douloureuse, complexe et dangereuse qui nous attire dans sa toile et ne laisse pas indifférent. C'est aussi avec La femme à l'aiguille, (en compétition), le destin tragique d'une femme qui se retrouve complice dans un traffic d'enfants, un film saisissant et prenant qui pose le problème de ces naissances non désirées et débouche sur l'horreur du sacrifice. À voir absolument !

Vingt dieux, (Un certain regard) un premier film de Louise Courvoisier est une ode à l'amitié et à l'amour. Totone se retrouve en charge de sa petite soeur de 7 ans et décide de créer son propre fromage, un comté de qualité grâce à des expédients (vol de lait, recettes à dénicher et une bande de copains soudés autour de son projet fou. Film fort et fascinant sur la vie dans un village, l'espoir et le désespoir, l'amour et la lutte pour survivre. Nul doute que la caméra d'or ne sera pas loin de cette oeuvre sans complaisance aux relents de la vie de ses campagnes sans espoirs.

La mer au loin (semaine de la critique), de Saïd Hamich Benlarbi est une ode à l'espoir. Des clandestins sans papiers vivent à Marseille et un marocain va rencontrer l'amour auprès d'une Anna Mouglalis, sublime. Un retour au Maroc pour solder sa rencontre va dérégler son amour mais le film se terminera sur le bonheur d'accepter de n'être ni Marocain, ni Français, mais simplement un homme qui s'accepte et décide de prendre sa vie en main auprès de celle qu'il aime, sans frontières désormais !

La prisonnière de Bordeaux de Patricia Mazuy (Quinzaine des cinéastes) réunit Isabelle Huppert et Hafsia Herzi dans une ode à l'amitié, à la volonté de s'émanciper de deux femmes qui croisent leur chemin dans le hall d'une prison où elles viennent visiter leur conjoint respectif. Un film élégant, intelligent et qui offre deux facettes de la vie de femmes qui tentent de trouver un sens au séisme déclenché par des hommes de pouvoir qui les laissent seules pour trouver une solution à leur destin tragique !

Notons qu'après avoir été gardienne de prison dans Borgo, Hafsia Herzi est cette fois-ci, visiteuse de prison, et que son parcours dans le cinema devra un jour s'émanciper des portes des pénitenciers ! On l'espère pour elle tant c'est une actrice remarquable et touchante d'une grâce visuelle magique !

 

Il y a tant d'autres films dont on pourrait parler, et aussi tous ceux que l'on a pu voir. Mais il reste encore 6 jours de Festival pour dévorer d'autres oeuvres et la certitude de trouver des pépites qui nous ferons rêver d'un monde meilleur ou les êtres pourront s'émanciper de leurs chaines et atteindre un peu de ce bonheur qui nous tend les bras et que nous tentons de saisir désespérément.

Alors, je vais me précipiter vers Le Limonov de Kyril Serebrennikov en espérant m'embarquer pour un long voyage sur les traces d'un poète hors du commun !

Vite, le cinéma m'attend !

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Naissance de la Quinzaine des Réalisateurs et d'une vocation : ma cinéphilie !

Publié le par Bernard Oheix

Catégories : #cinema

La mémoire comme un coup de fouet ! En 1969, quelques mois après un mai 68 qui allait bouleverser ma vie, les bruits d'une étrange manifestation nichée au sein d'un Festival du Film qui succédait à la précédente édition avortée, Godard et Truffaut s'accrochant au rideau du vieux Palais afin d'interrompre les projections dans une France qui s'insurgeait contre un pouvoir fatigué et usé qui n'avait pas su comprendre l'évolution des jeunes et leur soif de liberté.

La Quinzaine des Réalisateurs venait étoffer le conformisme d'un Festival engoncé dans ses ors et ses rites désuets. Une porte s'ouvrait et je m'y suis engouffré avec délectation !

5) La Quinzaine des Réalisateurs : Mai 1969. 1re édition et révolution permanente.

C’est à quelques semaines d’un Baccalauréat qui aurait nécessité un peu plus d’attention et de concentration de ma part que j’ai eu le privilège de vivre une expérience cinématographique fondamentale qui allait bouleverser mes choix et donner un sens à ma vie. Derrière les ors de la compétition officielle au Palais des Festivals, dans une petite salle de la rue d’Antibes, le Rex, une fête du cinéma débutait aux portes grandes ouvertes. La Quinzaine des Réalisateurs sous le slogan « Cinéma en liberté » démarrait dans l’effervescence d’un groupe de réalisateurs (Doniol Valcroze, Costa Gavras, Louis Malle, Jacques Deray, Albicocco...) décidés à casser le moule de la sélection officielle et à imposer des œuvres qui ne se retrouvaient pas sur les écrans du Palais des Festivals.

« Les films naissent libres et égaux » ! Un foutoir gigantesque, accumulation de 62 long-métrages sans critères de sélection, vont se succéder devant un public qui s’entassait dans les travées, en présence des réalisateurs et des équipes des films. Une orgie à l’accès libre, sans protocole, où l’on pouvait dévorer des films représentants cette génération qui aspirait prendre le pouvoir dans le cinéma en imposant un style de rupture.

Barravento de Glauber Roccha, Le Lit de la vierge de Philippe Garrel, Notre Dame des Turcs de Carmelo Bene, le cinéma québécois, La pendaison de Oshima, Le nouveau cinéma Français (Luc Moullet, Michel Baulez, Jean Daniel Pollet), des films de cinématographies inconnues du public (Hongrie avec Jancso et Mészaros, Cuba avec Gomez (La première charge à la machette) et Humberto Solas (Lucia). Et tant d’autres bijoux, important l’air du grand large et des cultures nouvelles dans la Ville des paillettes et des stars.

Il y avait aussi des films de la compétition officielle qui venaient à la rencontre de ce nouveau public jeune et passionné. If, la future Palme d’Or de Lindsay Anderson avec le tout jeune Malcolm McDowell qui portait sur ses épaules notre désir de révolte et croisé dans la salle bondée. Easy Reader de Dennis Hopper, en présence de Peter fonda et de Jack Nicholson que j’aurais pu toucher en tendant le bras...

Des heures scotchées devant l’écran, un monde qui s’ouvrait en direct et des réalisateurs qui s’invitaient pour partager nos rêves d’un avenir meilleur, d’une lecture de notre univers.
Je n’ai pas beaucoup suivi de cours entre les 8 et 23 mai 1969, j’ai beaucoup menti à mes parents sur mes journées et mes soirées, mais j’ai su, après ces 11 jours, que ma vie avait basculé. Désormais, le cinéma y occuperait une place centrale. Je ne pouvais que l’accepter parce que c’était ainsi !

J’ai eu mon Bac malgré tout, et avec mention, s’il vous plait ! En octobre 1969, j’ai intégré l’Université de Nice, section histoire, seule filière qui débouchait sur une Maitrise de Cinéma, mon objectif.
J’étais devenu un Cinéphile et je savais ce que je voulais !

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Oppenheimer : Le cinéma au service de l'intelligence !

Publié le par Bernard Oheix

Catégories : #cinema

Moi qui m'insurge à longueur de temps contre les films qui s'étirent au long de la complaisance des réalisateurs, je dois avouer que les 3 heures de Oppenheimer sont indispensables pour entrer dans le cerveau et la vie tumultueuse du père de la bombe atomique, Robert Oppenheimer. 

C'est à une véritable page d'histoire que nous convoque Christopher Nolan, celle d'un homme de génie dans la tourmente d'un pays aux prises avec une guerre et qui devra se relever  dans un monde où les règles sont définitivement changées, à cause, entre autre, de son apport à l'invention la plus terrifiante de l'humanité.

Christopher Nolan, cinéaste britannico-américain à réalisé de grosses machines à cash, Inception, Interstellar, The Dark Knight... Habitué des podiums avec 11 oscars, il est sans conteste, un des acteurs de ce cinéma grand public intelligent capable de drainer des cohortes de spectateurs devant les écrans.

Avec Oppenheimer, il s'est confronté à un personnage de légende, renvoyant à l'histoire controversée d'un pays aux prises avec la réalité d'une guerre monstrueuse, avec l'affrontement d'un bloc communiste, et les tourmentes d'un monde à recréer après l'horreur nazie et la fureur d'une guerre avec le japon ou les soldats américains tombaient les armes à la main devant l'incroyable résistance d'un peuple qui ne cédait rien ! 

Et c'est une belle réussite qui, il fait nul doute, contribuera à accroitre sa collection de statuettes sur les étagères de son succès.

Le film se penche sur 3 périodes de sa vie : sa jeunesse étudiante, gestation d'un cerveau hors-norme, puis le projet Manhattan où la bombe nucléaire devient une réalité dans l'enclave secrète d'Alamo avant d'être larguée au dessus de Nagasaki et de Hiroshima et enfin, l'après guerre où le Maccarthysme tente de le faire chuter, de déboulonner l'idole de la communauté scientifique en raison de ses amitiés avec des communistes.

C'est dans une série d'aller/retour permanents que ces 3 univers se télescopent  avec leur logique intrinsèque. 

Dans la jeunesse, il y a l'éblouissement d'un cerveau sans limites, des rencontres avec d'autres génies, l'intuition comme un clef qui ouvre le futur, les voyages, les langues apprises, la mobilité et l'agilité d'un esprit enfermé dans un corps en train de grandir.

Dans la période de production de la bombe, on trouve sa responsabilité directe dans la constitution d'une équipe de chercheurs, son rôle fédérateur, l'organisation qu'il impose pour fonder la base secrète de Los Alamo où une ville surgit dans le désert habitée par une pléiade de ses relations acceptant de le suivre afin de résoudre le problème d'une première bombe atomique. Mais il y a aussi son rapport à l'armée et à l'autorité qui contrôle tout, ses amitiés avec des communistes, ses doutes, sa peur d'utiliser un fléau pour combattre un autre fléau... et les femmes de sa vies.

Reste la période de l'après-guerre où après avoir été célébré comme le père de la "bombe", il se retrouve dans les mailles du maccarthysme, devant une commission chargée de le piéger et de faire chuter l'idole du monde scientifique. Son retrait, son refus de se défendre, sa découverte des amis traitres et des traitres amis, jusqu'à un rebondissement final qui le lavera de toute tâche et le laisse avec ses doutes et la mort de centaines de milliers de japonais sur les épaules... mais aussi avec cette course définitive vers la bombe H et la création d'une arme que les blocs pourront faire peser comme une menace permanente contre l'humanité.

Cruelle plongée dans un monde qui nous rapproche de ce qui se déroule à l'heure d'une guerre d'Ukraine où les bombes sont brandies comme des flambeaux et menacent directement notre art de vivre. Il restera un homme déchirant, Oppenheimer, partagé entre des idéaux de fraternité, une volonté de paix, l'amour des autres qui restera celui qui a généré l'arme la plus extrême d'une humanité bien incapable de composer avec la raison pour faire cesser la course aux armements... et cela nous concerne tous !

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Festival du Film : cap sur l'ailleurs !

Publié le par Bernard Oheix

Catégories : #cinema

35 films et toujours cette interrogation au moment où l'écran s'illumine : être ou ne pas être ? Être scotché à l'image, dévoré par une histoire, fasciné par un plan, une lumière, un cadrage, l'écho d'une musique... ou bien rester sur la touche, à sentir le siège inconfortable, suivre paresseusement une intrigue sans saveur, sentir le temps s'écouler comme un jour sans fin, telle est la question que chaque séance nous pose et à laquelle nous répondons avec nos corps et notre esprit !

Et cette année 2023 nous offre beaucoup de propositions devant lesquelles il est impossible de rester insensible !

C'est avec Banel et Adama de Ramata Soulaye Sy en compétition que nous inaugurons une série de films particulièrement bien construits sur l'Afrique. Dans un Sénégal où les conventions de la communauté et les rites dépassent largement l'amour de deux êtres, quand la sécheresse et le vent bousculent les certitudes, l'amour fou ne trouve plus sa place et s'échoue sur les rives de la réalité. Film bien construit et particulièrement sensible sur la condition de la femme et le poids des traditions.

On enchaînera avec Goodbye Julia de Mohamed Kordofani, pour Un Certain Regard. Dans un Soudan déchiré entre les catholiques et les musulmans, entre le nord et le sud, entre les notables et les exclus, sur cette terre qui résonne cruellement des affres d'une guerre sanglante actuelle, le réalisateur pose un regard sans complaisance sur la culpabilité d'une femme, sur sa frustration d'avoir abandonné ses rêves et sur les désirs inassouvis. C'est un film magistral, ensorcelant.

Pierrette Mambar est couturière à Douala. Elle porte la responsabilité de ses enfants, de sa mère et son mari a disparu la laissant totalement démunie. Elle va subir un vol à la tire, une inondation dans son atelier et continuer son chemin sans jamais faillir, luttant au jour le jour pour assurer un avenir à ses proches, dans la solidarité de ceux qui n'ont rien, sinon leur courage et leur détermination. Un film qui ouvre les portes d'un ailleurs sans concessions.

On pourrait alors rajouter le If only i could Hibernate de la mongole Zoljargal Purevdash où Ulzii, un adolescent vivant dans un quartier défavorisé d'Oulan Bator, se retrouve en train d'assumer son frère et sa soeur pendant que sa mère retourne au village avec ses deux autres enfants. Brillant à l'école, il tente de présenter un concours national afin de gagner une bourse et pendant ce temps, doit trouver du bois pour se chauffer et à manger pour la fratrie. Un film déchirant qui renvoie à l'abondance de nos sociétés face au dénuement de ceux qui vivent au jour le jour.

 

En complétion officielle, Le Jeu de la Reine de Karim Aïnouz présente une page sanglante de l'histoire de l'Angleterre. La 6ème et dernière femme d'Henry VIII va tenter de survivre aux délires paranoïaques d'un roi rongé par la maladie et le délire de persécution. Une belle fresque qui fait passer notre Charles III actuel pour un roi bien sage et Camilla pour une gourgandine !

Anatomie d'une chute de Justine Triet malgré un Swann Arlaud particulièrement juste et un Antoine Reinartz sulfureux, trouve ses limites et manque de créer une authentique sensation. Les 2h30 de projection étaient par trop ambitieuses et 30 mn de moins eussent été salutaires pour l'attention (et la tension !) du spectateur. Hopeless du coréen du sud, Kim Chang-Hoon, restera une des belles surprises de ce festival. Un adolescent confronté à un beau-père qui le bat, est aspiré dans un réseau maffieux pour une dette d'honneur. Face à l'ultra-violence, devant un chef charismatique, il va grandir et vaincre ses démons pour trouver l'espoir et le bonheur. Un film coup de poing où derrière le sang de la mort se dessine l'espoir d'une vie meilleure.

Le 4ème volet de la trilogie d'Aki Kaurismaki, Les Feuilles Mortes, est une déambulation douce amère entre un homme et une femme paumés que tout doit séparer. Pourtant, dans leurs blessures et dans les hasards malencontreux comme bénéfiques de leurs solitudes, un unique et dernier amour va naître enfin. C'est beau comme du Karismaki et tendre comme ceux qui veulent encore espérer de la noirceur de la vie !

Perfect Days de Wim Wenders est une pérégrination passionnante sur les traces d'un homme que le quotidien écrase de son poids. Ce nettoyeur des toilettes de Tokyo, vit dans un rituel mutique mais va être confronté à des évènements qui vont bousculer sa solitude et dérégler ses habitudes. Fascinant même si exigeant ! 

35 films et moi, et moi ! Un appareil défaillant dans cette salle de la Licorne nous a privé du Bellocchio, du Ken Loach et de tant d'autres surprises. Il n'en reste pas moins que cette édition nous aura offert de belles propositions, un niveau de qualité réel et un regard aigüe sur l'état d'un monde en déliquescence.

À noter la confirmation de l'émergence de nombres réalisatrices qui occupent enfin une vraie place dans ce paysage de l'image animée, l'arrivée à maturité d'un cinéma africain qui se regarde dans un miroir sans concessions, et la prégnance d'une fibre "écologique" naturelle !

Pour le reste, pour ce palmarès qui va tomber dans quelques heures, il ne fait aucun doute à mes yeux, nonobstant ceux (nombreux) que je n'ai pu visionner, que The Zone of Interest de Jonathan Glazer sera ma Palme d'Or et que les filles d'Olpha un magnifique prix du Jury... et que le Kaurismaki pourrait créer une surprise !

Et pour le prochain festival, rendez-vous dans un an ! Et en attendant, rappelez-vous, le cinéma c'est dans une salle que cela se déguste, pas dans le fast-food d'un écran de salon !

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Empire of Light.... Ma madeleine à moi !

Publié le par Bernard Oheix

Catégories : #cinema

Il y a une délicieuse saveur nostalgique dans les ombres cachées de ce Palais des Lumières de la côte sud anglaise. C'est à une plongée dans les années du punk et des skinheads ultras racistes, des ravages de la politique de Tatcher, que Sam Mendes nous invite sur fond d'un cinéma agonisant et de sa gérante, femme mûre brisée, malade et qu'un souffle d'espoir va entrainer dans un tourbillon d'émotions qu'elle ne pourra maîtriser.

L'arrivée d'un jeune noir dans l'équipe qui ouvre les séances au public va bouleverser l'équilibre précaire qui la maintenait en mode survie. 

Brève rencontre impossible, agonie d'un monde dans lequel les faibles n'ont plus leur place et qui annonce d'autres drames à venir. Mais il reste la magie d'un flux de lumières créant l'illusion du mouvement et d'une réalité que personne ne peut emprisonner, celle d'un univers artificiel qu'un projectionniste peut enclencher en pesant sur un bouton pour faire vaciller les certitudes. 

Quand Stephen, jeune noir brillant qui ne peut intégrer l'université, débarque dans l'équipe de bras cassés qui gère un cinéma, il ne se doute pas que son arrivée va ébranler tout l'édifice, un magnifique bâtiment à l'ancienne dont une partie est désormais abandonnée mais que deux salles aux velours rouges et aux charmes surannés continuent à faire vivre aux ors d'un passé glorieux.

Entre la formidable actrice Olivia Colman, femme subissant les blessures d'une vie, une mère qui ne l'a pas aimée, des hommes qui ont abusé d'elle, dont ce directeur du cinéma, son patron, qui profite d'elle au rythme de ses désirs lubriques, et qui survit avec des médicaments aux dérapages de son inconscient, et ce jeune noir brillant, une étrange amitié amoureuse va naître. Quelques étreintes, ce "lithium" que l'on décide de ne plus ingérer pour se sentir vivante à ses côtés, et surtout, la découverte de ce racisme viscéral d'une société qui chasse le nègre, "le bamboula", afin d'exorciser ses démons !

les maigres fils qui la reliaient à la réalité vont exploser, la laissant face à ses démons, provoquant une nouvelle crise et son enfermement.

Pourtant, ils vont se léguer mutuellement deux cadeaux inestimables : pour lui, la poursuite de ses rêves avec son intégration à l'université et un parcours de vie qui s'ouvre enfin à l'avenir, pour elle, grâce à Stephen, le visionnement pour la première fois d'un film avec une plongée dans un monde d'artifice qui bannit la peur du présent.

Alors c'est vrai que le film est brouillon, part dans tous les sens, manque de rigueur dans son écriture... mais qu'importe devant ce projectionniste fascinant qui créé la l'illusion, devant le sourire d'une femme qui cherche un peu de bonheur et le trouve dans le faisceau d'un arc de lumière, devant ce jeune exilé qui part à la conquête d'un monde entre deux univers.

C'est un hommage au 7ème Art et à un monde qui change. C'est une plongée dans la vie de quelques individus réunis par les hasards de la vie qui voient s'écrouler le monde d'avant pour plonger dans le futur.

C'est avant tout un formidable film sur le racisme à l'heure où il s'est banalisé jusqu'à devenir le crédo officiel de tant de gouvernants et de faiseurs d'une histoire frelatée.

A l'heure où on laisse se noyer des familles dans l'eau saumâtre d'une Méditerranée sans un regard pour leur désespoir, où l'on érige des murs pour ne pas voir les gens mourir, où des guerres trouvent des boucs émissaires aux plus nauséabonds des exutoires  ou l'autre devient un ennemi de la raison, il est salutaire de sentir qu'un film peut avoir envie d'aimer la différence et que l'humanité peut se nicher dans un regard, dans un geste dans un coeur libéré de toute obsession par l'alchimie d'un projecteur qui braque son faisceau sur le rêve d'un monde meilleur. 

Alors je ne résiste pas au plaisir de vous faire partager la 1ère page d'un livre sur mon "cinéma Paradiso" que j'ai composé en hommage à cette lucarne qui m'a tenu éveillé tout au long d'une vie où les films ont jonglé avec ma réalité. Le cinéma m'a façonné et m'a accompagné toute une vie consacré à la culture et à la fraternité. Mon Empire Of Light s'est échoué  sur les bords de la Manche, dans une Angleterre qui nous a offert tant de bonheur avant de sombrer dans le cauchemar d'un monde moderne où le présent s'écrit avec le sang de ceux qui n'ont plus rien !

1) L’Enfance Nue ou comment devenir un cinéphile.

1) L’arrivée d’un train en gare de ... Nice !

J’ai échappé une nouvelle fois à la surveillance de ma mère. Il faut avouer qu’avec mes deux frères et tout le travail de la maison, elle a fort à faire. Il y a toujours un moment où je peux franchir la porte, traverser la petite cour et ouvrir les deux battants qui me permettent de pénétrer dans ma caverne mystérieuse ! Je me faufile dans le bruit électrique d’une musique et de mots que je ne comprends pas. Ce n’est pas grave ! J’ai l’habitude et même pas peur ! Je m’assieds sur un des fauteuils, mes pieds ballants dans le vide. Il fait noir, mais en levant la tête, je vois un pinceau de lumières qui jaillit d’une ouverture en scintillant.

Et quand je regarde devant moi, c’est l’illumination. Des ombres noires et des taches blanches, des silhouettes qui courent, des masses qui dérapent, des pleurs et des rires. C’est ma caverne secrète et j’aime m’y réfugier même si je ne comprends rien à ce qui s’y déroule.

Nous sommes en 1955 et j’ai cinq ans. Mes parents habitent un appartement de pauvres parce qu’on l’est ! Traverse Longchamps à Nice, derrière la rue de France. Deux pièces où l’on s’entasse, donnant sur l’arrière-cour du « Cinémonde », avec la cabine du projectionniste à laquelle on accède par un escalier métallique extérieur en face de notre entrée et l’issue de secours du cinéma barrée par cette porte à deux battants que j’ai appris à franchir discrètement.

Mais il y a toujours un moment où je sens une main me saisir pour me ramener dans la cour et tomber les reproches de ma mère, « -J’étais folle d’inquiétude, je t’ai dit de ne pas aller dans la salle tout seul, c’est dangereux ! » Frisson rétrospectif délicieux. Il faut alors que je promette de ne plus m’y rendre, ce que je fais en sachant pertinemment que, dès que je le pourrai, je retournerai dans ce monde d’une « lanterne magique » où rien n’est vrai, mais tout si réaliste...et que ma mère viendra de nouveau pour me récupérer.

Au fond, entre l’affolement des premiers spectateurs d’un art nouveau, qui se lèvent précipitamment et fuient devant une locomotive entrant en gare de La Ciotat en fonçant sur eux, et mon attirance pour cet objet confus qui me fascine, il y a la même part de mystère, la même dose de magie qui échappe à la raison. L’inconscience du public en ce 25 janvier 1896 devant ce film de 50 secondes n’a d’égale que mon jeune âge qui obère ma perception de la réalité, 60 ans plus tard. Le spectateur est toujours prêt à être un grand enfant, moi, j’étais un petit enfant toujours prêt à être un grand spectateur !

En 1957, nous deviendrons un peu moins pauvres. Mon père troquera sa tenue de livreur en vélo pour une maroquinerie niçoise contre celle plus chamarrée d’un sapeur-pompier à Cannes, et nous déménagerons. Entre temps, j’avais appris à escalader cet escalier de fer, et le projectionniste m’avait ouvert les entrailles de son domaine. Des appareils qui grondent, de la pellicule qui défile, le contrôle par la lucarne, le point à l’objectif... même tout petit encore, je comprenais que derrière le mystère, il y avait la mécanique d’une technique bien rodée que des accidents pouvaient entraver, déchirure de la pellicule, les charbons générateurs de l’arc électrique à changer en urgence...

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Aucun Ours... mais un chef d'oeuvre !

Publié le par Bernard Oheix

Catégories : #cinema

Je m'en souviens encore, comme si c'était hier... Étudiant à l'orée des années soixante-dix, entrant dans une salle de cinéma de la MJC Gorbella à Nice, pour visionner le film d'un jeune réalisateur peu connu, Bernardo Bertolucci. Cette séance allait bouleverser ma vie et me donner l'occasion de prendre mon envol. Une maitrise de cinéma sur son oeuvre sous la direction de mon maître Jean A Gili dont une grande partie sera publié dans Études Cinématographiques, une maitrise de linguistique et un DEA de communication pour achever mon apprentissage, puis l'envol dans une carrière professionnelle où le cinéma sera toujours présent, jusqu'à la Direction de l'Évènementiel dans le temple du 7ème Art, ce Palais des Festivals de Cannes qui allait m'héberger pendant 22 années d'une vie de passions.

En ce samedi 7 janvier 2023, dans la nuit qui allait voir la mia mama partir en douceur pour une terre inconnue, je me présente au cinéma Raimu, petite salle de la MJC de Ranguin à la programmation remarquable que je fréquente avec assiduité pour un film d'un réalisateur iranien bardé de prix. Ours d'or, Lion d'or, Léopard d'or, une véritable ménagerie enchantée, Prix spécial du jury à Cannes après une caméra d'or pour des films fascinants comme Taxi Téhéran, Le cercle, Le Miroir, 3 visages... autant de perles serties dans un pays corseté par les interdits, la censure et la difficulté d'être un intellectuel épris de liberté dans un univers étranglé sous la botte des intégristes.

Jafar Panahi où l'intelligence et la sensibilité au service d'un Art humaniste.

Alors disons-le, quand je suis sorti de la salle, un demi-siècle après La Stratégia del ragno de Bertolucci, la même impression de vertige, la certitude d'avoir touché à l'essentiel sur les pas d'un réalisateur sachant allier la forme au fond d'une petite histoire ancrée dans une grande tragédie de la vie.

 

Le visage poupin de Jafar Panahi éclaire d'emblée l'écran. Le réalisateur joue le rôle d'un réalisateur qui télécommande le tournage de son film avec un assistant, par le biais d'un ordinateur trop souvent sans réseau. Lui, a fuit Téhéran et s'est réfugié dans une petite ville frontière, loin de la capitale, et son équipe de tournage a franchi le pas, exilée dans un pays riverain. Ce film qu'il tourne à distance parle d'un homme et d'une femme amoureux qui cherchent a fuir leur pays pour vivre leur amour dans la liberté.

On discerne dans l'entourage du réalisateur un village perdu confronté à sa présence inquiétante, source d'insécurité pour les habitants qui ont peur d'être sous le feu de la police à cause de lui. La réalité renvoie au sujet du film qu'il tourne dans une mise en abîme saisissante.

Il va parcourir ces chemins de traverse qui longent la frontière, lieu de tous les trafics, mais ne pourra physiquement la franchir afin de basculer de l'autre côté du miroir. Sa liberté ne peut se construire sur la fuite et le reniement de son pays, même s'il sort de quelques années de prison et que l'aile d'une justice aveugle peut s'abattre à tout moment sur le libre penseur qui filme la vie et s'interroge sur le temps présent. Alors il va continuer à télécommander le tournage, affrontant le filet qui se resserre autour de lui en apportant leurs nuages d'incertitudes.

Pendant ce temps, dans un décalage incroyable, les acteurs qui interprètent le rôle des deux jeunes amoureux se posent la question de fuir définitivement leur terre et leurs familles, troisième niveau d'une interrogation fondamentale : l'exil est-il la solution d'une vie rongée par l'interdit ?

C'est littéralement éblouissant techniquement, malgré des moyens limités, prouvant à l'évidence que le cinéma n'est pas seulement un Art de la démesure, bien au contraire, la fiction naissant d'une réalité triplement renvoyée à la vraie nature de ce que vivent les iraniens, les intellectuels et ces femmes prêtent à dénouer leur foulard pour crier leur révolte.

Jafar Panahi, lui, refuse de partir et sera emprisonné dans les geôles d'Evin, le 11 juillet 2022 à l'âge de 62 ans pendant qu'Aucun Ours obtient le prix spécial du jury à Venise. Les spectateurs du monde entier auront la possibilité de voir son oeuvre pendant qu'il croupit derrière des barreaux. Sa libération intervient le 3 février 2023, en pleine crise d'un régime à bout de souffle que les femmes viennent éperonner en dévoilant leur visage et en exhibant leurs mèches de cheveux.

Jafar Panahi, en plus d'être un très grand cinéaste est un grand monsieur... alors chapeau l'artiste, et continue de filmer tes bouts de misère pour parler de la grandeur de l'homme !

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Le Festival du Film : De la scène à l'écran.

Publié le par Bernard Oheix

Catégories : #cinema

Nous étions nombreux, vieux cinéphiles de Cannes, à nous précipiter au Palais Stéphanie pour un OVNI annoncé depuis des lustres mais sans cesse reporté. Prévu et balayé par la Covid, une pièce au titre peu engageant débarquait enfin et le film pouvait se faire de chair et d'os par la voix de comédiens : Cannes 39/90, une histoire de Festival, programmé par Sophie Dupont (avec un T en final !), où la tentative originale de donner un sens à notre histoire de Cannois, la naissance et la magnificence d'un Festival du Film pour cette Ville atypique.

C'est Etienne Gaudillère, avec sa compagnie Y et une dizaine de comédiens, qui s'est attelé à la tâche de composer et de mettre en scène cette ode à l'histoire d'un Festival. 

La première partie du spectacle est enlevée et pointe bien les enjeux d'une période où la Mostra di Venezia règne sur le cinéma mais croule sous la férule de dictateurs qui impriment leur marque au nom de leur toute puissance : en 1938, c'est Mussolini sur injonction de Hitler qui fait primer les Dieux du stade de Leni Riefenstahl sur Autant en emporte le vent de Victor Fleming qui avait la faveur du jury, provoquant la fureur d'un Jean Zay et sa volonté de créer un Festival du monde libre.

Cannes va naître de cette conjonction et la pièce chemine sur cette première période avec un certain bonheur pour le spectateur (de théâtre !).

C'est à partir de 1968 que le processus se grippe quelque peu, et ce n'est pas parce que je suis un soixante-huitard et que j'ai vécu cette période que je réalise ce constat. Sans aucun doute écrasé sous le poids et la richesse du propos, les acteurs perdent parfois le fil narratif, le verbe est trop présent et décousu à l'image de la révolte des Godard et Truffaut, trublions héros d'une Nouvelle Vague en train de submerger les rives de la Méditerranée.

Mais la pièce avance sûrement, les années défilent, la starlette devient reine des sables, le star système impose ses noms de légende, le Festival devient vitrine et acteur du 7ème Art.

On peut regretter l'omission de deux évènements qui ont été particulièrement déterminants : le scandale autour de La Grande Bouffe de Marco Ferrerri et l'accueil plein de haine de La Maman et la Putain de Jean Eustache... (J'y étais, je sais de quoi je parle !)

2 heures pour raconter  50 ans de vie. Le pari était osé mais plutôt réussi. Le final d'une monté des marches sur un tapis rouge renvoie à l'image trop iconique du Festival même si on peut regretter une ultime phrase jetée avec violence au visage du spectateur, trop "accrocheuse" et sans doute écrite pour annoncer une 2ème partie qui courrait de 1990 à nos jours.

Pourquoi pas ?  Même s'il n'était pas vraiment opportun de lancer "je me suis fait violer à Cannes" en ultime réplique pour accrocher des producteurs et faire revenir le public par l'odeur du sang alléché !

Il n'en reste pas moins que cette pièce est particulièrement intéressante et pose bien des questions qui interrogent tous les cannois coincés entre un festival omnivore qui se déroule au mois de mai et cette vie quotidienne à l'ombre des palmiers en fleurs tout le reste de l'année !

Alors, attendons cette suite maladroitement annoncée, le Festival a encore tant de secrets à dévoiler !

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Crime de lèse-Godardisme assumé !

Publié le par Bernard Oheix

Catégories : #cinema

En 2010, sur le tapis rouge du Palais des Festivals de Cannes, un film débarque dans la section "Un Certain regard" auréolé d'un nom de légende : Film Socialisme de Jean-Luc Godard ! Pour une génération de cinéphiles biberonnés aux images du pape de la révolution du 7ème Art, frustrés depuis des lustres d'un silence si prégnant, ce fut l'enthousiasme, la frénésie et la ruée vers les fauteuils rouges de la salle Debussy.

Mais la potion amère d'un film tourné pour partie un navire de croisière le Costa Concordia, de triste mémoire, s'échouant sur les rives de la Méditerranée deux années après, ne passa pas chez le Fan éperdu de la Nouvelle Vague que j'étais.

Et j'ai pondu dans ce blog un article qui reflétait ce que je pensais de cette oeuvre réalisée par un génie hors norme du cinéma !

Crime de lèse-Godardisme assumé !

Pour une génération de soixante-huitards dont je suis, il y a d’innombrables figures tutélaires qui parsèment ce long cheminement de l’acquisition d’une conscience politique et d’une culture universelle se voulant embrasser tous les savoirs. De Wilhelm Reich à Kérouac, des Beatles aux leaders « maximos », de Lacan à Robbe-Grillet… Il y a aussi, les pères fondateurs, les dieux vivants, maîtres parmi les maîtres, que personne assurément ne pouvait toucher, au panthéon des esprits supérieurs, tel Jean-Paul Sartre, le philosophe écrivain engagé, Picasso, l’homme qui restitua la peinture au temps présent ou Jean-Luc Godard, le pape du Cinéma…Film socialisme arrive sur la Croisette, en 2010, quelques décennies après, âge et rides en plus et il est l’heure des constats.

 Que Jean-Luc Godard ait transformé le cinéma est un fait. De À bout de souffle à Pierrot le Fou, de Week-endau Mépris, de Deux ou trois choses que je sais d’elle à tous ses films qui dans les années soixante ont inventé une nouvelle façon de filmer, mieux, de penser (panser ?) le Cinéma. Une décade prodigieuse, une tornade respirant les vents de la création. J’étais donc Godardien parce qu’il ne pouvait en être autrement et que chacune de ses œuvres ouvrait les champs de l’impossible, une réflexion tendue entre le savoir et le connaître, entre le possible et l’improbable. La rupture violente de 68 consacrera son isolement dans une logique de contre-production. Il émergera de son utopie créatrice révolutionnaire, et sonnera le glas du temps de l’expérimentation pour entamer un lent chemin de croix vers sa propre glorification, vers l’institutionnalisation de tout ce magma tonifiant qui fondait sa légitimité. À parler de la marge pour investir le centre, il se retrouvera soudain, par l’usure du temps et l’érosion des utopies, à camper au centre du centre, comme l’histrion assumé d’un monde marchand qui avait bien besoin d’un fou du roi pour se régénérer en redéfinissant ses frontières.

Film socialisme est le dernier opus du Maître, sélectionné dans Un Certain Regard, il se devait d’apporter une réponse au temps qui fuit, ambition d’une somme esquissée à travers ses Leçons de cinéma, émergeant d’un silence que sa statue de commandeur imposait aux détracteurs. Tout tourne toujours autour de Godard, que pouvait-il alors nous offrir dans ce chant crépusculaire ?

Entre images sublimes (la mer et l’horizon) et trashs (les lieux de vie), des dialogues cachés par des bruits de fond, des citations parcellaires, des montages en opposition, des collages, du contrepoint, de la distanciation… tout le rituel de l’alphabet d’un cinéma à la Godard est développé sans aucune distance, comme si Godard jouait à être Jean-Luc, comme s’il n’y avait plus de marge entre ce qu’il dynamitait joyeusement et ce qu’il fabrique laborieusement, quête d’un sens caché, étalage de tics et de moments si convenus.

Dans ce prétexte d’une croisière sur «Mare Nostrum» déclinant des villes portuaires charnières, plus rien n’a d’importance, que le vide créé par son torrent créatif. -L’imagination au pouvoir- déclinions-nous dans les années ferventes, mais à quelle fin désormais ? Pour perdre le sens du spectateur et la finalité d’un film ? Godard est ailleurs, dans un monde que lui seul reconnaît et peut mesurer, celui d’un alphabet figé qui lui ôte tout espoir de «   dire » au détriment d’un « faire ». Et si certains d’entre nous, lui accordons toujours notre crédit, c’est parce qu’il continue d’être celui qui a embrassé pour l’éternité son rôle de bouffon d’une société marchande.

Pendant ce temps, la vie continue. Il restera toujours Le Mépris pour signifier que Jean-Luc Godard fut un des plus grands cinéastes du XXème siècle. Son œuvre restera immortelle même s’il lui faut abdiquer, désormais, tout espoir de se dépasser pour atteindre cette zone improbable où l’instinct vient au secours du génie pour composer une œuvre définitive !

Non, décidément, Film socialisme de Jean-Luc Godard est assurément ennuyeux, très ennuyeux !

 

Godard restera à jamais celui qui a embrasé le 7ème Art. Il n'était pas le seul tant les Truffaut, Rivette, Resnais et autres ont permis cette éclosion d'une génération qui transformera le cinéma mondial. 

Mais si j'ai un conseil à donner aux jeunes cinéphiles (il en existe encore !)  qui voudraient découvrir son oeuvre, alors, il faut visionner Pierrot le Fou et À Bout de Souffle avec un Belmondo éblouissant, tous ces films des années soixante où la pensée créatrice se confrontait aux désirs d'un spectateur avide de rencontrer la vie sur l'écran de ses désirs.

Alors rêve en paix Jean-Luc Godard dans ton paradis d'images et merci de cette oeuvre si foisonnante et riche qu'elle en était parfois difficile à comprendre mais jamais inutile !

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