cinema

Ce titre, tiré d’une interview de Bernardo Bertolucci, et support de ma maitrise de cinéma soutenue en 1974 à Nice sur son oeuvre, (Bernardo Bertolucci, Etudes Cinématographique. 122/126), semble parfaitement adapté à cerner le dernier film de Roman Polanski. 

« D’après une histoire vraie » est l’adaptation à l’écran du roman éponyme de Delphine de Vigan. Et n’en déplaise à nombreux critiques qui font la fine bouche sur son ultime opus, le film fonctionne parfaitement et livre une parenthèse sur le bien et le mal particulièrement réussie. Une oeuvre très Polanskienne où la réalité et la fiction s’affrontent subtilement sans que l’une puisse prendre le pas sur l’autre.
Une écrivaine décidée à se livrer à un travail « fictionnel » en échappant à sa marque de fabrique (l’autofiction) qui a fait son succès, est en panne devant sa page blanche. Entre deux signatures de livres, elle tente d’accumuler dans des petits carnets, un matériel pour trouver l’inspiration et se lancer dans la rédaction de ce roman que tout le monde attend.
Sa rencontre avec une fan, elle même « nègre » sur des biographies d'artistes, de vedettes ou de personnalités médiatiques, va l’entrainer dans un jeu de séduction et de pouvoir où tout se dérègle. Les ingrédients qui vont gripper le quotidien sans aspérités de ses jours sont subtilement dévoilés, par petite touche, comme si rien n’avait d’importance. Pourtant, la présence de plus en plus envahissante de « l’autre » la coupe de son réseau, la rend dépendante puis victime de son bourreau.
Un séjour dans la maison de campagne vide de son compagnon en déplacement va crisper les évènements et déclencher une crise violente…
Mais la réalité est-elle aussi simple ? L’ «autre » est-il un leurre pour accoucher d’une oeuvre où un vrai personnage qui fait irruption dans sa vie pour l’empêcher de créer ?
Les deux lectures s’emboîtent parfaitement et tant l’une des hypothèses que l’autre sont plausibles au final dans une grille de lecture totalement ouverte et symétrique.
Il reste alors la superbe réflexion sur le travail de la création, sur les fantômes qui peuplent les nuits de l’écrivaine, sur le processus d’accouchement d’un livre, sur le rapport de dépendance à l’autre, sur la violence des sentiments et la perversité de la séduction. 
Tous ces thèmes que Roman Polanski a décliné avec tant de talent dans toutes les oeuvres qui parsèment une carrière où il ne s’est jamais trahi cinématographiquement parlant.

Comment ne pas être particulièrement touché par cette mise en abîme, ce glissement progressif de la normalité vers la déraison, cette peinture cruelle d’une solitude de la création qui ne peut se partager.

Peut-être que dans cet accueil mitigé, Polanski paye pour d’autres fantômes issus des nuits de feu d’un passé jamais cicatrisé et qu’un évènement a brutalement ravivé. L’explosion Harry Weinstein n’en finit pas de déclencher des vagues. En cela, son oeuvre sulfureuse renvoie bien à un présent particulièrement douloureux qu’il ne pourra jamais solder.
Mais est-ce bien une histoire vraie qu’il tente de décliner à l’infini ?
 

On sait que Luc Besson n’est pas toujours en odeur de sainteté auprès des critiques. Certains ont encore en mémoire l’accueil houleux au Palais des Festivals de Cannes du Grand Bleu, sifflé et hué en séance de presse alors qu’il allait devenir culte chez toute une génération. Et chacun de ses films en tant que réalisateur provoque bien souvent une moue pincée chez ceux qui sont en charge de donner le tempo de la critique cinématographique. 
Et ne parlons pas de son activité de producteur où ses films cassent la baraque du box office en étant dédaignés par tout le gotha du cinéma (Taxi, Taken)… Et si l’on rajoute derrière cela, le lobbyiste du cinéma Français, l’homme entrepreneur des studios de Seine St Denis et celui qui fraye avec certains « politiques » honnis, alors on a un tableau réaliste de ce qu’il doit endurer à la lecture de certains articles.
Pourtant, un homme qui a réalisé Leon, Nikita, Subway, Le 5ème élément et tant d’autres films ne peut pas être entièrement mauvais ! Un seul de ses films suffirait à ennoblir bien des cinématographies de gens encensés par les critiques mais que le public ignore.
Luc Besson est ainsi, un objet de polémiques, mais avant tout c’est un faiseur de rêves, un bâtisseur du cinéma, qu’on le veuille ou non !
Et Valérian est bien là pour prouver qu’il n’a rien perdu de son magnétisme, de sa capacité à faire rêver et à nous entrainer dans des mondes imaginaires avec le regard d’un enfant émerveillé.
Je suis fan, non de la BD que je ne connaissais que très peu, mais de ce film qui, à la croisée des chemins, entre la saga de la «Guerre des étoiles » et l’odyssée écologique d’ « Avatar » nous offre la possibilité de plonger là où tout est possible, même la victoire des gentils et l’amour entre les peuples.
Que Luc Besson ait misé gros en produisant ce film est une évidence tant la richesse de l’image, des effets spéciaux et la qualité de la production en impose. Il serait anormal qu’un homme qui donne tant au cinéma Français soit brisé alors même qu’il prouve que rien n’est impossible, même l ‘incroyable. Au delà de tout, si vous aimez le cinéma, alors, plongez dans le 3ème millénaire d’un futur possible, là où Valérian et Besson nous permettent de redevenir les enfants éblouis de merveilleux que chaque adulte reste quand l’image nous transporte !
Alors pourquoi tant de haine ?
Allez, il n’y a pas de mal à se faire du bien, courrez voir Valérian et prenez tout le plaisir qu’il vous offre comme un moment rare de tendresse d’un ami qui vous veut du bien !

Il y avait gros à parier qu’un corse s’attaquant à l’histoire tourmentée de la Corse allait souffrir les mille tourments d’un déchirement intérieur. Comment se confronter à la genèse du « nationalisme », à la haine du « colon Français », à l’incroyable déliquescence d’une jeunesse captivée par les idéaux d’une Corse indépendante et à la gangrène de la collusion entre les revendications nationalistes et les intérêts maffieux ?
C’est tout le talent du réalisateur après Les apaches que de produire ce film en évitant le « folklore » corse qui ne demandait qu’à surgir. Une vie violente plonge dans l'histoire de la radicalisation d’une jeunesse en prison, de la raison d’état d’un mouvement qui se divise au nom d’intérêts égoïstes, du culte du chef et des agissements troubles d’une caste politique sur un vernis de fascination pour la violence et les armes de la société Corse.
Le film progresse ainsi, authentique analyse subtile, sans forcer le trait, cheminement vers une radicalisation où la vie devient un enjeu sans importance, comme si la mécanique des éléments ne pouvait que déchaîner les forces obscures qui ne demandent qu’à s’exprimer.
Jeunesse perdue, comme actuellement celle qui se radicalise pour une cause au nom d’Allah, d’une suprématie d’une race ou autres raisons où la sauvagerie des idéaux balaye l’humanité de chacun !
Film témoignage sur une période que j’ai vécue, où les « nuits bleues » rythmaient mon sommeil, où les tensions se ressentaient dans la vie quotidienne, ou d’accueillante et hospitalière, l’île s’était transformée en bastion assiégé par les peurs et l’angoisse.
Ce sont deux Films émouvants et forts, noblesse du cinéma à la Française, capable de lire une histoire encore présente avec la précision chirurgicale d’un observateur attentif, ou de se projeter dans l’imaginaire de mondes merveilleux qui ne demandent qu’à nous faire rêver !
Allez, vive le cinéma Français et ceux qui le font, et courrez voir ces deux réalisations, vous ne le regretterez pas !

Comment un jury composé de personnages aussi talentueux qu’un Almodovar, réalisateur de tant de films qui nous ont fascinés (Tout sur ma mère, Parle avec elle, Volver, Julieta), une Agnès Jaoui, femme de culture attachante, réalisatrice et actrice de talent, un Park Chan Wook qui a réalisé des films si bizarres (Old Boy, Thirst, ceci est mon sang, Mademoiselle…), Paolo Sorrentino (Il Divo, La Grande bellezza, un peu surfait quand même mais chouchou du Festival !) ou même  Will Smith, quoique lui, on avait l’impression qu’il était tellement heureux d’être présent et de faire l’acteur qu’il a dû en oublier de regarder attentivement les films… Comment ce panel de sommités qui n’a que le cinéma à penser pendant dix jours, dont on peut imaginer qu’ils sont totalement incorruptibles, choyés et dorlotés comme la prunelle de leurs yeux qu’on leur demande d’utiliser sans faillir, comment un tel jury peut-il se planter à ce point dans son palmarès ? 

Cela apparaissait impossible : ils l’ont fait !

Le syndrome traditionnel du jury vient encore de frapper ! Pourquoi faire simple quand on peut faire compliqué, telle est la question ?

Il a attribué, à l’unanimité comme à l’habitude (!), une Palme d’Or à The Square, Palme verbeuse, longuette et sans grand intérêt, dont on peut imaginer qu’un simple accessit aurait été largement suffisant pour une présence somme toute déjà symbole de victoire pour son réalisateur. Dans cette sélection de films pas toujours de grand niveau, mais reflet du cinéma d’aujourd’hui et de la créativité actuelle, une pépite pourtant éblouissait, mais leur cécité fut bien plus forte que le ravissement que ce film engendre.

Il aurait pu tout avoir. Une Palme d’Interprétation masculine, il ne l’a pas eu ! Il aurait pu pareillement doubler avec l’interprétation féminine, elle ne l’a pas eu !

Il aurait mérité un prix du Jury ou un prix spécial à minima : que nenni !

Il aurait pu prétendre sans contestation à La Palme suprême, celle fabriquée par Chopard et sertie de 70 diamants en cette année anniversaire et qui représente le graal de ceux qui concourent, mais c’était sans doute trop demander que de ce laisser aller et de primer ce bijou !

François Ozon avec L’Amant Double, porté par Marine Vacth et Jérémie Renier pouvait tout espérer en cette année 2017. Ce réalisateur nous propose depuis 20 ans des films étranges, à la fois angoissants et légers, des histoires complexes filmées avec simplicité, sait créer des climats, diriger des acteurs, ose l’impossible, mais cela n’a pas été suffisant. Et pourtant, ce film s’inscrit dans sa filmographie si riche comme une page d’or, un moment de créativité parfaite. Il faut aller voir L’Amant Double, déambulation hallucinée dans l’esprit tordue de personnages dont on ne sait où ils nous portent. Même si le final laisse un léger doute et aurait pu encore frapper plus fort, il est sans conteste le meilleur film de cette sélection, celui qui offre le plus de créativité et donne des clefs pour tenter de mieux comprendre l’être humain. Film intelligent, tout en finesse, retord à toute lecture trop simpliste, cultivant « l’ambiguïté et l’incertitude en miroir » (Bernardo Bertolucci), déambulation au fil d’une réalité jamais évidente, il est une page majeure dans sa filmographie comme dans celle de cette année si peu riche en chefs d’oeuvre.

Alors, à l’unanimité de moi-même, en mon âme et conscience, je déclare adorer L’Amant Double de François Ozon, et aujourd’hui, je lui attribue ma Palme D’Or du coeur 2017 ! Allez voir ce film de toute urgence, vous ne le regretterez pas !

Si le Festival a commencé tout doucement et sans passions extrêmes, depuis trois jours, de vrais films sur des histoires de chair et d’êtres humains émaillent toutes les sélections. Petit tour d’horizon de quelques coups de coeur qui donnent de l’espoir à un cinéphile enfin récompensé de ces longues files d’attentes, de ces heures à guetter l’éblouissement devant un écran qui s’éclaire !

Deux magnifiques films italiens pour nous rappeler que ce pays est toujours une terre de cinéma. Après le beau Fortunata, (cf. précédent article), Après la Guerre (Annarita Zambrano) tente de solder les cicatrices des années de plomb. Suite au meurtre absurde et brutal d’un professeur de droit en 2002, le spectre du terrorisme renaissant et l’abandon de la jurisprudence « Mitterrand » en France provoquent la fuite d’un ancien leader terroriste avec sa fille adolescente sur les chemins d’un nouvel exil. C’est aussi toute sa famille en Italie, la mère, la soeur, le beau-frère qui voient leur existence bouleversée par le drame.

Incapable de faire le bilan de ces années terribles, devant le désespoir d’une génération sacrifiée, l’Etat Italien s’arc-boute sur des règles qui empêchent la réconciliation. Un film sur une époque révolue où le terrorisme se voulait la bonne conscience de ceux qui luttent et que le futur rattrapera toujours dans son horreur !

L’intrusa de Leonardo Di Costanzo dévoile le visage d’une mère courage, une femme qui gère un centre de loisirs dans une banlieue Napolitaine rongée par la lèpre de la « camorra ». Dans une contexte fragile de tensions extrêmes, sa décision d’accueillir la femme d’un maffieux va mettre en péril tout le travail d’une équipe passionnée qui lutte au quotidien pour sortir les enfants du ghetto mental dans lequel la corruption et la violence les plongent. Les haines à fleur de peau et la peur qui suinte à chaque pas trouveront un fragile rayon de soleil dans un final d’espoir. 

On avait aimé le film Russe Sans Amour pour cette absence cruelle d’un enfant qu’un couple en train d’exploser provoquait. Une Femme Douce de Sergeï Loznitza élargit le propos, c’est la société toute entière qui est en train de s’écrouler. Un film désespéré sur la quête par une femme de son mari emprisonné dans une Russie en décomposition où toutes les valeurs se perdent, où les beuveries et le sexe se mélangent dans le pitoyable d’un échange sans partage. Une étrange fable conclut le film de 2h 22 (toujours un peu trop long !). Que l’on retrouve le film au palmarès, tout comme Sans Amour ne serait pas incongru tant les deux films russe touchent à l’essentiel des rapports humains dans une Russie qui s’enfonce dans le chaos et le désespoir.

Deux films français aussi. Le superbe et fascinant L’Atelier de Laurent Cantet où Marina Fois anime un atelier d’écriture auprès d’adolescents difficiles de La Ciotat. La violence passée, celle de la fermeture des chantiers dans les luttes et la violence d’aujourd’hui qui s’exprime dans les rapports tendus entre les jeunes se canalisent dans l’écriture d’un polar. L’écrivaine qui tente de mettre un peu d’ordre est alors fascinée par la personnalité brute d’un adolescent qui flirte avec l’ultra-violence et l’extrême droite…

Un film magnifique, sur la rédemption et l’interrogation, sur la recherche de l’humanité qu’il y a en chacun de nous !

Jeune femme de Léonor Serraille, campe une jeune femme à la limite de tout, du désespoir et de la violence, de la frustration et de la haine. Pourtant, dans un long cheminement vers elle-même, elle va recoller les morceaux épars de sa vie, faire enfin la paix avec les démons qui la hantent, accepter la fin d’un amour qui la dévore avec un artiste qui a été son Pygmalion avant de l’abandonner. C’est un vrai portrait de femme porté par une interprète fascinante, Laetitia Dosch dont l’énergie, la violence et la fragilité se transcendent dans sa volonté de survivre et de s’accomplir.

Directions du Bulgare Stephan Komandarev est un film choral dont le fil conducteur se situe dans les divers taxis qui vont charger des gens aux destins qui se croisent. C’est sur le fond d’une Bulgarie à bout de souffle, rongée par la corruption et qui fait le grand écart entre un destin européen et son passé de misère que des personnages vont accomplir leur trajet vers la solitude et les drames. Tableau désespéré d’une société en train d’exploser, entre la misère et la corruption, les trafics et les blessures du passé. Un film magnifique qui aurait mérité d’être en sélection pour concourir pour la Palme.

Je ne dirai pas de mal de In the Fade de Fatih Akim. Même si la facture du film est un peu trop classique et les effets parfois appuyés, le thème, un attentat raciste par des fascistes dans l’Allemagne d’aujourd’hui, me semble trop d’actualité pour que l’on dédaigne d’un revers de la main cette oeuvre puissante, forte sur le combat d’une mère qui vengera la perte des siens contre une société incapable de punir les coupables. Diane Kruger est remarquable et ce film, il faut l’espérer, aura une belle carrière en dehors des festivals !

Cette année, il n’y aura pas de pronostic sur le Palmarès. N’ayant vu que 8 films en compétition, je me garderai d’avancer des hypothèses même si j’imagine retrouver les deux Russes dans le tableau final.

Au final, j’aurai visionné 32 films dont 8 en compétition, 10 d’Un Certain Regard, 3 de La Semaine de la Critique, 5 du Cinéma des Antipodes et quelques Quinzaine et autres séances spéciales. J’en garderai la qualité évidente des Italiens, un regard toujours particulier et la richesse des réalisateurs Français, le scanner social des pays de l’est (Russie et Bulgarie) et quelques OFNI (Objets Filmés Non Identifiés). Parmi eux, Le Vénérable W, un documentaire fascinant sur les boudhistes racistes de Birmanie de Barbet-Schroeder qui fait froid dans le dos et un Ak-Nyeo du Coréen Jung Byung-Gil où dans les 3 premières minutes, une jeune fille très en colère tuent au pistolet et au couteau, 82 bandits qu’elle soupçonnait d’avoir tuer son père. C’est un film complètement fou, haletant et surprenant qui même à l’heure tardive de sa projection, ne pouvait que nous scotcher au siège et nous empêcher de dormir. Un Blockbuster à l’américaine sur fond de vengeance mais avec une maitrise incroyable et un supplément d’âme à réjouir tout cinéphile décidé à se lâcher un peu devant l’écran !

Voilà, l’heure de la cérémonie de clôture s’avance. Il faudra attendre un an avant de retrouver cette passion « cinéphilique » qui ouvre tant d’horizon, même dans ce monde qui a rétréci !

Et quand au thème de l’enfance meurtrie que j’avais défini dès le 3ème jour, il nous aura tenu en haleine jusqu’à la fin, jusqu’à l’ultime bobine, tant il ne faisait pas bon être un enfant dans les films présentés en 2017 au Festival de Cannes !

2017 ne sera pas une grande année (en terme de nombre de films !) pour moi. La faute à Lise ma petite fille me détournant allègrement des écrans. Après 5 jours, seulement 19 films au compteur, difficile d’envisager les 40 dans ces conditions extrêmes ! 

Mais puisque l’on évoque une (très) petite fille, autant rebondir sur le thème qui se dégage de cette première partie du festival avec une force peu commune ! Cette année sera celle de tous les états de l’enfance et de l’adolescence sous tous les angles possibles et imaginables ! Enfants meurtris, violés, kidnappés, abandonnés, mais aussi manipulateurs et bourreaux, on les aura tous entrevus dans cette édition du 70ème anniversaire du Festival du Film. Petite rétrospective sous l’angle d’une enfance brisée !

Cela a commencé avec Anu Singh, jeune fille désirant se suicider avec panache mais  qui finalement, n’y arrivant pas, décide de tuer son jeune amant, (c’est plus facile !) dans un film Australien tiré d’un fait réel du Cinéma des Antipodes, Joe Cinque’s consolation. Plus ambitieux et réussi, le film russe de Andrey Zvyagintsev, Sans Amour, devrait se retrouver au palmarès où un couple se déchirent sous l’oeil d’un enfant devenu un alibi dans la confrontation entre ses parents qui se le renvoie comme une balle encombrante. Il décide de fuguer… et la recherche désespérée des parents et d’une structure spécialisée dans la disparition des enfants le remettra au centre du jeu délétère qui s’est joué. Sa disparition inexpliquée lui redonnera sa place centrale, le rendra enfin présent et réel… mais trop tard !

Dans La lune de Jupiter, un adolescent réfugié syrien qui tente de rejoindre l’Europe avec son père, se fait tirer dessus par un commissaire Hongrois. Il va découvrir son pouvoir d’immortalité et de lévitation. Exploité dans un premier temps par un médecin corrompu puis aidé par lui qui devient son servant, il devient un objet de fascination et provoque une remise en cause des protagonistes. Film assez fascinant même si l’aspect religieux renvoie à un problématique complexe à prime abord.  

Dans la série de l’horreur absolue, rien ne sera épargné aux spectateurs dans Love Hunters de Ben Young qui nous abreuve d’images et de situations insoutenables. Une jeune fille est kidnappée par un couple de sérial killers avec tout ce que l’on peut imaginer. Ava (La Semaine de la Critique, premier ou deuxième film) de Léa Mysius, démarre magnifiquement. Une adolescente est en train de perdre la vue à cause d’une maladie génétique. C’est son dernier été. Malheureusement, le film se fourvoie dans un final totalement incongrue, échappant au contrôle de la réalisatrice-scénariste. Dommage, mais on la retrouvera dans son prochain opus tant elle affiche un vrai talent de mise en images.

Les filles d’Avril film mexicain de Michel franco présenté dans Un certain Regard (la sélection du  Festival hors compétition) voient s’opposer une fille-mère à sa mère/fille… La mère inconsistante et refusant de vieillir vient dérober le bébé et le père de l’enfant (17 ans) de sa propre fille. Celle-ci va se battre pour récupérer son enfant et renvoyer le géniteur. Un film bizarrement tordu qui laisse un goût étrange…

Gabriel e a montanha de Felipe Gamarano Barbosa suit les derniers jours d’un jeune qui a pris une année sabbatique pour parcourir le monde avant d’intégrer une université de Los Angeles. le film s’ouvre sur la découverte de son cadavre sur les pentes inhospitalières du mont Mulanji, sa dernière étape avant son retour programmé. Soutenu par des images de personnages qui l’ont vraiment connu dans sa volonté de s’intégrer parmi les populations locales, le film retrace son parcours et toutes les zones d’ombres du personnage. Son impatience, ses certitudes, son insouciance le mèneront à sa perte. Touchant et poignant.

Fortunata de l’Italien Sergio Castellitto est un film déchirant et magnifique. Une petite fille vit avec une mère courage (Fortunata), séparée d’un père policier abruti et violent. Elle tente de reconstituer sa vie et de gagner une liberté pour elle et sa fille. Magnifiquement réalisé, des personnages illuminés qui éblouissent, un final tragique et grandiose, un film attachant et singulier.

Dans Mise à mort d’un cerf sacré, de Yorgos Lanthimos, le thème de l’enfance s’impose de lui-même. Dans un processus de vengeance causée par la mort d’un patient, un père va devoir tuer un de ses enfants pour sauver l’autre !!! Âmes sensibles s’abstenir !

Enfin, on attendait beaucoup du dernier film en compétition de Michael Haneke, Happy End,  avec une distribution de prestige (Huppert, Trintignant, Kassovitz). Le film s’ouvre sur une petite fille (13 ans) qui empoisonne d’abord son hamster puis sa mère. Récupérée par son père, elle va contempler les dégâts d’une famille de la grande bourgeoise qui se décompose. Glacé et glaçant, d’une froideur chirurgicale, le film reste sur le fil du rasoir d’une réalité qui sécrète son propre poison.

D’une façon générale, les films sont trop longs, flirtant avec les deux heures, dégageant souvent une impression de confusion et de verbiage dont le Noah Baumbach L’histoire des Meyerowitz est une illustration parfaite, malgré un trio d’acteurs époustouflants (Hofffman, Sandler, Stiller). 

Dans quasiment tous ces films, un personnage vient s’imposer comme un élément indispensable de la vie quotidienne : le téléphone portable, outil de communication qui oblitère la réalité et transforme le rapport des individus. Sous couvert de les ouvrir aux autres, il les enferme dans une bulle sans prise avec la réalité. C’est particulièrement évident dans Passage par le futur du chinois Li Ruijun (Un Certain Regard) qui montre une jeune femme dans sa quête éperdue pour un avenir impossible. Elle acceptera de devenir un cobaye pour des expérimentations médicales afin d’assurer un avenir à ses parents dans une Chine où la crise ronge l’avenir. Le portable est omniprésent comme un témoin de l’agonie des êtres perdus dans un monde de souffrance.

Voilà, il reste 4 jours pour voir si les enfants et les portables peuvent faire bon ménage et offrir un horizon d'espoir dans un festival noir comme la vie qui nous entoure. Quand on est cinéaste, on ne doit pas facilement pouvoir créer des films heureux et optimistes quand on regarde l’état du monde qui nous entoure, et cela, nous spectateurs, nous en sommes les témoins privilégiés !

Le système d'accréditation des badges cinéphiles du Festival du film ayant changé, nous devons désormais produire une lettre de motivation prouvant notre volonté d'avoir ce badge sésame qui autorise d'entrer dans les salles périphériques pour assister aux projections. Je ne peux résister au plaisir de vous transmettre le contenu de ma lettre de motivation !

A l’attention du Festival du Film.

L’être d’hyper-motivation :

J’ai assisté à tous les Festivals de Cannes depuis 1969 à l’exception des années 1980/1986 pendant lesquelles j’étais absent de la région. J’ai donc vécu 41 Festivals avec des fausses cartes de presse, de vraies cartes de presse (pas souvent), en passant par les portes de derrière dans l’ancien Palais où par les portes de côté pendant mes 22 ans à la Direction de l’Evénementiel du Palais des Festivals de Cannes.

Je visionne entre 30 et 40 films à chaque édition…. soit environ 1232,5 films avec une prédilection pour la Compétition et Un certain regard…même si je me suis endormi à quelques-uns… pas beaucoup, avouons-le !

J’ai une maitrise de cinéma dont une partie a été éditée chez Etudes Cinématographiques dans un spécial Bertolucci dirigé par Jean-A Gili

J’ai un blog et je réalise 4/5 billets critiques par Festival…(confère Internautes de tous les pays/bernard Oheix)

Par ailleurs, j’ai été critique de cinéma chez Nice-Matin, Jeune Cinéma, France Nouvelle, L’Humanité…etc

Je n’ai pas monté le tapis rouge depuis 10 ans et j’en suis fier !

Je vais à La Licorne pour 90% des films.. Il faut dire que j’habite en face exactement et que chaque année, j’héberge (gracieusement) ma famille et une bande de potes cinéphiles qui remplissent ma maison et la salle de La Licorne !

J’espère donc continuer à avoir le badge cinéphile pendant les 22 ans qui me restent à vivre en signe de reconnaissance éternelle de la cinéphilie !

Cordialement et amicalement.

Bernard Oheix

Et je vous incite le dimanche 26 février à vous scotcher devant l'écran de télévision réglé sur France 3 PACA, à 12h55, pour visionner le film de mon ami Arnaud Gobin, Les Prisonniers de l'île, un dodu-fiction où vous pourrez gouter le plaisir d'assister à mes exploits d'acteur investi dans le rôle du gardien du Masque de Fer !!!!

34 films visionnés dont 12 en compétition, 9 de la sélection Un Certain Regard, 4 de La Semaine de la Critique...

Et dans l’exercice de la prévision du Palmarès, passage obligé du dernier jour du festival pour tout cinéphile qui se respecte, un grand vide devant lequel je ne me risquerai pas !

Tous les grands films annoncés me semblent hors course et les bruits qui flottent autour de Ma Loute m’apparaissent si incongrus...

Je pourrai espérer retrouver dans ce palmarès, Agassi (Mademoiselle) de Park Chan Woo pour la mise en scène, I, Daniel Blake de Ken Loach et Julieta de Pedro Almodovar, deux films magnifiques, sommets d’un art de réalisateurs confirmés, Paterson de Jim Jarmusch pour son style et son sujet sur la poésie moderne dans une ville de l'Amérique profonde, American Honey, formidable épopée musicale d’une bande de jeunes de Andrea Arnold, ou même la journée terrifiante de Roméo dans le film roumain de Christian Mungui, Baccalauréat ou la très Personal Shopper d’Olivier Assayas qui se confronte au monde des ombres.

Mais laissons le jury prendre ses responsabilités et nous pourrons toujours critiquer ou encenser Miller et sa bande !

Un constat : L’extraordinaire qualité de la sélection Un certain Regard qui semble au fil du temps récupérer tous les bons films que la sélection officielle en compétition ne peut accueillir pour cause de «pipolisation» de la montée des marches ! A ce titre Harmonium du japonais Fukada Koji, Beyond the moutain and the hill de l’israelien Eran Kolirin, le génial Inversion de l’iranien Behnam Behzadi, sur une femme courage dans un Iran bien plus subtil qu’on l’imagine, le décisif Voir du Pays de Delphine et Muriel Coulin sur le sas de décompression d’un contingent français de retour d’opérations en Afghanistan...Mais aussi Le disciple du russe Kiril Serebrennikov ou Après la tempête de Kore Eda Hirokazu sur le un père, joueur compulsif qui grille sa vie et l’amour de son fils sur l’autel des «paris» !

Tous ces films vous accompagneront dans les mois à venir, au fil des sorties et le constat que l’on peut tirer de cette édition, est que d’une façon générale, le niveau moyen des productions semble très élevé en cette année 2016. Toutes les sélections bénéficient de ce «printemps cinématographique» et des films comme Tour de France de Rachid Djaïdani (Quinzaine des Réalisateurs) avec le monstre Depardieu où Grave de Julie Decournau (Semaine de la Critique) démontrent à l’évidence la formidable vitalité du cinéma Français !

Allez, on est à quelques minutes de l’énoncé du Palmarès, on va s’installer devant le petit écran pour assister aux résultats du grand !

Rafale de films en compétition, qualité exceptionnelle d’Un Certain Regard, pépites des autres sélections... Dans cette overdose d’images, d’histoires qui se télescopent, de pays et de sélections au plus grand Festival de Cinéma du monde, Cannes vit avec ses deux faces, aussi mystérieuses l’une que l’autre. L’une de frénésie, de rencontres et d’affaires, des professionnels centrés sur la Croisette qui dessinent le cinéma de demain, l’autre plus secrète, plus cinéphile, dans des salles périphériques, avec des spectateurs fascinés par cette extraordinaire exposition d’un monde ouvert sans frontières que les images tentent de dévoiler.

Evidemment, je suis dans la deuxième catégorie, avec mes 21 films visionnés dans la salle de la Licorne à La Bocca, un quartier périphérique bien loin des ors de La Croisette où se croisent spectateurs de tous âges, toutes origines, fraternisant dans des files d’attente, échangeant sur les films en des débats passionnés, évaluant le jeu des acteurs et les scénarios, se projetant dans des palmarès improbables, car dans chaque cinéphile, un membre de jury sommeille qui ne demande qu’à s’exprimer !

Américan Honey de Andréa Arnold est un road movie déjanté autour d’une bande de jeunes qui parcourent l’Amérique profonde afin de vendre des «magasines» alors que plus personne ne lit ! La reproduction des mécanismes d’une économie dans ce qui en est la face des laissés pour compte (la leader «capitaliste» qui impose ses règles, les codes de la vente et le principes d’une vie de groupe que l’on retrouve dans toute sa violence (interdiction de la sexualité dans un climat débridé, rivalité et sanctions pour ceux qui ne vendent pas assez (le combat des loosers), apprentissage du mensonge pour «fourguer» des revues à des gens qui n’en ont pas les moyens... tout cela soutenu par une bande sons où rap et rock rythment le temps éphémère...

Paterson de Jim Jarmusch propose une autre facette de cette Amérique profonde. Un conducteur de bus, poète dans la ville de Paterson, compose une oeuvre au quotidien pendant que sa femme s’invente une vie de ruptures et de rêves ! Déjanter le quotidien, ritualiser les espoirs, énigmatique porteur d’un avenir incertain, le film s’écoule comme si à tout moment, quelque chose pouvait entraver la marche du temps...

Sublime Julieta de Pedro Almodovar. Une femme tente de renouer avec son passé et une fille qui l’a abandonnée le jour de ses 18 ans. 12 ans ont passé sans nouvelles quand une rencontre fait ressurgir l’histoire enfouie... beau, ensorcelant, limpide, attachant... les adjectifs manquent pour décrire ce film où tout est ciselé et s’imbrique parfaitement dans la fuite du temps ! Du grand Almodovar, comme on a eu du grand Ken Loach !

Enfin, 3 films remarquable d’Un certain regard :

Harmonium de Fukada Koji. Une famille japonaise voit son présent exploser quand le père, pour une raison mystérieuse, embauche un homme et l’héberge jusqu’au drame ! 8 ans après, il faudra bien solder les comptes de ce passé caché. Intriguant, passionnant, tout en retenu !

Caini du Roumain Bogdan Miirica, est dans la lignée de ce cinéma un peu esthétisant et parfois étiré de l’école roumaine. Pourtant, il y a d’indéniables qualités dans ce western de l’Est, un jeune propriétaire tentant de vendre une propriété héritée d’un grand père, aux confins du pays, dans une terre de trafics où règne un boss cruel !

Un grand coup de coeur pour Derrière les montagnes et les collines de l'Israélien Eran Kolinn où un militaire après 22 ans de service, tente de se réinsérer dans la vie civile et de renouer des liens avec sa femme et ses deux enfants. Toutes les contradictions de cette société, de cet affrontement entre deux peuples, des désirs enfouis chez les individus dans un monde où tout peut exploser ! C’est un vrai film humaniste, un «certain regard» sans complaisance où chacun prend sa part d’un poids que l’histoire lègue et qui pèse sur tous les acteurs de la vie au quotidien !

Enfin coup de chapeau pour Chouf de Karim Dridi, où la peinture crue et sans espoirs d’un monde sans lois ni règles, où mêmes les composantes d’une fratrie explosent sous le poids de l’absurdité et des rivalités sans fin qui endeuillent les acteurs du marché de la drogue dans un Marseille de soleil. Presque un documentaire sur un monde où la vie importe peu, où le cancer de l’argent sale se métastase à l’intérieur des familles et brise tous les codes, où la place que l’on occupe est sans arrêt remise en cause par ceux qui poussent derrière pour prendre le pouvoir au bout de leurs armes, ou le futur n’existe plus que dans le fracas des armes aveugles !

Allez, encore trois jours d’ingestion de pellicules et l’on saura bien qui aura les honneurs de la Palme d’Or même si nous savons que c’est toujours le cinéma qui reste le grand vainqueur de cette orgie d’images et d’histoires !

A chaque début de Festival, se pose cette question récurrente sur la qualité des films en sélection (La Compétition et Un certain Regard), leurs niveaux et les réalisateurs attendus ou espérés, l’originalité des histoires en forme de « pitch » de quelques lignes, les thèmes qui en ressortiront (chaque édition voit un thème ou deux embraser les écrans, se répondre en écho d’une partie du monde à l’autre), la diversité des sections en présence (Semaine de la critique, Quinzaine des réalisateurs, Ecran Junior, Le cinéma des antipodes...)....

A chaque fois, c’est le même rituel d’une maison qui se remplit d’une délégation de cinéphiles disparates, l’allemand, les deux corses, le fils et sa compagne, la copine des voyages, tout un groupe enrichi en ce 69ème Festival par la présence de ma petite Lise, plus jeune cinéphile de l’histoire du Festival avec son 1er badge pour ces 6 mois d’une vie si intense et pleine. C’est son sourire qui sera mon premier thème, et celui-ci me tient particulièrement à coeur !

De cinéma, il faut bien en parler avec deux constats sans équivoque. En tout premier lieu, la longueur inusitée des films dont une grande majorité se situe entre 1h50 et 2h15, pour culminer vers les 3h, signe, non-pas d’une accumulation de faits à traduire, mais bien de l’abandon d’une rigueur (conter une histoire) au profit d’une tentation (s’abandonner devant l’objectif). Cela traduit peut-être le poids de plus en plus décisif du « réalisateur soleil » devant les humbles scribes et collaborateurs d’une mécanique si complexe. Un film est l’assemblage de corps de métiers qui partent de la recherche de l’argent, passent par l’écriture du sujet, pour finir à travers le jeu des acteurs, dans les mains des métiers de l’image et du son jusqu’à la table de montage, avant d’être livré en pâture aux intermédiaires de la projection qui lui permettront de se retrouver devant vos yeux !

Quand le coût de la pellicule disparait au profit du tournage numérique et que le dieu réalisateur est aussi à la source de l’histoire et de son développement, cela peut donner ce manque de recul, cette absence de rigueur, cette complaisance qui fait que la plupart s’étirent interminablement. Crise d’égo et absence de recul ?

On en a un exemple parfait avec l’encensé Toni Erdman de Maren Ade (qui co-signe le scénario), un film de 2h42 dont 1h de trop, inutilement redondant, facilité sans intérêt et cassant l’apport ironique et onirique, la qualité dramatique du film bien réelle ! Comment ne pas se trouver lassé de ce temps qui s’écoule si inutilement et condamne le film à errer dans les limbes d’une nonchalance en opposition de plus en plus radicale avec la vie intense qui attend le spectateur au sortir de la salle ?

Cet exemple d’un film qui s’essouffle par la longueur alors qu’il aurait pu être excellent, on le retrouve aussi dans les 1h58 de L’exilé, film russe de Serebrennikov sur le thème crucial de l’intégrisme religieux d’un adolescent, version catholique orthodoxe. Le film passionnant pêche malgré tout par des longueurs verbeuses même si l’actualité du propos (la radicalisation religieuse débouchant sur le terrorisme et la mort) porte la réalisation vers une tension et une frénésie bien en adéquation avec le sujet.

Le deuxième constat portent sur le thème émergeant… en l’occurrence deux thèmes qui s’opposent frontalement en cette première moitié du Festival. Le premier est celui du cannibalisme et des vampires… 4 réalisations allant du meilleur (Grave, Julia Ducourneau/ Semaine de la Critique), un petit film admirablement joué, inquiétant et ancré dans le monde d’aujourd’hui (bizutage, végétarisme, sexualité) au pire du pire, l’insoutenable Ma Loute avec un Lucchini ridicule et des acteurs perdus dans ce gros machin que Dumont a fantasmé une nuit de beuverie. Ce qui passait dans l’humble Petit Quinquin s’échoue misérablement sur le grand écran d’une distribution sans appel au service de cannibales cht’i ! N’est pas la famille Groseille qui veut !

Le deuxième thème qui semble s’imposer, est celui de la « paternité » sous toutes ses formes et dans ses terribles difficultés. Le vieux père en recherche d’accord avec sa grande fille dans Toni Erdman, le jeune chien fou de Rester Vertical de Alain Guirodie qui échoue à renouveler le sombre Inconnu du lac et se vautre dans des errances sans intérêt au delà d’une provocation vide d’un nouveau père dans sa sodomie « euthanasiante » !

A noter le petit bijou d’une comédie qui ouvrit Ecran Junior C’est quoi cette famille ? réalisé par Gabriel Julien-Laferrière avec Julie Gayet et une pléiade d’acteurs qui inverse le propos et voit les enfants d’une fratrie composite se révolter et imposer leurs règles aux parents désemparés. Réjouissant bol d’air loin de tout cannibalisme et de prises de tête !

Mais il reste les grands films, ceux qui donnent la certitude que le monde est différent quand on sort de la salle, ceux qui permettent de mieux comprendre les autres, et de mieux se comprendre soi-même !

C’est le cas du vétéran anglais Ken Loach qui avec I, Daniel Blake, inscrit une nouvelle page dans la dénonciation des ravages du libéralisme anglais, la privatisation des services sociaux et le mépris de l’individu quand l’individualisme se fond dans le conformisme. Un ouvrier atteint d’une attaque cardiaque est privé de sa pension et se retrouve dans l’obligation Kafkaïenne de chercher un travail qu’il ne peut accepter ! Et pourtant, il va rester humain et tendre la main à ceux qui ont encore moins que rien ! Magique Loach au regard si plein de tendresse et à l’énergie sans cesse renouvelée pour dénoncer les tares d’un système économique et politique qui asservit l’être humain ! Les années passent sur lui sans entamer ni la lucidité de son regard, ni la tendresse qu’il a pour les gens, et toute son expérience est au service d’une cause humaniste qu’il filme avec maestria !

Deux films étranges pour finir. The Dressmaker de Jocelyne Moorhouse (Cinéma des Antipodes) avec la réjouissante Kate Winslet en vengeresse non-masquée d’un passé qu’il fallait solder par le feu. Petite ville du bush dans les années 50, la « couturière » débarque afin de régler ses comptes et fera exploser tous les secrets enfouis dans le pouvoir des hommes et la soumission des femmes !

Agassi de Park Chan Wook (compétition/Corée du Sud) est sans aucun doute l’un des films les mieux construits, filmés, interprétés de cette première moitié du festival. Une première partie d’une heure dévoile une histoire, une deuxième partie rectifie cette histoire dans un regard divergent, une troisième actualise et termine l’histoire avec au passage, la mort des méchants, la victoire des faibles et une sublime histoire d’amour entre une Thelma et une Louise amoureuses et complices ! C’est du cinéma de grand art, entre esthétisme et surréalisme, sensualité et dévotion aux mots, du grand cinéma que l’on retrouvera dans le palmarès, il fait nul doute !

Voilà, l’aventure continue, les films s’enchainent… Un autre projection de 2h42 (sic) Américan Honey m’attend dans quelques minutes. Y retrouvera-t-on quelques cannibales/vampires ou des parents angoissés devant leurs enfants ? Suite au prochain article !

Voici donc la fin de cet article sur le cinéma des années 70...Une période passionnante où tout semblait possible. Cet essai s'inscrit dans une démarche "Cinéphile", adaptation d'un jeu en Livre-jeu...

Véritable plaisir de replonger dans ces années dorées, celle de ma jeunesse et de la maturation d'une passion pour le 7ème Art qui ne me quittera jamais !

En France, cette décennie voit l’apparition d’un véritable prix pour les professionnels du cinéma. Il existait bien depuis 1934 un Grand prix du cinéma français, ou les Etoiles de cristal décernées depuis 1955 ou même les Victoires du cinéma Français dans les années 50 mais aucune de ces distinctions n’avait percé auprès du grand public. Georges Cravenne eut l’intuition de ce manque et réussit à imposer les Césars comme le pendant Français des Oscars. Une compression du sculpteur César comme trophée, 13 césars attribués chaque année (à l’origine, meilleur film, réalisateur, acteur et actrice, seconds rôles, techniques), une remise médiatisée avec retransmission à la télévision en direct, les grands noms du cinéma au service du palmarès (Jean Gabin officia comme président de la première cérémonie quelques mois avant sa mort) et le 3 avril 1976, les Césars s’imposaient définitivement comme le chaînon manquant entre le cinéma américain et une des plus importantes cinématographies de l’Europe et du reste du monde.

Pour mémoire, voici le palmarès de la première édition :

1) César meilleure actrice : Romy Schneider dans L’important c’est d’aimer

2) César du meilleur acteur : Philippe Noiret dans Le vieux Fusil

3) César actrice second rôle : Marie France Pisier dans Cousin, cousine et Souvenirs d’en France

4) César acteur second rôle : Jean Rochefort dans Que la fête commence

5) César meilleur scénario Bertrand Tavernier et Jean Aurenche pour Que la Fête commence

6) César meilleure musique écrite pour un film : Francois de Roubaix pour Le vieux fusil (à titre posthume)

7) César du meilleur son : Nara Kollery et Luc Perini pour Black moon

8) César de la meilleure photographie : Sven Nykvist pour Black moon

9) César du meilleur montage : Geneviève Winding pour 7 morts sur ordonnance

10) César du meilleur réalisateur : Bertrand Tavernier pour Que la fête commence (devant Truffaut, Enrico et Rappeneau)

11) César du meilleur film : Le vieux fusil de Robert Enrico

12) César du meilleur film étranger : Parfum de femmes de Dino Risi

13) César d’Honneur : Diana Ross et Ingrid Bergman

Il faut bien avouer que ce cinéma français à le vent en poupe et que c’est aussi grâce à un système de production qui n’a pas d’équivalent qu’il peut afficher son dynamisme. Un Centre national de la cinématographie, une taxe sur chaque billet permettant d’aider à la production, des « avances sur recettes », des aides à l’écriture de scénario, des écoles de grandes qualité qui forment de nouvelles générations, des acteurs qui rayonnent largement au delà de nos frontières… même si tout n’est pas parfait, il y a bien là une véritable « exception culturelle » qui permet à notre cinéma de résister à la crise qui a ravagé le cinéma Italien ou Japonais par exemple.

On pensait que cette décennie serait déstabilisée par l’impact de la Nouvelle Vague et sa prise du pouvoir et par le choc de mai 68. Mais la réalité fut tout autre. La révolution esthétique des frondeurs fut digérée par les producteurs et metteurs en scène. Des mousquetaires qui éperonnèrent « une certaine tendance du cinéma Français » constitués de Godard, Truffaut, Rivette, Chabrol, Resnais, Demy et beaucoup d’autres, il fait nul doute que c’est François Truffaut et Claude Chabrol qui concilièrent le mieux leur statut de critique du cinéma et l’appropriation des mécanismes de production avec un 11 films pour l’un et 15 pour l’autre auxquels il faudrait rajouter 13 fictions pour la télévision, réalisés de 1970 à 1980.

Pour François Truffaut, cette série commence avec L’Enfant sauvage (1970) et Domicile conjugal (1970),(du cycle d’Antoine Doisnel avec Jean Pierre Léaud). On y trouve un chef d’oeuvre de réflexions sur le cinéma en abîme avec La Nuit américaine (1973), Oscar du meilleur film étranger, L’Histoire d’Adèle H (1975) avec Isabelle Adjani, L’homme qui aimait les femmes (1977) avec Charles Denner, la même année où il a un rôle dans le film de Spielberg Rencontres du III type, une période d’ activité intense débouchant sur son chef d’oeuvre Le Dernier métro (1980) (César du meilleur film et du meilleur réalisateur).

Claude Chabrol ouvre avec Le Boucher (1970) avec Jean Yanne et Stephane Audran, sa muse. A raison d’une ou deux réalisations par année, il va explorer ce monde des petites gens, de la bourgeoisie bien pensante, qui sera son fond de commerce. La rupture (1970), Docteur Popaul (1972), Une partie de plaisir (1975) Violette Nozière (1978), il enchaîne les films avec parfois une certaine nonchalance dans la finition, bon vivant brassant toujours de nouvelles idées au détriment d’un certain gout de la finition. Cela donne des oeuvres parfois lumineuses et habitées, quelquefois légèrement bâclées. Son box office est à l’image de sa façon de travailler, des succès majeurs comme Docteur Popaul (2 millions d’entrées) ou comme Le Boucher, Violette Nozière culminant à plus d’un millions d’entrées.

Jean Luc Godard produit des films d’une extrême radicalité et il faudra attendre 1979 avec Sauve qui peut (la vie) avec Isabelle Huppert, Jacques Dutronc et Nathalie Baye pour qu’il revienne à un cinéma plus abordable en réintégrant le système de production commercial.

Jacques Rivette réalise des chefs d’oeuvres plus confidentiels par leur sophistication esthétique, Out one 1 et 2, (1971 et 1972) Céline et Julie vont en bateau (1974), Duelle (1976).

Jean Eustache obtiendra une consécration avec La Maman et la putain (1973) Grand prix spécial du jury au Festival de Cannes.

Eric Rohmer est inimitable. Il achève son cycle des Contes Moraux avec Le genou de Claire (1970) et L’Amour l’après midi (1972) avant de produire deux oeuvres atypiques, La marquise d’O… (1976) et Perceval le Gallois (1978) Prix Méliès.

Alain Resnais tourne peu. Après l’expérience de L’an 01, il réalisera un de ses films les plus puissants en 1977, Providence (1977), remportant 7 Césars dont ceux du meilleur film et du meilleur réalisateur.

Jacques Demy ouvre les années 70 avec Peau d’Ane (1970) et Le Joueur de flûte (1972) pour ne tourner que deux autres films L’Evènement le plus important…. (1973) et Lady Oscar (1978) au succès d’estime.

En France, 3 genres règnent en maître : la comédie, l’étude de moeurs et le policier.

En ce qui concerne la comédie, elle se subdivise en deux catégories. Dans le premier registre dit « traditionnel », Gérard Oury et son complice Louis de Funès vont produire deux films cultes, La folie des grandeurs (1971) avec Yves Montand (« -Il est l’or monseignor ! ») et Les aventures de Rabbi Jacob (1973) qui, sur un sujet que l’on aurait du mal à traiter en cette heure d’intolérance et de tabous généralisés, deviendra un film culte pour toutes les générations qui se succèderont. Yves Robert avec Jean Rochefort, Claude Brasseur et Guy Bedos réalisera Un éléphant ça trompe énormément (1976) et sa suite Nous irons tous au paradis (1977) qui auront un succès populaire incroyable. Jean Paul Belmondo fait du Belmondo dans Le Magnifique (1973) dirigé par Philippe De Brocca.

Dans l‘autre tendance de la comédie, on voit débarquer une nouvelle génération d’acteurs, issus pour la plupart de l’aventure du café théâtre. Les Valseuses (1974) imposent Bertrand Blier derrière la caméra et un trio qui deviendra légendaire devant, Gérard Depardieu, Patrick Dewaere et Miou Miou avant Buffet froid (1979) à l’univers totalement décalé.

Patrice Leconte propulse dans un club Med, Gérard Jugnot, Marie Anne Chazel, Michel Blanc, Christian Clavier et Thierry Lhermitte, tous issus du « Splendid » dans les populaires Les Bronzés (1978) et Les Bronzés font du ski (1979).

Dans la comédie de moeurs à la Française, Claude Sautet est un maître. Les Choses de la vie (1970) Max et les ferrailleurs (1971) César et Rosalie (1972), Vincent, François, Paul et les autres (1975) sont les archétypes de ce genre à part entière qui se fonde sur des histoires de la vie réelle de représentants des classes moyennes et sur l’excellence du jeu d’acteurs des Yves Montand, Michel Piccoli, Romy Schneider, Bernard Fresson, Stephane Audran, François Périer, Samy Frey…

Enfin, le polar à la Française où s’illustrent Jean Pierre Melville en fin de carrière, il décédera en 1973, mais qui signe un sublime Le cercle rouge (1970) avant l’échec d’Un flic. José Giovanni après Dernier Domicile connu (1970) réunit Gabin et Delon pour Deux hommes dans la ville (1973). Pierre Granier Deferre avec Adieu Poulet (1975), I comme Icarre (1979) de Henri Verneuil, Série Noire (1979) de Alain Corneau, Yves Boisset avec Le juge fayard dit le shérif (1977).

Tous les grands acteurs, Lino Ventura, Alain Delon, Yves Montand, Jean Gabin sont convoqués à cette messe noire mais celui qui sera vraiment le symbole de cette décennie est Patrick Dewaere, acteur torturé et mimétique qui se suicidera au début des années 80.

Reste alors les films inclassables qui seront pour la plupart des succès au box-office et recevront de nombreux César : Le Vieux Fusil (1975) de Robert Enrico,, Que la fête commence (1975) de Bertrand Tavernier, Le Sauvage de Jean Paul Rappeneau (1975), La Meilleure façon de marcher(1976) de Claude Miller, et un nouveau réalisateur venu de la pub, Jean Jacques Annaud qui obtient l’Oscar du film étranger pour sa première réalisation, La Victoire en chantant (1976) et poursuit avec Coup de tête (1979) avec un Patrick Dewaere déchirant.

Et l’on ne peut passer sous silence Emmanuelle le porno-soft qui déboule sur les grands écrans avec Sylvia Kristel dénudée érotiquement devant Alain Cuny pour 9 millions de spectateurs français et 45 millions dans le monde sous l’oeil d’un réalisateur dont ce sera le seul titre de gloire, Just Jaeckin.

Mais ce panorama du cinéma mondial ne serait pas complet sans les centaines de productions de films Bollywood de l’Inde et ses répliquants Egyptiens, films de grande consommation que des millions de spectateurs visionnent mais hors des circuits de la cinéphilie. Il reste toujours un grand absent dans ce concert des nations pour le 7ème Art, c’est le continent Africain, malgré le coup de tonnerre de la Palme d’Or à Cannes en 1975 pour Mohammed Lakdar-Hamina avec Chronique des années de braise. Le cinéma asiatique ne sera reconnu vraiment que dans la décennie qui suivra et l’Empire Soviétique est étrangement atone, entre les documentaires et les films à la gloire de la guerre de libération de l’URSS. Andreï Tarkovski tourne difficilement Solaris (1972) puis le Miroir en 1975 en butte à la censure avant de décider d’émigrer pour continuer à tourner. En Pologne, Andrzej Wajda entame une série de films passionnant dans un pays que les idéaux de solidarnosc vont écarter de la voie officielle. Paysage après la bataille et Le bois de Bouleaux (1970) annoncent déjà L’homme de marbre (1977) et L’homme de fer (1981) qui obtiendra la Palme d’Or à Cannes.

Le Sud de l’Amérique a vu la vague du Cinéma Novo s’éteindre. Les dernières oeuvres du « Cinema Novo » ouvrent la décade. Antonio Das Mortes de Glauber Rocha et Macunaïma de Joaquim Pedro de Andrade sonnent le glas de cette « école » qui va puiser dans les légendes et les mythes de la culture du Brésil, la richesse d’un matériau filmique dévoilant la misère et la violence d’une société. Films « néo-surréalistes », ces oeuvres avaient particulièrement frappé l’attention du public cinéphile, renvoyant à cette image d’une Amérique du Sud plongée dans les affrontements du sous-développement et aspirant à émerger dans le concert des nations modernes. Le Brésil du Foot et l’Argentine du Tango contre les luttes des propriétaires terriens dans le « sertao » désertique où les affrontements des descendants indiens sur les contreforts des Andes.

Mais les années 1980 s’annoncent et le monde va encore subir des convulsions dont le cinéma tentera de rendre compte. L’écran s’illumine encore et toujours pour donner un sens à la vie et mieux comprendre le monde alentour.

Voilà donc pour ces années 70 un chapitre terminé... Il y en aura d'autres tant le cinéma est un compagnon de route qui, une fois invité, ne peut plus nous quitter ! Derrière l'image fuyante, il y a toute la réalité d'un monde en train de se réaliser, sans décors et sans artifices... et l'un renvoie à l'autre en un couple indissociable ! Le Cinéma, c'est la vie !