cinema

Nous sommes en 1970. J’ai 20 ans et je termine ma licence. Le sujet de mon mémoire de maitrise d’histoire du cinéma est en train de se préciser. Jean A Gili, mon directeur et maître vénéré (avec Max Gallo, également mon professeur !), spécialiste du cinéma italien, m’aiguille vers Elio Pétri, jeune cinéaste en devenir dans un pays qui explose par l’image et règne sur le 7ème art mondial avec les anciens (Fellini, Visconti, Antonioni, Rossellini, De Sica…) mais aussi la jeune garde qui explore tous les champs de l’image (Bellocchio, Pasolini, Comencini, Scola, Rosi, Sergio Leone).

Elio Pétri a réalisé La Dixième victime et vient de remporter le Grand prix du jury au Festival de Cannes pour Enquête sur un citoyen au dessus de tout soupçon. Jean A Gili organise une table ronde et l’invite à l’université. J’obtiens alors une interview de Elio Petri, un homme charmant, intelligent, cultivé en train de préparer sa prochaine Palme d’Or à Cannes (La Classe ouvrière va au paradis en 1972).

Mes dès sont jetés. Je vais travailler sur Elio et obtenir mon sésame pour une thèse sur le cinéma !

Mais voilà, dans les films que nous dévorions à l’époque en flux continu  dans les innombrables salles de cinéma d’Art et Essai de la ville de Nice, la MJC Gorbella propose Une Stratégie de l’Araignée d’un certain Bernardo Bertolucci, auteur d’un Prima della Rivoluzione à la réputation excellente. Je n’avais jamais vu de film de lui (à ma décharge, il n’en avait pas réalisé beaucoup !) et son dernier film Partner avec Pierre Clémenti s’était fait descendre par la critique. Les revues de cinéma qui pullulaient à l’époque et que nous lisions sans modération (Ecran, Cinéma, Positif, Les Cahiers du Cinéma, Jeune Cinéma) l’annonçaient comme un excellent film d’auteur.

Je me pointe donc, avec ma bande de potes cinéphiles et nous attendons sagement un film de plus dans notre parcours marathon d’une image en mouvements. Las ! Pour moi, ce ne sera pas un film de plus, mais bien une rupture totale, un choc émotionnel violent, une mise en apnée que seule une oeuvre d’art peut déclencher. Choc esthétique, subtilité du scénario tiré d’une nouvelle de Borges (Thème du traitre et du héros), qualité des acteurs (Giulio Brogi, et Alida Valli), grain de l’image  de Vittorio Storaro. Le lendemain, je téléphonais à Jean A Gili pour lui annoncer que j’avais trouvé mon sujet de mémoire, ce serait Bertolucci et personne d’autre !

Et l’aventure commença, féérique. Plusieurs séjours à Rome dont 10 jours à la Cinecittà pour visionner l’intégrale de son oeuvre sur les moviola de l’usine à rêves. L’amitié avec Gianni Azeglio qui avait été  son assistant, la rencontre avec Bertolucci en train de monter le dernier Tango à Paris avec Marlon Brando. Entre temps, Le conformiste était sorti avec Jean Louis Trintignant balayant tous les sceptiques et le propulsant au sein du cénacle des jeunes talentueux cinéastes transalpins.

Pion à l’internat de Sospel, je m’occupais du ciné-club pour les élèves. J’ai choisi la Stratégie de l’Araignée dans le catalogue Jean Vigo (en copie 16mm) et l’ai projetée pour les élèves de 3^e qui n’ont pas (il faut l’avouer) toujours compris la subtilité du film même si le débat que j’animais les ramena dans le droit chemin. Dans les nuits qui suivirent, au lieu de les surveiller, je me suis visionné la pellicule 12 fois, notant ligne à ligne les effets, les dialogues, dans le bruit du projecteur et le silence de la nuit !

Ma maitrise obtint une mention Bien, les félicitations du jury et Michel Estève, le directeur de la collection Etudes Cinématographiques en publia pratiquement l’intégralité dans un cahier « spécial Bertolucci ».

Jean A Gili devint mon ami et mentor pour la vie. Le succès de Bertolucci le propulsa dans la stratosphère des immortels. Le sulfureux Dernier Tango à Paris balayé par un  Novecento à la distribution éblouissante puis bien après, en 1987, Le Dernier Empereur au 9 oscars…

Quelques année plus tard, je deviens Directeur de l’Evénementiel au Palais des Festivals de Cannes. J’ai tracé ma route sur les chemins de la culture vivante dans le temple du 7ème art… Et c’est ainsi que j’ai eu l’occasion de croiser une dernière fois sa route.

A l’occasion d’un hommage lors du Festival de Cannes en 2011, j’ai eu l’occasion de « faire les empreintes » de Bertolucci. Elles doivent d’ailleurs toujours être dans les caves du Palais, à pourrir parmi tant d’autres reliques de l’art cinématographique. Ce jour-là, j’étais ému de pouvoir de nouveau le rencontrer. Je me souvenais d’un homme fort, imposant de stature, au regard profond. Je le savais malade mais quand je vis son grand corps que j’avais connu si tonique et musculeux, avachi dans une chaise roulante, j’ai eu comme un pincement au coeur. Pourtant ses yeux vivaient encore, comme un rappel de cette lumière qu’il sut dompter dans une oeuvre riche et exigeante techniquement. En italien, je lui rappelais mon souvenir de lui, cette première étude universitaire réalisée sur son oeuvre, notre rencontre. Il a esquissé un sourire las, mais dans ses yeux, une lueur c’est allumée, celle d’un passé d’insouciance et de créativité, celle d’un espoir jamais trahi que son corps abandonnait mais que son esprit gardait vivace.

Il m’a offert cette dédicace tremblée et un chapitre s’est clos pour moi. Mais c’est le livre qui se referme désormais. La trace de mon passé est dans la fuite de son temps. Les autres meurent pour nous rappeler que nous ne vivons que par intérim. Bernardo Bertolucci s’en est allé et quelque chose se referme à jamais pour moi.

PS : Depuis des années, dans les cours que je dispense à l’Université, au Campus International où dans des séminaires, j’utilise un module sur La Stratégie de l’Araignée, qui est pour moi son chef d’oeuvre. C’est une réalisation qui permet de comprendre la technique dans ce qu’elle a de morale (dixit J L Godard)  et l’analyse de trois séquences, plan à plan, et sans aucun doute la meilleure introduction possible à la complexité et à la richesse du langage cinématographique !

PPS :  Cher Bernardo, j’ai vu plus de 30 fois ton film La stratégie, et encore aujourd’hui, chaque fois que je le regarde, j’y découvre des détails, des éléments cachés. Je ne m’en lasse pas et j’espère encore en découvrir le ressort caché de tant de fascination.

Ciao Ciao Bernardo, je te rejoindrais bien un jour pour prendre un Thé au Sahara, dans la clarté de La Luna. Avec toi comme Partner tout est encore possible !

Quelques films Français en cette chaude rentrée d’automne, une palette de bons sentiments et d’histoires pour mieux lire l’en-dehors. Une plongée bien de chez nous pour des émotions universelles ! Une façon de lire bien différente d’une industrie formatée au divertissement et qui fait honneur à ceux qui produisent, réalisent et interprètent  les pages d’un 7ème Art à la Française !

Il y a tout d’abord un bijou d’intelligence et de finesse. Guy d’Alex Lutz qui part d’une idée profondément novatrice, un faux film de reportage devenant fiction. L’argument est simple. Un homme découvre à la mort de sa mère le nom de son géniteur, Guy Jamet, chanteur de variété qui a eu son heure de gloire et qui, surfant sur la vague de la nostalgie, se retrouve de nouveau sous les feux de la rampe. Vidéaste, il décide de le rencontrer sous prétexte de lui consacrer un film de reportage.

Il y a une mise en abysse de la réalité, fausses pistes permanentes entre le passé et le présent, l’être et le paraître, la vérité et le mensonge.

Alex Lutz joue lui même ce rôle d’un vieux « crooneur », plus vrai que nature, tant dans son aspect physique, que dans sa façon de s’exprimer, usé par les années, par ce regard de la gloire qui s’est posée sur lui. Il chante à merveille la ritournelle de ces années dorées d’une jeunesse envolée.

Le quotidien de ce chanteur devient du coup mystérieux, étrange, renvoyant au problème de la filiation, du rapport à la célébrité et au temps qui passe.

Dans le regard de ses fans, il y a toute la ferveur de ses admirateurs de toujours qui remplissent ses galas au nom d’un souvenir ému et viennent communier dans le souvenir.

Le film évite tous les pièges d’une redondance, renvoie parfois vers l’interrogation existentielle (Qui suis-je ? Qui puis-je ?), ouvre des pistes finement suggérées (le chanteur se doute-t-il de quelque chose dans certains regards interrogatifs ?). Bref, ce film, entre les lignes, dessinent le portrait d’hommes et de femmes à la recherche du temps qui passe, d’une parcelle d’humanité et d’un morceau d’éternité !

Tout aussi passionnant est Photo de famille de Cecilia Rouaud avec une distribution étincelante.

3 frères et soeurs, Vanessa Paradis gagne sa vie immobile, statue vivante dans les parcs de Paris, Pierre Deladonchamps en game designer autiste, Camille Cottin, la rage au coeur de ne pas réussir à tomber enceinte alors que toutes ses copines pondent allègrement (même la nouvelle jeune femme de son père !), se réunissent avec leurs parents, Chantal Lauby déchirante d’humanité et Jean-Pierre Bacri dans un registre plus sobre qu’à l’habitude, autour de la grand-mère qui ne peut plus vivre seule et veut « retourner » à St Julien, le lieu de leur enfance, pour y mourir. Derrière les déchirures de la vie, il y a, à fleur de peau, tous les mystères de l’amour et de la tendresse. Chronique douce amère d’une France de la confrontation des âges (4 générations coexistent), des familles où se tissent des liens que le temps écharpe, des ressentiments et de la générosité, de l’amour et de l’interrogation sur un futur qui nous guette.

Dans un registre plus mineur de la comédie mais d’une facture tout à fait honorable, Roulez jeunesse de Julien Guetta, un premier film avec Benjamin Roux en chef opérateur talentueux, sait naviguer entre les écueils de la facilité et les codes d’un genre, la comédie dramatique porté par un drame social. Alex, campé par un lumineux Eric Judor vit toujours chez sa mère en camionneur étouffé par son omniprésence. il rencontre au hasard d’une course, un fille allumée qui lui lègue en cadeau d’une nuit, trois enfants dont il va devoir s’occuper par nécessité. Entre la chronique sociale d’un Ken Loach et la comédie de moeurs à la française, le film oscille agréablement, cheminant vers les chemins de traverse d’un Tchao Pantin moins sombre et tourné vers l’espoir. C’est d’une facture intelligente et légère qui laisse augurer d’un avenir prometteur pour le réalisateur.

Reste une petite déception, Les Frères Sisters de Jacques Audiard. Si attendu, précédé d’une réputation flamboyante et d’une distribution exceptionnelle, ce film « western réaliste » étire sur deux heures les errements d’un duo de tueurs à la solde d’un « commodore » impitoyable traquant deux gentils allumés à la recherche d’un paradis à créer. D’où vient alors ce sentiment de longueur, cette impatience qui nous saisit dans les échanges sans fin entre le quatuor de bras cassés en butte aux hordes de tueurs lâchés leurs basques et la vie sauvage d’un Ouest en pleine conquête en ce milieu du 19ème siècle ! peut-être dans un trop plein d’images, de mots et de fureur. Bon, peut-être aussi dans une trop grande attente d’un « western à la Française ! »

En conséquence et malgré tout, vive le cinéma Français, si riche et vivant, si ancré dans la réalité et dans le rêve, dans l’ici et l’ailleurs, apte à nous transporter dans de belles histoires, de belles contrées, campé par des hommes et des femmes qui portent les drames et les joies d’une vie à construire.

Vive le Cinéma, Vive le Cinéma Français !

Voici donc un article paru dans l'excellente revue culturelle de la Côte d'Azur, La Strada (N° 295 du 4 juin 2018). Son  directeur, Michel Sajn, mon ami, m'a demandé de faire un papier sur le Festival du Film de Cannes. Avec 40 films au compteur j'avais peut-être, selon lui, une certaine légitimité à faire un bilan. Le voici donc... à vous de juger !

Un Festival pas comme les autres !

Et je ne parle pas seulement du virage de la sélection, des nouveaux auteurs qui font irruption cette année et de l’absence (justifiée ?) d’un lot  d’icônes récurrentes du Festival et plus généralement des américains…

Non, je parle aussi de la capacité extraordinaire pour un cinéphile lambda comme moi de faire son propre marché en voyant 40 films en 9 jours dont les 3/4 de la compétition, presque tous les films de la Semaine de la Critique, la majeure partie d’Un certain regard et quelques sélections de la  Quinzaine où autres catégories (cinema des antipodes, acid ect…

C’est le privilège accordé par le badge cinéphile à ceux qui refusent de monter les 24 marches du tapis rouge pour aller dans les salles périphériques de la Bocca prendre leur over-dose d’images du monde, de sujets brûlants et de visions paradoxales.

La sexualité déclinée

Et en ce mois de mai 2018, nous avons été particulièrement gâtés. Année du renouveau ? Peut-être, même si le cinéma produit par les témoins d’un monde en convulsion ne peut que refléter l’état d’urgence de notre société a entamer sa grande mutation vers un monde meilleur.

Deux thèmes vont parcourir ces films en écho d’une planète du 7ème Art, parcourant tous les recoins d’une planète bien étroite quand il s’agit de celle des idées, du Mexique au Japon, de la Russie à l’Egypte… Le premier concerne une déclinaison permanente de la sexualité sous toutes ses formes, du trans-genre à l’homo, de la passion assumée à l’indicible constat de son appartenance hors les normes. Toutes ces variations tentent de faire resurgir l’humain et sa fragilité derrière son sexe, de décliner une identité nouvelle brisant les tabous. Avec réussite et élégance dans Plaire, aimer et courir vite de Christophe Honoré où rode l’ombre du Sida ou chez Mario, le jeune footballeur épris de son coéquipier de Marcel Gisler. Il est plus tragique dans l’excellent Sauvage de Camille Vidal-Naquet (la descente en enfer d’un jeune prostitué drogué que rien ne pourra sauver, même les mains tendues) ou totalement déjanté dans le quatuor amoureux et savoureux de A genoux  les gars du réalisateur Antoine Derosières, ou une cité sert de laboratoire à l’apprentissage du sexe chez 4 adolescents. Verbe et jubilation ! Chez Ryusuke Hamaguch, Asako 1 et 2 va tomber amoureuse d’un garçon sosie de son premier grand amour Bakou… celui-ci fait un retour  dans sa nouvelle vie et va remettre en cause toutes ses certitudes… dans le formidable Shéhérazade de jean-Bernard Marlin, un couple improbable, lui jeune délinquant et apprenti proxénète, elle sa première pute, vont connaitre le grand amour jusqu’à briser tous les codes d’honneur de la délinquance en assumant le statut de « balance » pour que leur passion vive et s’épanouisse dans l’espoir d’un futur !

Mais c’est avec Girl du Belge Lukas Dhont que le Festival subira un de ses choc le plus poignant et émouvant! Une jeune fille mène de front son apprentissage de danseuse dans une académie de danse où elle martyrise son corps pour atteindre l’excellence et son chemin vers une transformation physique destinée à lui ôter les attributs masculins d’un sexe qui n’est pas le sien. Le jeune acteur Victor Polster habite ce personnage d’une grâce, d’une énergie et d’une certitude qui balaient tous les poncifs autour de cette mutation. Entouré d’un père aimant et d’une équipe médicale attentive, elle va provoquer le destin dans un acte final à couper le souffle ! Prix et interprétation pour l’acteur. Le choc du Festival !

L’enfance en filigrane

Le deuxième thème tourne autour de la situation des enfants et des adolescents, trop souvent maltraités, victimes et observateurs, dévoilant les injustices de leur environnement hostile. Parfois aimés comme dans la Palme d’Or (quelque peu sur-valorisée !) de Kore-eda, La petite famille où des enfants sont recueillis et deviennent des apprentis voleurs, où dans le formidable et injustement oublié du palmarès, Yomédine de Abu Bakr Shawky en orphelin compagnon d’un lépreux sur les chemins d’un voyage initiatique vers un passé douloureux. C’est l’enfant kidnappée qui provoque le drame de Everybody Knows de Asghari Farhadi, l’excellent film d’ouverture du festival, dont l’absence au palmarès est bien étonnante. Dans Wildlife de l’américain Paul Dano, c’est dans les yeux d’un adolescent que l’on voit le délitement d’un couple dans une société américaine désemparée et sans illusions. Les futur électeurs de Trump sont en gestation dans ce Montana des années 70… Dans Ayka, film russe de Sergey Dvortsevoy, l’enfant est abandonné à la naissance par une immigrée Kirghize au bord du gouffre, exploitée par des marchands de sommeil, des patrons véreux et pourchassée par des prêteurs sur gage qu’elle ne peut rembourser. Dans sa plongée vers l’horreur, elle va retrouver ce bébé pour se libérer de sa dette en le vendant aux truands…mais réussira-t-elle à s’en séparer ? Un prix d’interprétation féminine consacre ce film haletant et poignant où, dans un Moscou sous la neige, le sort des immigrés vient en écho de  leur situation dans tous les pays du monde ! Dans Capharnaüm de Nadine Labaki, récompensé par le jury, l’enfant intente un procès à ses parents pour l’avoir fait naître dans ce monde de souffrance et d’horreur pour les plus faibles.

La société française en miroir

Mais le festival de Cannes, en cette édition 2018, c’est aussi un formidable miroir à l’international d’une série de films Français renvoyant à la réalité si dure d’un pays qui cherche un sens à son avenir. Nos Batailles de Guillaume Senez et En Guerre de Stephane Brizé consacrent un genre bien politique du cinéma français. De la réalité à sa mise en fiction, ces deux films sur la dureté du monde de l’entreprise et la lutte pour survivre se voient comme des films haletants et des aventures humaines sans complaisance. Romain Duris et Vincent Lindon sont formidables en héros d’un peuple que la pression de l’entreprise et la logique de la rentabilité renvoie à la casse sociale des laissés pour compte ! Films avant tout.. même s’ils renvoient à un présent que nous aimerions bien voir changer !

Et notons que les évènements si proche de la Vallée de la Roya autour des migrants auront eu un écho dans deux films. La traversée de Goupil/Cohn-Bendit où le couple part sur les chemins de France à la recherche des racines de l’histoire contemporaine. Déambulation testamentaire des héros soixante-huitards, le film alerte le meilleur (la scène de l’ouvrier retournant dans son usine désaffectée, le retour aux chantiers naval de St-Nazaire) mais manque parfois de clarifications à des rencontres sans réponses (Ménard, Le repas avec les sympathisants du FN). Un des moments de grâce du film reste les interventions des habitants de La Roya confrontés au problème des migrants, l’humanité profonde qui se dégage de ceux qui vivent au contact de ces êtres perdus errants sur les routes du désespoir.

Et bien sur, en séance spéciale du Festival, Libre, le documentaire réalisé par  Michel Toesca avec Cedric Hérrou où pendant 3 ans, caméra à l’épaule, le réalisateur va suivre son ami et tous ceux qui se sont engagés au delà des clivages, pour assister et soutenir ces ombres qui marchent coincées dans cette vallée du Sud-Est par la loi des logiques d’état contre celles du coeur !

Voilà donc un panorama de ce qui vous attend dans les prochains mois sur vos écrans. 40 films visionnés en 9 jours sur les centaines de films présentés… c’est peu certes mais suffisant pour donner une image de la production mondiale. Et si les commerçants de Cannes tirent la gueule sur cette édition en constatant les chiffres d’affaires en baisse, les cinéphiles eux affichent le sourire satisfait d’une attente récompensée. Allez les les sélectionneurs, continuez à nous faire rêver et le monde de l’économie retrouvera les chemins de l’espoir !

Le Festival du Film de Cannes reste le plus grand évènement mondial du cinéma, n’en déplaise à quelques américains confiants  dans leurs certitudes !

PS : Et si vous voulez vivre un vrai moment de cinéma pur, pensez à aller voir dès qu’il sortira Artic, de Joe Penna avec au générique un Mad Mikkelsen éblouissant… et une actrice dans le coma qui ne prononcera qu’un mot de tout le film. Par contre, lui, dans ce rôle d’un Robinson Crusoé des mers de glaces s’en donne à coeur joie pour tenter de survivre. Du grand cinéma d’aventures dans des paysages fabuleux et qui repousse les limites du courage et de l’acharnement à ne pas sombrer !

PPS : Et je n’ai rien à vous conseiller pour Le grand bain, comédie jubilatoire de Gilles Lellouche avec un casting de folie. Ce sera le prochain grand succès de la rentrée (mérité) et vous vous régalerez comme tous ceux qui l’ont vu à Cannes. Vous rirez comme moi et comme la France entière aux déboires d’une cohortes de pieds cassés en train de vaincre leur destin de losers !

Allez, et bonnes toiles pour les amateurs de cinéma, là où il faut les voir, c’est à dire devant le grand écran d’un grand cinéma  !

Bon, il y a des miracles… Cette édition 2018 le confirme. De séances en séances, de films en films, bouleversants, étonnants, à rire et à pleurer, qui font réfléchir et qui détendent. Toute la panoplie des émotions y passent avec ce mystère d’un monde qui respire aux quatre coins de la planète du mouvement de l’intelligence et du coeur.

Après 39 projections en 7 jours, l’oeil se vide de tous préjugés et l’esprit se remplit d’humanité. C’est ainsi, 2018 est une très grande année pour le cinéma !

Deux films merveilleux en cette période de « macronisation » aiguë de la société ! Nos batailles de Guillaume Senez permet à un Romain Duris d’exploser dans le rôle d’un employé d’une multinationale de la distribution (Amazon, je t’ai reconnu !) dont la femme épuisée quitte le foyer et ses deux enfants. Tranches de vie bouleversante entre la profonde inhumanité du monde de l’entreprise et le destin brisé de deux enfants, d’une famille solidaire mais désemparée devant la dureté de l’existence. Un film âpre et prenant dont on ne sort pas indemne.

C’est encore plus violent dans le Stephane Brizé en compétition, En Guerre, où Vincent Lindon va tenter l’incroyable pari d’obtenir un second prix d’interprétation mérité pour un rôle qui se situe sur le même terrain que La Loi du Marché. Une entreprise d’Agen est promise à la fermeture et ses 1100 salariés à la casse malgré sa rentabilité et un précédent accord où le personnel avait consenti des sacrifices en signant un contrat rognant sur leurs droits et primes pour faire vivre l’entreprise. Mais la firme allemande propriétaire décide de délocaliser la production en rompant son engagement de maintenir l’activité pendant 5 ans. La lutte s’engage, violente, un combat dont personne ne sortira indemne. Et pendant ce temps les politiques pérorent et les patrons taillent à la serpe dans la vie des gens. C’est magnifique, bouleversant, haletant jusqu’à un dénouement qui vous prend à la gorge ! Sous la plage de la Croisette, les pavés volent aussi !

Plus étonnant La traversée, où l’ont suit les pérégrinations de Dany le rouge et de Romain Goupil sur les terres d’une France dévastée par la désindustrialisation, la peur de l’autre (le passage sur la vallée de la Roya et les immigrés est magnifique et les idées extrêmes d’un Ménard (un peu complaisant nos amis face à leur ancien pote !) et d’une tablée du Front National… C’est un film où la liberté de ton est réelle, où Dany s’en donne à coeur joie et cabotine à souhaits, avec des portraits de gens engagés qui donnent de l’espoir… même s’il manque parfois un peu d’analyse sur les réponses aux problèmes soulevés !

Loi des séries avec deux beaux italiens. Dogman de Matteo Garrone film en compétition où le réalisateur de Gomorra revient filmer des paumés de la vie dans un quartier populaire sous la botte d’un truand sauvage. Un homme simple, toiletteur pour chien, va régler ses comptes en affrontant le chef de gang. Euphoria de Valeria Golino est un film magnifique où un homme en train de mourir d’une tumeur est recueilli par son frère, gay et riche, cultivé et sensible. Tous les deux vont communier et se retrouver pour un dernier parcours sur les chemins de la vie. Poignant et digne et certainement pas misérabiliste même si je défie quiconque de ne pas verser une larme dans la séquence finale !

Mon tissu préféré de Gaya Jiji se situe dans une Syrie en train de se convulser sous les assauts d’un printemps libérateur. Une jeune fille est promise a un expatrié qui choisit finalement sa soeur cadette. Elle va rêver sa vie, son destin, un avenir, pendant que toutes les certitudes explosent et embrasent le quotidien. Un vrai document sur une histoire en train de se défaire !

Parmi tous ces films, un Semaine de la Critique (1er ou 2ème film) laisse afficher de belles promesses. Woman at War de Benedikt Erlingsson, un thriller écologique islandais, suit une femme tentant de s’opposer à un conglomérat industriel en provoquant des attentats sur les lignes à haute tension…

De même, deux films japonais en compétition seront proposés à quelques heures d’intervalle. Shoplifters de Kore-Eda est un peu convenu et longuet. Ce film sur une famille recomposée au grand coeur, composée de voleurs de tout âge, s’étire… même s’il se laisse voir sans déplaisir. Plus surprenant est Asako 1 et 2 de Ryûsuke Hamaguch. Une jeune fille est amoureuse de Baku qui la quitte plusieurs fois. Il va disparaître définitivement et bien des années plus tard, elle va tomber amoureuse du sosie de Baku. Jusqu’à ce qu’il revienne une nouvelle fois troubler son existence  et que toute ses certitudes s’écroulent ! Passionnant.

Pour rester en Asie, le trop long Burning de Lee Chang-Dong loupe le coche. Une première partie interminable, une deuxième qui rate l’essence d’une histoire de Murakami… Dommage !

Cold War de Pawel Pawlikowski devrait se retrouver au palmarès. Dans les années soixante de la guerre froide, un chef d’orchestre et une chanteuse vont vivre une passion sans avenir. La fuite de l’un à Paris et la montée de la main-mise des politiques sur l’orchestre folklorique ne vont leur laisser que quelques bribes d’une vie à partager, jusqu’au dénouement final, une des plus belles séquences proposées par les films de cette édition 2018 si riche en langage cinématographique !

Reste la surprise de la dernière heure. Ayka de Sergey Dvortsevoy suit le destin d’une jeune Kirghize émigrée à Moscou. Une plongée glaçante dans une ville tentaculaire sous la neige. Marchands de sommeil, employeurs véreux, policiers corrompus, prêteurs sur gage et cet enfant dont elle accouche et qu’elle abandonne dans une fuite éperdue pour survivre. Tous les ingrédients (femme, émigrée) pour éperonner la conscience de nos conformismes se trouvent réunis pour créer la surprise au palmarès. Une femme présidente pour une laissée pour compte de la société inhumaine des hommes… Pourquoi pas la plus haute marche du palmarès 2018 ?

Resterait plein d’autres films à commenter mais aussi un palmarès qui va débouler, avec son lot de surprises traditionnelles et il est donc l’heure tant attendue des pronostics.

Avec 16 films en compétition sur les 21, je m’avance donc avec la réserve de ceux que je n’ai pu voir. On devrait retrouver dans les primés les deux films de la Russie (L’été de Serebrennikov et Ayka de Sergey Dvortsevoy) et celui de la Pologne (Cold War de Pavel Pawlikowski) auxquels on peut rajouter Everibody Knows de Asghar Fajardie et Yomeddine de Abu Baki Shawky pour la Palme d’Or.

Pour l’interprétation masculine, Vincent Lindon pour En guerre et Maurizio Braucci pour Dogman vont s’affronter à armes égales (… et pourquoi pas un double prix ?) quand à l’interprétation féminine, elle revient de droit à l’actrice qui interprète Ayka.

Mais le jury a ses raisons que la raison ne connait pas toujours ! Verdict dans quelques heures !

Et n’en déplaise aux critiques pisse-froids, ce fut un excellent Festival, rempli de surprises et qui nous a permis de voyager à travers le monde à la recherche de ce bon sens qui semble tant manquer à une humanité au bord du gouffre !

Quand à moi, j’atteindrai aujourd’hui cette barre mythique des 40 films…et je vais peut-être pouvoir me détendre au bord d’une des plus belles scènes du monde, devant un écran gigantesque, celui d’une Méditerranée nonchalante qui berce nos pieds endoloris par les heures passées dans les files d’attentes  à parler et discourir sur les films avec des inconnus en mal d’émotions fortes et de partage !

Allez, rendez-vous pour le palmarès tout à l’heure et à l’année prochaine pour de nouvelles aventures !

PS : Et si vous voulez rire au cinéma, n’hésitez pas. Le grand Bain de Gilles Lellouche, promis à un destin national, vous permettra de vous laisser aller autour d’un casting de rêve particulièrement bien utilisé, d’une histoire éternelle (les looseurs qui gagnent !) et sera la grande comédie de l’année… à juste titre !

22 films et le miracle perdure.  On se souviendra de cette édition comme d’un moment de grâce que les propositions des réalisateurs parent de toutes les gammes des émotions et des sentiments. Et la fête n’est pas terminée !

Souffle d’air frais avec une rafale de films français de qualité. A genoux les gars, de Antoine Desrosières, montre un quatuor adolescent en train d’éperonner tous les codes de l’amour. Dans une cité de banlieue, deux soeurs Rim et Yasmina à la verve haut en couleur, vont se retrouver en train d’expérimenter les jeux de l’amour sans le hasard ! Rires garantis et fraicheur des acteurs pour une comédie sans romantisme.

Shéhérazade de Jean-Bernard Marlin offre un autre visage de l’amour sur les trottoirs de Marseille. Un jeune délinquant tombe amoureux de la première prostituée du réseau qu’il monte. De souteneur à soutien, il n’y aura qu’un pas qu’il franchira en endossant le rôle de « la balance » si honnie dans ce milieu de la délinquance aux codes d’honneur inscrits dans le marbre. Pour la sauver, il retournera en prison, perdra un oeil mais en trouvant la lumière. Traitre à sa bande, il va enfin accepter ce grand amour qui le sauvera !

Joueurs de Marie Monge oppose un Tahar Rahim étincelant en joueur accroc, à une jeune fille bien sage dévorée par l’ennui et la solitude. Happée par ce tourbillon de sentiments et cette griserie d’un monde de la nuit où le jeu dévore l’ennui, elle va glisser à ses côtés vers la pente fatale de la mort. Elle tentera bien de le sauver malgré lui, mais cet amour sauvage ne peut que se briser sur les illusions d’une fuite vers le néant. Marie Monge, pour ce premier film, démontre une belle maitrise, un sens inné pour raconter et filmer une histoire éternelle, celle des jeux de l’amour et du hasard, même s’il n’y a plus de hasard dans sa capacité à devenir une metteur en scène dont on attend désormais les prochaines productions !

O Grande Circo Mistico voit un revenant renaître de ses cendres. Carlos Diegues n’avait plus tourné depuis 18 ans. Ce seigneur du Cinéma Novo brésilien des années 70/80 s’était muré dans le silence. Avec ce film qui suit la vie d’un cirque sur un siècle, entre les deux passages de la comète de Haley, il crée un univers baroque et sensuel, des personnages décalés dans des situation absurdes. C’est du grand cinéma, inspiré, et on peut noter la participation exceptionnelle d’un Vincent Cassel métamorphosé.

Wildlife est une plongée dans l’Amérique profonde du Montana, près ère Trump ! A la hauteur d’un adolescent, le film montre le délitement d’un couple qui s’enfonce dans une crise de confiance, une fuite en avant où tout est prétexte en faire surgir l’incompréhension et le désarroi. Cet angle si précis donne une dimension de proximité au drame en train de se jouer et annonce les désastres à venir d’une société américaine sans illusions.

Enfin 2 bijoux pour conclure cette deuxième livraison.…

3 visages de Jafar Panahi, le banni iranien interdit de sortie du territoire. Il va poser un des visages sur son film, le sien. Mais il y a aussi dans cette histoire tous les ingrédients d’un mystère à résoudre. Un message filmé d’un portable est arrivé chez une actrice célèbre de la télé iranienne. C’est un appel au secours d’une jeune fille. Sa famille veut l’empêcher de devenir élève dans une école d’art dramatique et la marier de force. Elle décide de se pendre en se filmant. Ce message va déclencher le départ pour son village reculé dans les montagnes de l’actrice et de son réalisateur, Jafar Panai lui-même. Ils vont enquêter sur cette affaire et au passage, dévoiler toutes les contradictions d’une société iranienne engoncée entre le passé et l’absence de futur. C’est un film d’une rare puissance, une pérégrination sur les chemins de l’émancipation des femmes dans une société corsetée par les codes du machisme et de l’honneur.

Girl de Lukas Dont, un flamand est sans doute l’oeuvre la plus passionnante de ce Festival. présenté à Un Certain Regard, elle méritait de pouvoir se mesurer aux autres films en compétition.

Par le thème d’abord, celui d’une jeune fille Clara engoncée dans un corps d’homme et qui entame sa mutation médicale soutenue par son père et un corps professionnel attentionné. Par la personnalité exceptionnelle de son acteur principal, Victor Polster qui d’ores et déjà aura gagné la palme de toutes les interprétations, masculine comme féminine ! La jeune fille partage sa vie entre cette académie de danse (rarement on aura montré cet art du mouvement comme une douleur si intense de la répétition vers la perfection), et ses séances avec les psys et médecins. C’est une ode à la liberté, à la tolérance et à l’amour. Dans sa nature si troublée, elle trouve une force incroyable pour jeter à tous ceux qui pensent qu’une « manif pour tous » suffit à remettre des frontières, un pavé dans la mare de la bienséance et du poncif. Le drame final lui permettra enfin d’être cette jeune femme libre qu’elle a toujours été dans sa tête.

A voir avec urgence !

Et le Festival s'avance, de séance en séance. A chaque ouverture, nous espérons toujours et encore être surpris, émus, amusés… et cela tombe bien, car cette édition 71 restera dans les annales du cinéma ! Jusqu’à maintenant tout au moins ! Bon, avouons-le, il y a toutes les raisons d’espérer, au vu de l’état du monde, que le 7ème Art aura encore de belles pages à écrire pour tenter d'éclairer le monde !

12 films et déjà une impression d’être au centre du monde du 7ème Art, qualité au rendez-vous des cinéphages,  films intéressants, voire passionnants dégustés sans retenue. Le festival semble bien parti, puisse-t-il tenir ses promesses et continuer à nous emmener vers ces chemins de traverses qui nous font voyager au coeur des hommes et à travers les paysages si divers de notre planète,  celle des sentiments d’une urgence à mieux lire ce monde.

De cette ouverture, nous pouvons retenir la qualité avérée du cinéma des antipodes avec deux films australiens et un superbe court métrage. That’s not me réalisé par Grégory Erdstein est l’histoire de deux soeurs jumelles dont l’une réussit à devenir une star pendant que l’autre doit assumer son rôle de doublure frustrée. La légende de Ben Hall de Matthew Holmes est tirée d’une véritable histoire et se situe plus classiquement sur le terrain d’un western Australien. Ben Hall, l’ennemi public numéro 1, détrousseur de diligences et de convois d’or, dans une dernière randonnée sauvage, va tenter de fuir et d’échapper aux forces qui le traquent.

Un court métrage The Dam (Brendon McDonnel), va introduire ce qui semble être le thème de cette 71ème édition du Festival de Film de Cannes : l’homosexualité. Deux jeunes se baignent dans la mer, 40 ans plus tard, ils se retrouvent au crépuscule de la vie et vont dans un dernier round, tenter de renouer les fils de leur histoire afin de la comprendre. 3Trois bijoux qui montrent à l’évidence combien ce cinéma des antipodes est riche et mérite d’être plus reconnu.

Sur le thème des amours lesbiens et homosexuels, nous allons enchaîner avec Sauvage (réalisation Camille Vidal-Naquet) de la semaine de la critique (1er ou 2ème film), remarquable portrait d’un enfant perdu, prostitué, drogué, malade. Sans affect, il va plonger vers son destin sans pouvoir saisir les mains qui se tendent pour le sauver. troublant. Plus classique le Plaire, aimer et courir vite de Christophe Honoré en compétition. Un écrivain précieux dévoré par le sida rencontre un jeune et va tenter de résister à la passion d’un dernier amour. Magnifiquement interprété par Pierre Deladonchamps et un surprenant Vincent Lacoste, le film se penche sur cette époque où la maladie emportait les uns après les autres ceux qui avaient osé transgresser la norme. Académique mais élégant !

Pour cette compétition officielle, les premiers films visionnés sont porteurs d’enthousiasme cinéphilique. Todos lo saben (Everybody Knows) avec le couple charismatique (Pénélope Cruz/Javier Bardem) dans une réalisation de l’iranien Asghari Farhadi, est un bijou esthétique, sensuel, dramatique, formidablement mis en scène et interprété ! Jubilation !

L’été du banni russe Serebrennikov se penche en noir et blanc sur les années 80 et l’irruption du rock et du punk dans la société des jeunes russes. Le corset de l’histoire va exploser dans une mise en scène échevelée où l’art graphique vient compléter cette découverte de la liberté déclinée sous toutes ses formes, y compris celle d’un amour partagé entre une femme et deux rockers. Yomeddine de l’égyptien Abu Bakr Shawky est un road movie où deux exclus, un lépreux et un orphelin nubien, vont partir à la recherche de leur passé. Sublime portrait rempli d’espoir, où le drame côtoie en permanence l’humour, où la force de vie est plus importante que toutes les forces du mal. Le jeu des deux acteurs amateurs est époustouflant et les couleurs d’une Egypte de la tolérance se dessinent entre les lignes de fracture d’une société enfermée dans ses peurs.

Artic de Joé Penna est un huis clos dans l’immensité glacée du pôle. Un homme perdu dans les neiges va tenter de survivre en sauvant une inconnue en puisant dans sa force et ses limites extrêmes imposées par des conditions surhumaines. Mads Mikkelsen est éblouissant, seul acteur quasiment d’un Robinson Crusoé des glaces éternelles.

Petra de Jaime Rosales est d’un académisme troublant, en rupture avec le sujet horrible qui en est la trame. Lent glissement où une jeune femme recherche son père (un odieux sculpteur célèbre) et qui débouchera sur des secrets de famille entrainant un suicide et un meurtre. Quand le silence comme les paroles peuvent tuer !

Rafales de films, rafales d’espoir. On attend avec gourmandise les films qui suivent. Le cinéma est toujours cet art de tous les mystères, capable de nous surprendre et de nous émouvoir ! Vive le Festival du Film de Cannes !

On aurait souhaité avoir aidé à construire cette villa pimpante accrochée aux pentes d’une calanque dans une baie de Marseille transfigurée. Avoir été à l’origine de tout, à la naissance de l’espoir. On aimerait pouvoir renoncer au monde et s’y réfugier avec cette bande de vieux potes née il y a plus de 30 ans derrière l’objectif d’un cinéaste en train de forger son style et de trouver son inspiration dans la vie quotidienne de personnages  ancrés dans un sud coloré et plein de vie.

Il y a la belle Ariane Ascaride qui a survécu à la mort de son enfant noyée 10 ans auparavant dans cette Méditerranée où elle a grandi et qui retrouve un clan forgé dans ce deuil. Il y a le grand frère Gérard Meylan que tout être aurait le désir d’avoir comme tuteur protecteur. Il est resté ancré dans cette calanque et ouvre toujours ce petit restaurant avec des plats typiques et «pas chers», perpétuant la tradition d’un père vieillissant dont il s’occupe et dont l’accident vasculaire va déclencher ces retrouvailles. Il y a Jean-Claude Darroussin, frustré d’une carrière littéraire avortée, dont l’ironie acerbe est une façade pour cacher sa peur et qui décide enfin de s’assumer et de rêver son destin.

Et d’autres personnages aussi à la lisière de ces retrouvailles qui vont apporter un grand souffle de l’ailleurs. Une belle jeune femme qui a accompagné Darroussin sur ses pas et va décider de le quitter pour ne pas le prendre en pitié. il y a le fils docteur qui a réussi et ouvre des labos en série. Il est là pour aider ses parents qui se décident à lâcher prise et se suicident, main dans la main, pour nier le temps qui passe et ne pas voir la mort en traitrise les séparer. Ils ne se reconnaissent pas dans cette fuite du temps qui les ronge et préfèrent s’en aller de concert. Il y a le jeune pêcheur amoureux du théâtre et de sa muse Ariane, lui déclamant du Claudel en comptant les poissons emmêlés dans ses filets. Il va lui redonner un peu de cet espoir que la mort d’un enfant lui avait dérobé en lui offrant un désir sincère et un élan d’amour régénérateur.

Il y a aussi des patrouilles de soldats qui passent régulièrement à la recherche de ces migrants vivants ou morts débarquant sur ces côtes déchirées, chassés par la guerre et la faim, à la recherche d'un abri et d'un peu d'espoir.

Il y a surtout, cette enfant fragile qui nourrit ses jeunes frères, cachés sous des rochers dans un abri de fortune. Elle dérobe un peu de confiture et confectionne une pâtée avec les graines des mangeoires d’animaux et l’eau rance des réservoirs. C’est eux qui vont être les détonateurs du renouveau ! Ils vont devenir les témoins privilégiés de la renaissance en cours. Le soleil qui réapparait pour rétablir l’ordre des choses. De nouveaux élans pour gommer les stries d’un passé morbide. L’espoir d’un vent  libérateur qui, dans les échos des noms renvoyés par l’arche d’un pont sur lequel passe une micheline, confond le passé et le présent pour offrir un avenir aux survivants. C’est une ode sur la mort au travail, mais aussi sur l’espoir d’un temps qui s’écoule. Et les cicatrices passées ne peuvent que soulager les blessures de la fuite du temps.

Et le père aphasique va retrouver un élan de vie, comme pour transmettre une dernière fois son patrimoine d’humanité et son amour d’éternité.

Robert Guédiguian qui trace son chemin à l’écart des chapelles n’est jamais aussi bon que quand il parle de ce qu’il est, de ceux qu’il aime. Et il y a un amour infini dans cet espoir d’une petite fille abandonnée sur les routes d’un exil qui trouve un foyer dans la chambre dévastés de celle que la mort a emportée ! Ode à la vie, à l’espoir et au renouveau, La Villa est un hymne à l’espérance et à la nature luxuriante de ce coin de paradis que les temps nouveaux tentent de dévaster mais qui résiste dans l’humanité profonde de ses habitants.

Il y a bien sûr le Festival de Cannes et son Palais des Festivals grandiose pour une semaine où il devient le centre du monde, l’évènement le plus médiatique à être couvert par les journalistes et critiques des 5 continents. Il y a aussi le Festival du Film Publicitaire, et les marchés professionnels des programmes  (MIPTV et MIPCOM).
il y a de nombreuses manifestations comme le Festival Panafricain et les séances spéciales de Ciné-Croisette et de Cannes Cinéma tout au long de l’année.
L’image est chez elle à Cannes et ce n’est que justice quand l’on voit la beauté de cette baie, les monts de l’Estérel dans les couleurs flamboyantes du couchant, les iles de Lérins fermer la baie de la Croisette avec la pointe du Palm Beach qui se referme sur l’horizon.
Plus haut, la Californie des riches, le Suquet des vieux Cannois avec sa tour de garde et encore plus loin, la colline de la Croix des Gardes où les villas accrochent des taches de couleurs pimpantes.
C’est Cannes comme le tableau d'un peintre où toutes les couleurs composent une ode à la beauté du sud, un charme envoûtant dans les senteurs du maquis et des pins orgueilleux.

En novembre décembre, dans les salles de Cannes, pour la trentième fois, un festival de cinéphiles, avec du bon cinéma va réunir le public des jeunes, ceux qui peuvent « optionner » le cinéma au Bac, et ceux qui peuplent les écrans de leurs rêves passés avec leur cheveux blancs.
Des retraités cinéphiles aux lycéens, ils vont se retrouver, les uns afin de compléter leur culture du 7ème art, les autres dans des stages « Moi, Jeune Critique », des masters classes et autres débats, vont tenter de se créer un palmarès à la mesure de leur soif d’apprendre !

Les Rencontres Cinématographiques de Cannes, c’est l’Autre Festival, celui au visage humain, celui qui permet de découvrir des films d’art et essai, de voir et revoir des chefs d’oeuvre…
Une occasion de plonger dans le défilement incessant des images qui parlent d’un monde, du monde, et de vivre une nouvelle aventure en pays de cinéma sans la pression de son grand frère du mois de mai.
Et cette année, pour le 30ème anniversaire des RCC, les films furent d’un niveau exceptionnel et les moments de rencontres passionnants !
Sur un vague thème des libertés, le vrai fond des histoires proposées tournait autour du Moyen Orient et du Maghreb et plus généralement des problèmes autour de la religion et des minorités opprimées.

Et tout de suite, un authentique chef d’oeuvre, un film qui fait date dans la vision d’un conflit sans fin et des mécanismes qui amènent à l’horreur : L’Insulte de Ziad Doueiri.
Dans les rues de Beyrouth, un chantier de rénovation va opposer un chef de chantier Palestinien et un locataire chrétien Libanais. Une insulte bien banale va dégénérer en conflit embrasant les populations clivées de la ville. De tentatives de réconciliation avortées en procès devant les tribunaux, c’est tout le pays qui s’embrase et réveille les tensions latentes d’une histoire jamais dite. L’Insulte ne sera lavée que dans un final à couper au couteau, véritable coup de poing dévoilant que ce qui réunit l’offensé et l’offenseur, c’est le drame de vies brisées, là ou chacun est à la fois victime et bourreau, subissant l’horreur et la générant. Pourtant, le « -je m’excuse » final, peut-être, laisse espérer qu’un jour, la lumière jaillira du chaos. Mais combien de drames encore, d’incompréhensions et de blessures secrètes faudra-t-il subir pour que l’espoir renaisse et que les fantômes s’évanouissent ? 

Wajib de Annemarie Jacir se déroule à Nazareth. Abu Shadi, professeur, accompli le Wajib à l’occasion du mariage de sa fille, c’est à dire la distribution personnelle des invitations accompagné de son fils qui s’est exilé en Italie.
Les rencontres, les absents, la mère qui a divorcé et vit aux Etats-Unis mais doit rentrer pour le mariage de sa fille, et surtout, les retrouvailles entre le père et le fils en support de la vie quotidienne à Nazareth dessine un tableau absurde, des non-dits, des impasses de la société israélienne et de la confrontation entre des peuples différents, des religions différentes et la pression permanente de l’environnement.
C’est un film subtil, dramatique et la question principale reste de partir ou rester, vivre ou lutter, se compromettre ou garder ses idéaux mais abandonner sa terre ! Bouleversant de justesse et ne jouant jamais sur le sensationnel mais sur la précision du trait et la formule juste.

Dans le même registre, Les Bienheureux de Sofia Djama revient sur la « guerre civile » en Algérie. A l’occasion de leur 20 ans de mariage Amal et Samir (Sami Bouagila) sont confrontés à la question de partir de l’Algérie afin de s’accomplir (et d’offrir à Faim leur fils, un avenir) où d’y rester pour la transformer. Les jeunes, pendant ce temps tentent de vivre et de rêver entre les problèmes de la religion, le poids d’un état militaire et l’absence de perspectives. C’est un film qui parle de l’intérieur de la société, entre les guerres du passé (et surtout celle des années de plomb de la terreur « islamiste ») et l’absence d’un horizon porteur d’espoir. Magnifiquement réalisé pour un 1er film, il jette un pont entre des évènements que nous avons vécus sans les comprendre, entre le passé de notre colonisation et la monté de l’intégrisme sur fond de désorganisation sociale et d’absence de liberté couplées à la corruption !

Formidable et rafraîchissant (ce qui est un comble pour un film se déroulant dans un hammam !), A mon âge je me cache encore pour fumer de Rayhana confronte des femmes face à la domination de l’homme et de la religion dans le sanctuaire bien fragile d’un Hammam. Le drame fera pourtant irruption, encore un fois sous les traits d’un frère fanatique voulant venger l’honneur de sa famille souillée par une naissance hors mariage. Magnifiquement interprété par une pléiade de femmes toutes plus belles et pétillantes, le film est une lecture cruelle d’un monde dans lequel l’oppression religieuse et machiste impose son joug aux femmes, les prive des droits les plus élémentaires. Pourtant, dans la femme courageuse qui se bat pour exister et fume une cigarette comme un défi à l’homme, il y a l’espoir d’un souffle nouveau capable de changer le monde…

Une comédie pour achever ce tour de l’islam au cinéma. Sou Abadi propose avec Cherchez la femme, une parabole édifiante et humoristique sur le voile intégral. C’est l’homme qui se glissera sous ce voile noir qui cache afin de retrouver son amour, mis en cage par son frère de retour du Yémen avec des idées intégristes et une barbe de « barbus ». Sauf que le frère va tomber amoureux de la femme cachée sous l’homme au voile ! On rit, on sourit, on aime à la folie la déraison et l’humour du contre-pied. Une vraie et belle comédie qui lance des messages d’alerte et traite par le futile un vrai drame !

D’autres productions comme le superbe Jasper Jones de Rachel Perkins du Cinéma des Antipodes échappaient à l’étouffante problématique d’un Orient gangrené par la religion de l’intégrisme et la domination du mâle sur le bien ! Mais ce qui est étonnant et beau, c’est que tous ces films étaient réalisés par des représentants de cette culture et que quatre étaient portés par des femmes. Espoir d’une parole libérée capable de transformer le monde !
En attendant, une semaine de Rencontres Cinématographiques de Cannes, comme les promesses d’un monde qui change ! 

Ce titre, tiré d’une interview de Bernardo Bertolucci, et support de ma maitrise de cinéma soutenue en 1974 à Nice sur son oeuvre, (Bernardo Bertolucci, Etudes Cinématographique. 122/126), semble parfaitement adapté à cerner le dernier film de Roman Polanski. 

« D’après une histoire vraie » est l’adaptation à l’écran du roman éponyme de Delphine de Vigan. Et n’en déplaise à nombreux critiques qui font la fine bouche sur son ultime opus, le film fonctionne parfaitement et livre une parenthèse sur le bien et le mal particulièrement réussie. Une oeuvre très Polanskienne où la réalité et la fiction s’affrontent subtilement sans que l’une puisse prendre le pas sur l’autre.
Une écrivaine décidée à se livrer à un travail « fictionnel » en échappant à sa marque de fabrique (l’autofiction) qui a fait son succès, est en panne devant sa page blanche. Entre deux signatures de livres, elle tente d’accumuler dans des petits carnets, un matériel pour trouver l’inspiration et se lancer dans la rédaction de ce roman que tout le monde attend.
Sa rencontre avec une fan, elle même « nègre » sur des biographies d'artistes, de vedettes ou de personnalités médiatiques, va l’entrainer dans un jeu de séduction et de pouvoir où tout se dérègle. Les ingrédients qui vont gripper le quotidien sans aspérités de ses jours sont subtilement dévoilés, par petite touche, comme si rien n’avait d’importance. Pourtant, la présence de plus en plus envahissante de « l’autre » la coupe de son réseau, la rend dépendante puis victime de son bourreau.
Un séjour dans la maison de campagne vide de son compagnon en déplacement va crisper les évènements et déclencher une crise violente…
Mais la réalité est-elle aussi simple ? L’ «autre » est-il un leurre pour accoucher d’une oeuvre où un vrai personnage qui fait irruption dans sa vie pour l’empêcher de créer ?
Les deux lectures s’emboîtent parfaitement et tant l’une des hypothèses que l’autre sont plausibles au final dans une grille de lecture totalement ouverte et symétrique.
Il reste alors la superbe réflexion sur le travail de la création, sur les fantômes qui peuplent les nuits de l’écrivaine, sur le processus d’accouchement d’un livre, sur le rapport de dépendance à l’autre, sur la violence des sentiments et la perversité de la séduction. 
Tous ces thèmes que Roman Polanski a décliné avec tant de talent dans toutes les oeuvres qui parsèment une carrière où il ne s’est jamais trahi cinématographiquement parlant.

Comment ne pas être particulièrement touché par cette mise en abîme, ce glissement progressif de la normalité vers la déraison, cette peinture cruelle d’une solitude de la création qui ne peut se partager.

Peut-être que dans cet accueil mitigé, Polanski paye pour d’autres fantômes issus des nuits de feu d’un passé jamais cicatrisé et qu’un évènement a brutalement ravivé. L’explosion Harry Weinstein n’en finit pas de déclencher des vagues. En cela, son oeuvre sulfureuse renvoie bien à un présent particulièrement douloureux qu’il ne pourra jamais solder.
Mais est-ce bien une histoire vraie qu’il tente de décliner à l’infini ?
 

On sait que Luc Besson n’est pas toujours en odeur de sainteté auprès des critiques. Certains ont encore en mémoire l’accueil houleux au Palais des Festivals de Cannes du Grand Bleu, sifflé et hué en séance de presse alors qu’il allait devenir culte chez toute une génération. Et chacun de ses films en tant que réalisateur provoque bien souvent une moue pincée chez ceux qui sont en charge de donner le tempo de la critique cinématographique. 
Et ne parlons pas de son activité de producteur où ses films cassent la baraque du box office en étant dédaignés par tout le gotha du cinéma (Taxi, Taken)… Et si l’on rajoute derrière cela, le lobbyiste du cinéma Français, l’homme entrepreneur des studios de Seine St Denis et celui qui fraye avec certains « politiques » honnis, alors on a un tableau réaliste de ce qu’il doit endurer à la lecture de certains articles.
Pourtant, un homme qui a réalisé Leon, Nikita, Subway, Le 5ème élément et tant d’autres films ne peut pas être entièrement mauvais ! Un seul de ses films suffirait à ennoblir bien des cinématographies de gens encensés par les critiques mais que le public ignore.
Luc Besson est ainsi, un objet de polémiques, mais avant tout c’est un faiseur de rêves, un bâtisseur du cinéma, qu’on le veuille ou non !
Et Valérian est bien là pour prouver qu’il n’a rien perdu de son magnétisme, de sa capacité à faire rêver et à nous entrainer dans des mondes imaginaires avec le regard d’un enfant émerveillé.
Je suis fan, non de la BD que je ne connaissais que très peu, mais de ce film qui, à la croisée des chemins, entre la saga de la «Guerre des étoiles » et l’odyssée écologique d’ « Avatar » nous offre la possibilité de plonger là où tout est possible, même la victoire des gentils et l’amour entre les peuples.
Que Luc Besson ait misé gros en produisant ce film est une évidence tant la richesse de l’image, des effets spéciaux et la qualité de la production en impose. Il serait anormal qu’un homme qui donne tant au cinéma Français soit brisé alors même qu’il prouve que rien n’est impossible, même l ‘incroyable. Au delà de tout, si vous aimez le cinéma, alors, plongez dans le 3ème millénaire d’un futur possible, là où Valérian et Besson nous permettent de redevenir les enfants éblouis de merveilleux que chaque adulte reste quand l’image nous transporte !
Alors pourquoi tant de haine ?
Allez, il n’y a pas de mal à se faire du bien, courrez voir Valérian et prenez tout le plaisir qu’il vous offre comme un moment rare de tendresse d’un ami qui vous veut du bien !

Il y avait gros à parier qu’un corse s’attaquant à l’histoire tourmentée de la Corse allait souffrir les mille tourments d’un déchirement intérieur. Comment se confronter à la genèse du « nationalisme », à la haine du « colon Français », à l’incroyable déliquescence d’une jeunesse captivée par les idéaux d’une Corse indépendante et à la gangrène de la collusion entre les revendications nationalistes et les intérêts maffieux ?
C’est tout le talent du réalisateur après Les apaches que de produire ce film en évitant le « folklore » corse qui ne demandait qu’à surgir. Une vie violente plonge dans l'histoire de la radicalisation d’une jeunesse en prison, de la raison d’état d’un mouvement qui se divise au nom d’intérêts égoïstes, du culte du chef et des agissements troubles d’une caste politique sur un vernis de fascination pour la violence et les armes de la société Corse.
Le film progresse ainsi, authentique analyse subtile, sans forcer le trait, cheminement vers une radicalisation où la vie devient un enjeu sans importance, comme si la mécanique des éléments ne pouvait que déchaîner les forces obscures qui ne demandent qu’à s’exprimer.
Jeunesse perdue, comme actuellement celle qui se radicalise pour une cause au nom d’Allah, d’une suprématie d’une race ou autres raisons où la sauvagerie des idéaux balaye l’humanité de chacun !
Film témoignage sur une période que j’ai vécue, où les « nuits bleues » rythmaient mon sommeil, où les tensions se ressentaient dans la vie quotidienne, ou d’accueillante et hospitalière, l’île s’était transformée en bastion assiégé par les peurs et l’angoisse.
Ce sont deux Films émouvants et forts, noblesse du cinéma à la Française, capable de lire une histoire encore présente avec la précision chirurgicale d’un observateur attentif, ou de se projeter dans l’imaginaire de mondes merveilleux qui ne demandent qu’à nous faire rêver !
Allez, vive le cinéma Français et ceux qui le font, et courrez voir ces deux réalisations, vous ne le regretterez pas !