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culture

Pourquoi Juliette Gréco ?

Publié le par Bernard Oheix

Catégories : #Culture
Beaucoup de spectacles en cette période où je termine la programmation de la saison 2008/2009.
Et bien sûr, Cali à Nice, avec cette énergie toujours aussi explosive. Un Cali plus revendicatif encore, moins tourné vers la description de ses états d'âme et de ses relations avec les femmes mais plus dans une dimension sociale de la lutte et des révoltes. Cela donne un cocktail sympathique, parfois un peu brouillon, toujours attachant. Ses musiciens hors pairs ( il faut noter l'époustouflante prestation scénique d'un Kolinka ex-Téléphone qui défit les années !) impriment un rythme d'enfer, les deux cuivres offrent cette touche "mexicano-hispanisante" bien dans l'air du temps, un dispositif astucieux qui leur permet de jouer au milieu du public... Une belle soirée !
Mais que dire de la programmation de Juliette Gréco au Palais des Festivals de Cannes, que dire sinon faire un article pour célébrer un grande Dame et ajouter quelques lignes à la page glorieuse d'un mythe vivant !

 

 

Parce que Juliette Gréco !
Une Dame immense drapée de noir, une ombre qui naît dans la nuit des cafés enfumés du boulevard Saint-Germain d’un après-guerre où Jean-Paul Sartre compose des chansons, Boris Vian pousse la trompette, les intellectuels s’offrent une icône au corps diaphane, à la silhouette mystérieuse de Javanaise, un sourire charmeur, la fiancée de tous ceux qui imaginent que le monde est en couleur et que l’avenir appartient à ceux qui éperonnent les archétypes d’une société figée au sortir d’une guerre de cauchemars. C’est l’existentialisme, les pavés gris des rues de la Capitale prêts à voler, une pulsion extraordinaire qui va faire fleurir des printemps échevelés, des cheveux longs qui poussent rebelles, en épis, une génération qui croise Brel, Brassens, Ferré, Gainsbourg et tant d’autres artistes, peintres, écrivains, philosophes qui transforment la fête en cénacle de pensées où les théories de l’an nouveau s’épanouissent.

Photo d'Alain Hanel, le réalisateur d'une exposition sur les spectacles des saisons de Cannes.

Juliette Gréco est née dans ce monde de bruit et de fureur, elle s’est déshabillée pour tous ceux qui l’aiment, offrant sa voix légèrement éraillée, profonde, ses inflexions suaves, son intelligence des textes qui collent si bien à cette période de tous les rêves.

Qu’elle soit un mythe est une évidence… mais les mythes ont en commun avec les phantasmes, que parfois il est préférable de les conserver inassouvis, dans les profondeurs d’un non-dit, non avenu, dans l’épaisseur qui sépare le monde virtuel de la réalité.

Avec la programmation de Juliette Gréco au Palais des Festivals de Cannes, mon passé refaisant surface, j’osais regarder le temps de ma jeunesse, celui de tous les espoirs perdus, celui aussi de tous les rêves d’un futur enchanteur.

C’est ainsi que je suis rentré de Marseille où le Bab el Med avait réuni tous les programmateurs, tourneurs et producteurs des Musiques du Monde pour cette Messe pour le Temps Passé. Bien m’en a pris ! Imaginez une conférence de presse exceptionnelle, donnée par une artiste qui a tout connu de la vie, même les chemins les plus tortueux et parle avec la liberté de celle qui n’a plus rien à prouver, plus rien à transmettre et qui peut d’autant plus s’exprimer. Imaginez le concert. La scène du Grand Auditorium dans une configuration d’une sobriété extrême, piano et accordéon légèrement décalés vers la gauche, îlot brillant sur cette scène si vide, si grande. Quelques éclairages sophistiqués par la discrétion et la finesse des découpes de l’espace. Le noir comme permanence avec son compère grisâtre, quelques tâches de blanc. Elle apparaît comme issue de la nuit des temps, intemporelle, évanescente. Sa voix n’a pas bougé d’un iota. Elle est Gréco.

Pendant 21 chansons, et quelques interventions d’une précision extrême, elle va nous envoûter, nous inviter à ses agapes célestes. Elle nous démontre combien elle s’est transformée en mythe vivant, les raisons qui expliquent qu’elle ait échappé aux griffes du temps et de l’usure. Elle est hors du temps, hors du monde, hors de toute contingence. Elle est abstraction. Elle est Gréco.

Des textes à faire pâlir n’importe quel amateur de langue par leur complexité immatérielle, leur formule si précise pour définir un peu de ce sel de la terre, l’agencement de ces mots comme les perles d’un collier de beauté… Carrière, Brel, Ferré, Roda-Gil, Leforestier… Des mélodies à tomber en pamoison, une gestuelle de tragédienne dans sa sobriété soulignant l’épure générale d’une soirée d’élégance.

Dix minutes d’ovation en un salut à la romaine pour la tragédienne grecque, des cris d’allégeance, toutes générations confondues, 1200 personnes déclamant leur dévotion à celle qui venait de vaincre les lois de la pesanteur. Merci Madame Gréco.


Plus tard, dans sa loge, seuls. J’ai invoqué mon droit à la bise à un mythe, elle me l’a accordée ! A la dédicace personnelle, à la photo (elle qui n’aime pas être prise en photo !), j’ai obtenu en sus quelques minutes d’intimité pour me persuader que j’étais bien celui par qui le scandale arrive, le vrai scandale, celui d’une beauté qui brûle, d’une vérité qui échappe à toute logique, d’un art qui n’a pas réussi à transformer le monde mais autorise tous les excès, même ceux que l’utopie engendre !

Merci Madame Gréco,

 

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La Divine Comédie

Publié le par Bernard Oheix

Catégories : #Culture

Lasciatte ogni speranze, voi ch'entrate...ce vers connu (je ne garantis pas l'italien, c'est de mémoire !) je l'ai reconnu dans une production pharaonique qui m'a conduit sur les rives du Trastevere à manger des spaghettis alle vongole à défaut d' alimenter mon esprit de nourritures plus spirituelles !
Bon !  On ne va pas regretter le voyage, il y a pire que de humer les effluves de la capitale transalpine et de retrouver ses amis. L'Italie, c'est la patrie de ma mère, ma deuxième culture, et sa langue est un chant qui porte au rêve.

 

Entreprise gigantesque s’il en est, la production romaine « Nova Ars » de La Divine Comédie s’est donnée les moyens de créer l’événement. Dans une période où l’Italie se cherche dans des joutes électorales impossibles, le travail sur l’œuvre de Dante, thème fondateur de l’Italie moderne, première œuvre capitale écrite en italien, étudiée avec permanence à l’école, est un signe de cette perplexité d’une élite qui cherche un sens à son futur dans les pages de son passé glorieux.

Construction d’une salle spécifique de 2500 places en périphérie de Rome, là où s’est déroulé le jubilé de l’an 2000, infrastructure ambitieuse, ligne de produits dérivés élégants et documents soignés, travail sur les scolaires dépassant largement les limites de la province, soutien d’un appareil d’église pour cette opération, temps de création et investissement dans les décors et le casting… A l’évidence, les objectifs étaient ambitieux et le produit fini est appelé à durer et à être exploité non seulement en Italie mais aussi en Europe. Les invitations lancées auprès d’un certain nombre de programmateurs allaient dans le sens de cette recherche ambitieuse d’un marché global et non limité aux frontières du pays.

Marco Fresina, un homme d’église qui a présidé à nombre d’évènements organisés par le Vatican a composé une musique d’excellente qualité, alternant les plages classiques avec des morceaux plus modernes, juxtaposant les ensembles (chœurs, interprètes et musique) et les soli des chanteurs dont on peut parfois regretter certaines facilités, un air clinquant plus comédie musicale qu’opéra moderne. Concession à la modernité des comédies musicales ?

C’est d’ailleurs un des reproches que l’on pourrait adresser à la production et qui semble encore plus apparent dans la deuxième partie : ne pas avoir réellement choisi entre un opéra moderne et une comédie musicale, avoir laissé une ambiguïté s’installer au détriment de la cohérence du projet artistique. Car si on peut affirmer que la tendance opéra moderne est plutôt une réussite, la dérive vers une comédie musicale est d’une facture plus faible et tire vers le bas l’ensemble du projet.

La distribution des chanteurs est d’une grande qualité. Des voix puissantes et des physiques agréables collant parfaitement aux rôles. Ils s’appuient sur un décor conçu pour partie avec des éléments concrets (une immense roue en bois qui tourne sur son axe sur laquelle les acteurs déambulent et qui symbolise le parcours de Dante), et des images de synthèse absolument extraordinaires conçues par Paolo Micccichè qui viennent enrichir les décors naturels. Ce travail de l’image est à l’évidence un des points forts du spectacle. Sur une série de « pendrillons » qui se positionnent en découpant l’espace sur plusieurs niveaux de profondeur et de hauteur, des images de synthèse vont accompagner les acteurs chanteurs en créant des illusions plus vraies que nature. L’enfer, la forêt pétrifiée, sont des réussites absolues. On ne peut que regretter alors l’assèchement créatif de la fin du voyage. Sans doute est-il plus difficile de camper le paradis et la sérénité que les affres des démons qui nous torturent. Il n’en est pas moins vrai que nous avons, dans ce final, la vague impression d’une rupture avec la fièvre créatrice du début, d’un laisser-aller coupable !

En ce qui concerne les costumes, on peut regretter que cela se transforme progressivement en carnaval de Nice, et qu’un manque de sobriété s’empare du créateur parti dans des rêves de cartons-pâtes !

Reste la danse. Las ! Chorégraphies mièvres, danseurs de bas de gamme, apportant une touche de modernité avec vieux modern-jazz sans saveur. Les danseurs occupent une place trop importante, restent visibles sans raison, s’agitent pour créer l’illusion d’un mouvement perpétuel. C’est tellement inutile que cela en devient pénible !

Même les acrobates, parfois émouvants dans les tableaux dans les airs, en perdent de leur superbe et leurs prouesses se transforment en mécanique froide pour cause d’outrances et de répétitions. C’est aussi ce qui déclenche ce glissement vers une comédie musicale plutôt vulgaire, un peu choc et toc, formatée télévision, en décalage avec la dimension initiale d’un opéra moderne.

A l’évidence, dans ce projet, il manque un vrai regard de metteur en scène. Juxtaposition et collage peuvent parfois donner l’illusion d’une énergie libératrice mais en l’occurrence, accroissent la sensation d’une dérive hiératique, d’un patchwork inconsistant. C’est regrettable, tant de qualité et de moyens qui s’échouent sur les rives d’un à-peu-près sans rémission !

La production l’avait pressenti, qui interrompit en décembre les représentations, embauchant un nouveau metteur en scène en complément de l’ancien pour un duo à deux têtes hybrides, chargé de remettre sur les rails du succès et de la cohérence cette Divine Comédie. Après avoir retravaillé et coupé dans la chair à vif, le résultat reste en deçà de ce que l’on peut légitimement attendre d’une production d’une telle ampleur. Si elle peut dans ces conditions réussir à capter le marché italien, elle semble totalement inadaptée à conquérir le public européen sans un travail de réécriture scénique indispensable. Sans cesse sur le métier, il faut remettre son ouvrage… et même si ce n’est pas un italien qui l’a dit, cela reste plus que jamais d’actualité !

A part cela, Rome, quelle ville, quelle beauté, quelle gentillesse. Vive l’Italie et les italiens !

 

 

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Détours par l'Université de Nice

Publié le par Bernard Oheix

Catégories : #Culture
J'ai enseigné pendant 9 années à l'Université de Nice. La semaine dernière, j'ai fait une intervention à la demande d'un responsable à l'IUT info/com de Sophia-Antipolis. J'aime toujours autant ce contact, transmettre, regarder et analyser comme si cela me permettait de mieux comprendre ce que je fais, d'éclairer ma pratique. A la fin des deux heures, ils m'ont applaudi...ce qui est  toujours agréable pour son ego !
Cela m'a remis en mémoire de mauvais souvenirs. Comment l'Université de Nice m'avait amené à démissionner et à renoncer à cette volonté de transmettre. Je me suis aussi souvenu que jamais personne n'a parlé de cet épisode, aucun responsable pour dialoguer, aucun retour comme si ce qui était arrivé n'existait point, n'avait jamais eu lieu.
J'ai décidé de publier dans mon blog cette lettre de démission adressées aux responsables de l'université qui ne m'ont jamais répondu... Vive l'Université française et ses cadres performants, vive les enseignants courageux qui osent affronter le monde de la réalité !

Madame B...,                                                                                                   Le 15/04/2005
Assesseur à la pédagogie.                                                                          A Cannes,                                                                                                                                                                                                        
 
Copie    : Madame la Doyenne.
   Monsieur Jean-Pierre T....
   Madame Marina N. : Responsable section Danse
   Madame Ghislaine Del R... : Responsable théâtre
 
 
Enseignant, chargé de cours depuis 9 ans à l’Université de Nice, Licence arts du spectacle, je tiens par la présente à vous informer que ma démission sera effective à partir du 22 avril 2005. Je n’effectuerai pas mon jubilé des dix ans, malgré l’intérêt réel et l’attachement que j’ai pour cette fonction de transmission d’une expérience acquise à un poste de responsabilités importantes. Je suis depuis 15 ans Directeur de l’Evénementiel au Palais des Festivals et des Congrès de Cannes et par ailleurs titulaire de deux maîtrises et d’un DEA dans cette même université de Nice.
En effet, face aux décisions scandaleuses qui ont été prises le 7 avril, je ne peux que constater que ma hiérarchie ne m’a pas suivi, bien au contraire, donnant raison à trois étudiantes (Charlotte C..., Marianne R..., Myriame B...) contre l’avis de l’enseignant, passant outre sa position, infirmant ses propos et la bonne marche administrative des règles énoncées par l’université elle-même.
J’assume un cours mensuel de 3 heures d’Economie de la Culture et de Culture d’Entreprise pour les licences arts : théâtre, danse. Mon cours comprend une partie théorique d’une heure, (économie du spectacle) et une partie pratique de deux heures, (gestion et encadrement d’un stage) obligatoire dans leur cursus…même si aucun créneau temps n’est prévu pour leur permettre d’assumer ce stage dans des conditions normales comme je le demande instamment depuis toujours. Depuis quelques années l’accroissement des effectifs (40 étudiants) pose le problème d’un suivi personnalisé de leurs travaux. J’ai toujours maintenu une réelle qualité d’enseignement et chaque étudiant a mon portable personnel et professionnel, mon mail et peut me contacter en permanence. Ils ne s’en privent d’ailleurs point et je suis toujours disponible pour les aider dans leurs démarches !
Au premier cours théorique de cette année, 3 étudiantes ont décidé de contester mon enseignement après 30 minutes, m’obligeant à intervenir et à leur demander de sortir. C’est la première fois qu’en 9 années d’enseignement je suis confronté à une telle situation.
Elles ont exigé un aménagement des modalités de validation vu « qu’elles ne pouvaient assister à des cours nuls » (dixit Myriame B... qui me l’a déclaré en face… en cela, elle avait au moins le courage de ses opinions).
L’administration (qui ?) sous leur pression, a décidé de les exonérer de contrôle continu…laissant la porte ouverte à un absentéisme chronique de cette section théâtre, par rapport à la section danse. De plus, comment peut-on passer en contrôle final un stage de 3 semaines qui implique le choix et la validation d’un stage, l’élaboration d’un mémoire et une soutenance publique ?
L’obligation de réaliser ce stage les a réveillées 3 jours avant leur départ en vacances. J’ai reçu un mail de leur part le 4 avril à 22h22 (cf : documents joints) me demandant de faire signer les conventions de stages par la Responsable de la section théâtre sans qu’il soit validé par mes soins...
J’ai répondu le 5 avril à 9h45 que je souhaitais qu’elles me présentent la structure dans laquelle elles devaient réaliser leur stage. Elle ont refusé (le 6 avril à 16h03) et malgré ma réponse à 18h16 ne m’ont pas contacté au téléphone pour trouver une solution. Vous avez apparemment décidé de faire avaliser cette conduite scandaleuse en prenant la décision de faire signer les conventions par la responsable de la section théâtre malgré mon opposition claire et cela sans même avoir le courage de me téléphoner pour en parler et m’annoncer cette décision. Je l’ai apprise le lendemain par un coup de fil volontariste de ma part à Ghislaine Del R....
J’en tire les conséquences.
 
Si je devais vous faire un cours sur la culture d’entreprise dont vous avez manifestement besoin, je vous dirais que le respect des règles et de la hiérarchie est la base même sur laquelle une équipe de travail peut fonctionner et atteindre ses objectifs. Quels sont les vôtres en l’occurrence ? Surtout pas de vagues, pas d’étudiants en colère, pas de bruit, quitte à abandonner toute autorité et à mettre l’enseignant en difficulté par le seul fait de refuser les règles que vous avez édictées et qu’il se doit d’appliquer.
Depuis des années je m’escrime avec passion à transmettre un « principe de réalité » à des jeunes bien démunis devant lui mais aussi devant une administration universitaire elle-même désemparée par cette ouverture au monde des entreprises (j’en veux pour preuve cette absence de planification d’une période de stage…bien qu’obligatoire !) .
Mon cours économie du spectacle s’appuie sur mon expérience de terrain ( je gère 100 jours/spectacles pour un budget annuel de plusieurs millions d’€ et dirige une équipe de 12 personnes) et sur une ouverture à la réalité des événements, sur ma pratique de Directeur et sur mes capacités pédagogiques à transmettre ce savoir et ces modes opératoires (en l’occurrence insuffisantes face à trois étudiantes en recherche existentielle de certitudes).
 
 
Mais si la peur de voir ces trois étudiantes soupirer un peu trop fortement suffit à faire trembler tout l’édifice d’une université, alors je n’ai malheureusement plus rien à faire dans cet établissement. J’aurais aimé que vous preniez vos responsabilités comme je prends les miennes quand je suis seul devant des étudiants.
 
 
 
PS : Je vous transmets ci-joint les mails concernés et mon CV.
 
Bernard Oheix
Ex-chargé de cours de l’Université de Nice, licence arts du spectacle.

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Sur quelques livres...

Publié le par Bernard Oheix

Catégories : #Culture
Sur quelques livres….
 
 
Depuis décembre, j’ai plongé dans les livres. Au cours des temps morts des voyages (et dieu sait combien il y en a, même dans les plus exotique !), en rentrant pour se détendre et se laver la tête, accroché par une phrase ouverte sur le monde, contemplant les nombreux cadeaux d’un Père Noël particulièrement culturel…Entre deux mouvements d’écriture, le désir de consommer passivement…
Quelques commentaires à partager.
 
Cul de sac. Douglas Kennedy.
C’est moite au début, étouffant à la fin. Un homme rompt avec la routine, prend son argent et décide de traverser l’Australie. Ce coup de dé n’abolit pas le hasard. Une terre de chaleur, des êtres comme des fantômes errant dans un bush parsemé d’embûches. Une femme va se jeter dans ses bras et l’attirer dans un trou perdu, au fin fond d’une piste abandonnée, village rayé de la carte routière, vieille mine fermée depuis quelques décennies, repeuplé par quelques familles dans un rêve utopique d’une rupture avec la modernité. Cette « cité du soleil » retournée aux sources de l’humanité dans des règles frustres édictées par 4 gardiens du temple, s’est transformée en « cité de l’enfer ». Il est échoué dans ce paradis perdu afin de devenir un procréateur. Afin de lutter contre l’inceste, les enfants de 18 ans, doivent partir sur la route en un voyage initiatique pour  ramener de la chair fraîche apte à renouveler le capital génétique de ce cheptel humain. Notre héros marié de force à une gorgone va vivre l’enfer au vrai sens du terme. Enfermé dans une prison ouverte, il tentera de se libérer de ses chaînes pour retrouver la civilisation et ses codes.
C’est une œuvre au couteau, une écriture lourde mais terriblement efficace, des mots qui suintent la peur et l’horreur, des phrases qui campent l’abomination d’une utopie qui s’est inversée en une monstruosité niant le temps. Ames sensibles s’abstenir !
 
Millénium 1
Millénium 2
Millénium 3. Steag Larson.
Comment ne pas être fasciné par l’histoire de cette oeuvre. Un homme écrit pendant des années dans l’ombre pour déposer ses tapuscrits auprès d’un éditeur et décéder avant leur parution. Déjà, cela ennoblit d’entrée l’auteur ! Avoir l’élégance de disparaître quand une œuvre émerge, quel talent ! Et si le livre et bon, quel génie !
3 tomes de 1000 pages, le pari semble impossible, l’ambition hors de propos. Pourtant, dès le premier paragraphe, dès la première page avalée, vous savez au fond de vous que vous êtes piégé, qu’il va falloir désormais puiser dans vos nuits pour les terminer, que vous allez enchaîner les tomes au rythme d’une lecture frénétique. Ce n’est pas de la grande littérature, c’est même, osons le dire, plutôt banalement écrit. Mais les personnages vivent, sont attachants, on les voit se dessiner derrière les mots. Les situations sont exacerbées à souhait, les dénouements tombent piles. C’est de l’écriture efficace, sans génie, mais diablement percutante. Même si le deuxième tome se perd quelque peu dans un dénouement facile, même si le troisième vous parait recouper des situations passées, même si parfois les clefs du royaume s’avèrent tendancieuses, quelle efficacité, quel punch dans ces trois Millénium. C’est du roman à l’image de notre époque, un brin m’as-tu-vu, parfois scabreux, toujours accrocheur, traçant un chemin dans une forêt de phrases pour déboucher vers un monde où s’affrontent la soif de découvrir et la capacité de dissimuler. L’informatique comme levier, le journalisme comme vision, des individus de chair et de sang qui souffrent et se perdent.
 
 
 
La route. Cormack Mcarty.
Le thème est connu. Dans le pays ravagé d’une post-apocalypse, un homme et son fils tentent de survivre et de rejoindre la mer. Des hordes de cannibales errent sur des chemins désertés par la civilisation. L’homme, malade, protège son fils et lui inculque les rudiments d’une culture disparue, celle des hommes d’avant le cataclysme. Ils vont s’épuiser à marcher, éviter des pièges, tomber dans d’autres, abandonner toute humanité afin de survivre et de se protéger. L’auteur s’interroge sur ce qui pourrait unir l’homme à l’homme quand tout lien social disparaît, quand la survie dépend de la solitude et du hasard. Au bout du chemin, on trouve le désert de l’océan vide, la mort pour l’un, l’espoir pour l’enfant. Si un embryon d’humanité peut être conservé, alors tout est possible, même l’avenir !  C’est un thème mainte fois traité que ce soit par Stephan King, ou plus proche de nous, par Robert Merle dans Malevil. Ce n’est pas le meilleur, mais Mcarty est un vrai écrivain. Il sait peindre la réalité et introduire une réflexion dans les dialogues simples d’un père et de son enfant. Comment survivre, sinon en tuant sa part de rêve et l’image du passé ? Rien ne doit raccrocher aux souvenirs, une seule règle prévalant : rester du côté des gentils contre les méchants (les cannibales). Si vous n’êtes pas fan de science-fiction, replongez-vous dans « de si jolis chevaux », un chef-d’œuvre sur la mort de l’ouest et les derniers cow-boys.
 
Je passerai sur un de mes péchés de jeunesse, le polar pur et dur, en l’occurrence Nicci French dans Jeux de dupes, une vraie histoire à l’américaine dans la tradition des MacDonald, Highsmith and co. Un  bouquin à lire dans l’avion qui me ramenait de Russie et à filer à un ami après lecture. Il n’y avait pas de trou d’air et j’ai pu le siroter comme une bière un peu fade, fraîche mais sans consistance !
 
Plus troublant, le récit de Jean Teulé dans un Darling glauque à souhaits lu à Madrid. Rencontre entre l’auteur et l’héroïne du livre pour une œuvre duale. Enfant grosse et laide qui traversera sa vie à coup de viol, mépris, coups et autres tentatives de suicide, ce livre est un témoignage poignant et désespéré sur une femme aux confins de rien, quand l’individu ne rêve plus parce que la réalité est le reflet déformé de nos cauchemars. Morbidité assurée !
 
Tout ancien soixante-huitard a forcément. Entendu parler de Phillippe Sollers, mais qui le connaît vraiment ? Le nom de Tel Quel résonne encore. Il y a ses écrits rarement lus, il y a le personnage public, rares apparitions, un brin désinvolte, intelligentsia décalée, hors du temps, il y a l’ancien révolutionnaire maoïste que l’on voit si peu dans les débats contemporains… Un vrai roman est une fausse autobiographie. S’appuyant sur son passé, il livre des bribes de son histoire pour introduire des clefs de lecture plus générales de cette période d’une extrême densité. Très rapidement, il va s’extraire du passage obligé de la confidence pour passer à l’universel d’une conception de la vie. La religion, le pouvoir, l’écriture, mais aussi l’amour, le cinéma, le théâtre par le prisme des ceux qui ont croisé sa lumière.
De cette plongée, on ressort plus intelligent, il a réussi à nous faire partager ses rencontres avec Ponge, Aragon, Mauriac, Breton, toutes les personnalités fascinantes de ce milieu du 20ème siècle qui vont faire de Paris une capitale intellectuelle, les Barthes, Foucault, Sartre, Althusser, Deleuze, Derrida… On rêve ! Il n’y a point d’affectation dans ses anecdotes, il y a la vie extraordinaire d’un être qui rend naturel cette destinée hors du commun.
Il y a aussi ses femmes, Dominique Rolin, la maîtresse mère et Julia Kristeva, la femme pour l’éternité… et toutes les autres évoquées avec pudeur.
Au fond, plonger dans ce livre, c’est ouvrir une page de notre propre passé tant son histoire extraordinaire colle à notre vie ordinaire. Il nous restitue ce qui en a fait un être d’exception… plutôt sympathiquement, comme s’il nous aidait à mieux comprendre ce qui s’est joué dans ces années de soufre où tout était possible. Il nous remets du sens dans ce qui brillait au point de nous aveugler. Toutes les générations vieillissantes ont tendance à penser que leur jeunesse avait des vertus que le présent a chassées… Sollers nous prouve que c’est bien dans cette moitié du siècle que les idées avaient encore la possibilité d’être des armes au service de la raison. Bienheureux celui ou celle qui peut désormais lire ce livre en sachant qu’à défaut de comprendre, il a pu respirer l’air contemporain de ces penseurs qui ont éclairé l’humanité ! Combien apparaît d’une grande pauvreté le degré zéro de la réflexion actuelle et d’une politique de l’image où tout est dérobé, même la critique !
 
Et pour finir, c’est à Rome que j’ai terminé le prix Goncourt 2007. Alabama Song de Gilles Leroy. Est-ce un grand Goncourt ? Je n’en ai pas l’impression ! Pourtant, même si le livre démarre doucement, il ferre avec douceur et l’on se surprend à terminer cette fausse biographie d’une Zelda Fitzgerald plus vraie que nature. La part de fiction s’imbrique si parfaitement dans les maigres éléments de ma culture « Fitzgéraldienne » que le thème éternel de la vampirisation d’un être par un autre devient l’axe qui accroche le lecteur. L’homme célèbre qui dévore sa compagne dont l’œuvre sera captée et détournée pour sa seule gloire est un thème récurent de la création ! En l’occurrence, une petite musique suave à l’écriture fine et élégante, mais  pourquoi pas ? Cette oeuvre ne devrait pas passer à la postérité, elle engrangera toutefois quelques royalties conséquentes et semble être le produit consensuel d’une alchimie où la cuisine littéraire l’emporte largement sur les considérations esthétiques ! Peut-être que la vraie création était en panne en cette année de 2007.
 
Bon, à bientôt pour d’autres rendez-vous sur mon blog, de nouvelles aventures nous attendent !.

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Une pincée de culture...

Publié le par Bernard Oheix

Catégories : #Culture
 
 
Mon dernier voyage sur Paris s’était soldé par une compilation de pièces peu intéressantes, des brouillons vagues, sans désir. Je suis en retard sur ma programmation de la saison 2008-2009, ce nouveau rendez-vous avec les scènes de la Capitale était d’importance : allais-je enfin trouver ces pépites dorées que tout programmateur rêve de dénicher ?
 
Mercredi 6 février. Carpentras. Salle polyvalente. Les moines de Shaolin.
Il existe autant de troupes de Shaolin que de Chœurs de l’Armée Rouge ou de Cirques de Pékin sur le marché. Il était indispensable que je visionne la troupe qui m’était proposée afin de vérifier que j’avais bien de « bons » et « vrais » Shaolin. Mission accomplie. Dans une salle de gymnase mal aménagée (mais qui fait une belle petite programmation sur l’année), les moines bondissent, se fracassent des barres de fer sur la tête, s’empalent sur des clous, des lances, exécutent des figures toutes plus improbables les unes que les autres, deviennent oiseaux, tigres et crapauds. Cela reste beau, élégant, lumières soignées et chorégraphies particulièrement réglées. Un beau spectacle tout public à déguster en famille. Il y a même un soupçon d’élévation d’âme dans les sentences de respect et d’accomplissement de soi prodiguées au fil des numéros. Pas de problème donc, les Moines de Shaolin trôneront dans ma programmation entre le Casse-noisettes du Cirque de Dalian et un Festival International des Jeux 2009 à dominante asiatique.
 
Jeudi 7 février. Paris. La tectonique des sentiments. Eric-Emmanuel Schmitt.
Une pièce originale de Schmitt, mise en scène par l’auteur, avec Clémentine Célarié et Tcheky Karyo, ne peut, à priori, laisser indifférent. Pari réussi. Un texte étourdissant d’intelligence et de finesse, marivaudage moderne sur deux êtres qui, ne pouvant se dire -je t’aime- (par pudeur, par fierté, par aveuglement ?), vont s’annoncer la fin d’un amour et entrer en guerre. Chaque situation est décrite avec la précision d’une chirurgie des sentiments, un tableau somptueux de la tempête intérieure, le calcul le plus froid et l’incandescence des pulsions les plus primitives en un dosage qui mène chaque individu vers sa propre frontière. C’est un jeu de l’amour et du hasard, une réflexion sur la patine de l’habitude et l’impossibilité d’être autre, sur des mots que l’on ne prononce pas et qui se transforment en maux. C’est du théâtre à l’ancienne au verbe moderne.
En conclusion, j’ai adoré mais je ne suis pas sûr, hélas, de sélectionner cette pièce. La première raison en est la dimension du décor qui impliquerait deux jours d’immobilisation de la salle mais la cause principale réside dans le filet fluet de la voix de Karyo qui est, au demeurant, un excellent comédien. Les dialogues intimistes se perdraient dans la grande salle Debussy du Palais. Un coup à avoir des rafales de« vieux » en train de hurler « –plus fort » en pleine tirade, et de recevoir une dizaine de lettres me demandant pourquoi on entend rien dans la salle. Un truc à me gâcher tout le plaisir rien que d’y penser !
 
Vendredi 8 février. 15h. Réunion Zone Franche. (Musiques du Monde)
Je retrouve mes copines productrices, tourneuses, bookeuses et autres Delaporte and Co. Discussions. Se dessinent une soirée latino pour les Concerts de Septembre et une programmation espérée de Diego Amador dans la saison pour une soirée jazz manouche branchée. A Suivre pour les amateurs.
 
21h. Le dindon. Mise en scène Thomas Le Douarec.
C’est mon ami JB Guyon qui produit cette énième version d’un Feydeau. Il m’avait averti…mais je n’avais pas vraiment entendu ! Le Douarec est connu pour ses adaptations déjantées. Il allait nous servir ! Le lieu est étrange, un cabaret dans le quartier chaud de Pigalle, en face du Moulin Rouge, entre peep-show et sex-shops, de petites tables avec abat-jour, une scène ouverte où trône un canapé et une série de portes comme seul décor.
Les acteurs vont démarrer à fond de cale et tenir pied au plancher pour un vrai divertissement, une loufoquerie sans retenue. C’est un Feydeau totalement enivré d’une jouissance communicative. Même si le genre est périlleux et parfois frôle le mauvais goût, parfois dérape (les chansons mauvaises du début !), l’énergie des comédiens servis par un texte limpide, des situations extrêmes et des retournements incessants, permettent à ce Feydeau d’être un pur divertissement. Banane de rigueur à la sortie ! Bon, on ne s’ennuiera pas la saison prochaine, le 25 avril 2009 au Théâtre Croisette !
 
Samedi 9 février.
Pari difficile pour cette journée de folie. Je vais visionner 4 pièces à 15, 17, 19, 21 heures dans 3 salles de Paris, avec quelques minutes seulement pour me rendre de l’une à l’autre ! Et dire qu’il y en a qui affirme que je m’amuse dans mon métier ! Et bien, c’est vrai ! Cela m’excite et je suis heureux en train de courir à la recherche de l’émotion perdue sur les pavés de l’espoir !
15 h. Balé de Rua. Danse et percussions du Brésil.
Je n’étais pas convaincu en m’y rendant. TS3 m’avait poussé, me sollicitant instamment. Je m’y rendais en traînant les pieds, persuadé que je sortirais après une demi-heure afin de ne pas speeder pour le prochain rendez-vous. Au fond de la scène, des échafaudages sur trois niveaux, une vingtaine de danseurs et une danseuse ( !), la musique, moitié enregistrée, moitié live, et la sarabande peut commencer. Pendant plus d’une heure, ils vont accomplir une prouesse physique étonnante, dansant en un ensemble parfait à la limite de la rupture les rythmes les plus chauds de l’Amérique du Sud. De la rumba à la samba en passant par la capoeira et le hip-hop, ils se déchaînent emportant tout sur leur passage. Les spectateurs du Trianon sont scotchés sur leur siège tant une force tribale est en jeu, histoire d’un pays par sa danse brute. Certains tableaux sont surréalistes comme ces fleurs qui éclosent sur les échafaudages ou ces couleurs dont ils se parent en se crachant dessus. C’est la fête des corps luisants, des muscles au service de la grâce dans un tempo de frénésie. Cela me fait penser au formidable Mayumana que nous avons reçu pour les fêtes de fin d’année au Palais des Festivals. Je subodore une forte envie de les programmer… il va falloir en discuter avec la production. Le public se lèvera pour une ovation à la fin du show comme si c’était enfin à nous de nous libérer de toute cette tension accumulée pendant  1 h 20.
 
En sortant, je prends le métro pour le Châtelet et me dirige vers la rue duTtemple. Au passage, je tombe sur les célébrations du nouvel an chinois. Comme dans un film de Cimino, les pétards, le grand serpent qui ondule, les costumes magnifiques, les roulements de tambours, des centaines de Chinois et de Chinoises défilant dans les rues…la communauté asiatique en démonstration dans le Marais. Cela vaut le coup d’œil !
 
17 h. Café de la Gare. Le Tour du monde en 80 jours.
Pour moi, le Café de la Gare est un symbole des belles années, quand Romain Bouteille et son équipe inventaient une nouvelle façon d’être, un style différent tant sur scène que dans le public. Le lieu n’a rien perdu de son charme désuet. Une cour bruissant des académies de danse qui mêlent des sonorités africaines, sévillanes, jazz…Un bar où les gens fument et consomment au soleil. Un foutoir sympathique, un accueil décontracté. Sur les planches, c’est toujours la même chose. D’excellents comédiens dans un pastiche dérisoire où se marient en écho l’œuvre de Jules Verne et les accents d’une actualité politique brûlante. C’est frais et amusant, un moment de détente sur les traces des aventuriers d’un monde en train de s’ouvrir au regard de l’Occident. Les acteurs en font des tonnes et l’interprétation permet à la sauce de prendre. Spectacle tout public, les enfants rient et les parents aussi, pas toujours d’ailleurs pour les mêmes raisons !
19 h. Question d’envie.
En avais-je vraiment le désir ? En prélude à la pièce de 21 h, un objet théâtral non identifié. Un jeune homme parle au public et nous comprenons qu’il s’agit d’une émission de téléréalité ou autre jeu. 3 filles le rejoignent et chacun sera dans sa bulle sauf pour des césures où ils se rejoignent en un procédé de rupture. Les archétypes fleurissent, la frustrée pour laquelle le désir ne peut être que sexe, le jeune sûr de lui, heureux et vide de tout, l’écervelée qui rêve la vie sans la connaître, la femme qui a un enfant et dont le seul désir et de parler pour lutter contre la peur… C’est séduisant, joué à la perfection par une brochette de jeunes comédiens talentueux. Les textes sont incisifs et collent aux personnages et aux situations. C’est brut comme un exercice d’école de théâtre, frais et généreux, une leçon de chose sur une humanité inconsistante en train de fleurir sous les décombres d’une société de consommation qui a perdu le sens des valeurs. Que vais-je bien pouvoir faire de cette pièce ?
21 h. La forme des choses. Neil Labute.
Une étudiante s’entiche d’un gardien de musée. Elle est belle, brillante. Il est laid, timide. Elle va le transformer, l’habiller, changer sa coiffure et faire opérer son nez. Il perdra 12 kilos par la pratique du sport. Elle va le façonner comme de la pâte à modeler… mais voilà ! Comment vous dire la suite sans vous dévoiler un ressort qui doit rester caché ? Comment vous amener à suivre les rapports ambigus entre les deux amants sans vous dévoiler ce qui doit être tu ? Sachez que cette pièce est un bijou, un chef-d’œuvre d’intelligence et de finesse, une vraie plongée dans les rapports entre deux êtres que tout oppose ! Démonstration brillante autour du concept de l’art, du pouvoir de l’individu et de sa liberté, de l’échange et de l’aliénation. Rendez-vous le 3 avril 2009 dans la saison « Sortir à Cannes ».
 
Le dimanche, j’avais prévu de me rendre au Palais des Sports afin de voir la dernière œuvre posthume de Béjart. Crise de lèse-majesté, dans la nuit après un sommeil difficile, je décide de m’en retourner sur mes terres cannoises. Le Festival International des Jeux approche et je n’ai pas envie de tomber malade. Je cours me réfugier dans mon home comme un animal blessé afin de récupérer quelques maigres forces. On ne devrait pas vieillir ! Tant pis pour Béjart, il nous a bien laisses orphelins, lui !
 
 

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Gloubi-Glouba, une tarte à la crème de culture !

Publié le par Bernard Oheix

Catégories : #Culture
 Melting-pot et salade niçoise, de la culture en vrac, images et sons à volonté. C’est la période des cadeaux de Noël, et dans les souliers qui sèchent devant l’âtre fumant, il y a des heures de passion, des espoirs parfois tenus, quelquefois déçus, du rêve et de la réalité, de belles histoires et des drames à hurler, quand la fiction est moins insupportable que la réalité, quand parler du monde vaut bien le découvrir et que la terre reste ronde pour les générations à venir. Et qu’elle reste belle aussi dans son écharpe d’ozone !
 
Vu aux Rencontres Cinématographiques de Cannes (du 10 au 15 décembre).
Orgie de pellicules entre mes spectacles, traverser la rue, en pyjama, et ouvrir les yeux en laissant les portes de la perception ouvertes.
Cortex de Nicolas Boukhrief. Un vieil ex-flic en train de perdre la mémoire se retrouve dans un asile où il sera le seul à comprendre qu’un drame se noue dans les nuits glauques de la maison de retraite. Il mènera l’enquête entre son handicap et la crédulité de ceux qui l’entourent et une rémission dans le dernier chemin de son crépuscule. A noter la formidable interprétation d’André Dussollier qui s’expose avec crudité et rend totalement convaincant le personnage principal au milieu d’une pléiade d’excellents acteurs. Un bon polar à voir avec plaisir et qui sait distiller une angoisse sourde, celle de notre futur, la vieillesse, et de murs qui montent si haut et cachent l’horizon de nos peurs !
L’année où mes parents sont partis en vacances est un film brésilien de Cao Hamburger. Le thème croise l’intolérance politique d’une junte au pouvoir dans les années 70 et la découverte d’une amitié entre un enfant « laïque » et un juif religieux que tout oppose. Pourtant, c’est tout le peuple du Brésil à travers le football qui communie dans ses différences afin de célébrer la marche en avant vers la victoire finale au mondial du Mexique. C’est un beau film généreux qui parle de ces années de plomb d’une terreur organisée démantelant la vie sociale et ouvrant des blessures dans chaque famille.
Nue Propriété de Joachim Lafosse est un OVNI belge. Cela commence comme une comédie réaliste un peu bizarre, décalée et petit à petit glisse dans l’univers cauchemardesque d’un conte fantastique. La mère (poule !) Isabelle Huppert élève deux enfants jumeaux (autour de 20 ans !) véritables inutiles, asociaux et en rupture avec la société. Elle aspire à vivre un amour au grand jour et à changer de métier, de région. Pour cela il lui faut vendre la maison ce à quoi s’opposent farouchement son entourage et ses enfants ! Le drame n’est pas loin, derrière le visage lisse et sans expression de Huppert, on trouve le désespoir de ceux qui ont les ailes brisées, de ceux que l’on enchaîne et ne peuvent lutter contre les forces qui les dépassent, aliènent leur volonté !
It’s a free world de Ken Loach. Après sa Palme d’or de Cannes d’inspiration historique, le réalisateur revient à sa fibre sociale. Il filme le marché inépuisable des esclaves modernes. Qu’ils soient Polonais, Ukrainiens, noirs ou Asiatiques, tels de véritables bestiaux dans des ventes aux enchères, leur force de travail est achetée à vil prix, sur un champ de foire. Il ne faut surtout pas que l’individu pense, réagisse. Il est indispensable que ce travailleur de seconde zone se laisse exploiter, violer et vendre comme de la sous-marchandise pour que la machine économique tourne à plein régime et que les autres ouvriers marchent droits ! C’est à travers l’ascension d’une femme recruteuse qui deviendra une « recrue-tueuse », (elle va jusqu’à consommer sexuellement l’ouvrier), que sont exhibés les visages las et terrorisés. Un film sur l’ignominie de notre économie qui rappelle cruellement que si certains annoncent la fin de la classe ouvrière, d’autres filment et montrent les nouveaux pauvres d’une économie mondialisée générant un retour en arrière aux conditions de vie d’un XIXème siècle d’oppression. Nous ne sommes pas tous égaux devant la pauvreté !
La Zona de Rodrigo Pla. Le Mexique où se juxtaposent une favela et un parc résidentiel haut de gamme pour riches. Tout s’achète, même les policiers et les juges. Dans cette zone, une enclave de non-droit régie par l’argent, les règles strictes de vie communautaire débouchent sur un régime fasciste basé sur les instincts les plus vils de conservation des privilèges et d’exclusion des autres. Cela se révèlera dans une nuit de tempête, quand 3 jeunes viennent cambrioler une villa et déclenche une machine à broyer les différences qui va les exterminer en toute impunité. Un film dur et violent, une poursuite impitoyable dans l’univers aseptisé d’un argent roi.
La fête du feu. de Asghar Farhadi. Dans un Iran moderne ou le tchador et le computer font bon ménage, une jeune amoureuse « traditionaliste-moderniste » va croiser le destin d’un couple de « bobos » à l’iranienne en train de se déchirer. La jalousie morbide de la femme devant l’innocence affirmée de l’homme, la liaison finalement avérée du mari, les odeurs et le bruit, les cris et les couleurs passées…malgré une certaine facture naïve, des situations tirées par les cheveux et un moralisme dégoulinant qui coule comme une source d’abondance, le film se laisse voir et donne une vision vertigineuse du monde iranien. Notre perception basée sur des caricatures permanentes devra revoir à la hausse la complexité du processus en marche dans cet Iran de l’après Khomeyni, celui des Ayatollahs de la modernité ! Je pense à la vision (ô combien chaste) d’une femme adultère…mais aussi à cette ambiguïté permanente entre la femme active (qui travaille, prend des décisions) et la femme soumise (à la loi de l’homme, aux codes de bienséance de la société…), à cette pression permanente du groupe social (les autres) dans la vie d’un individu.
Faut-il prendre des gants avec l’amour avec des gants ? Maurizio Nichetti est très sympathique et débonnaire, mais que son film a vieilli ! Qu’il ait eu du succès, tant mieux, mais bon, autant l’oublier et en garder le souvenir ému d’un sourire lunaire et de quelques gags que l’époque lointaine de réalisation a embellis de sa patine !
4 minutes de Chris Kraus. Un film allemand, une histoire tendue sur la lame d’un rasoir, entre le sublime et le sordide. L’éternelle sauvageonne, meurtrière, qui possède un don ! Un sang de musique coulant dans les veines de la colère. Il faudra du temps pour que la professeur de musique bénévole de cette prison puisse offrir une rémission à la meurtrière. Il faudra qu’elles se dévoilent mutuellement dans leurs blessures cachées, dans la soif d’absolu d’un art au-dessus de la vie. C’est beau, cruel et merveilleusement optimiste, baroque, naïf parfois. Cette œuvre a eu le grand prix du cinéma allemand 2007, elle démontre à l’évidence la vitalité actuelle de ce cinéma.
Enfin veuve ! d’Isabelle Mergault.
Son « je vous trouve très beau » avait touché. Ce deuxième film est un peu poussif. Il cherche à émouvoir tout en amusant et ne vise pas toujours juste au milieu…Le personnage de Gamblin n’est pas crédible, ce qui n’est pas grave en soi, mais faute de goût, un peu ridicule ! Tout est tiré par les cheveux même si on passe un moment de détente parsemé de quelques sourires ! Bon, Isabelle, d’abord tu changes de tenue (grotesque ton body qui exhibe ton ventre sur la scène du Grand Auditorium !) et puis tu te remets au travail. Tu nous as prouvé que ton premier film n’était pas une réalisation jouée au hasard sur les dés du destin, tu as du talent, alors on attend ton prochain film !
 
Vu dans les salles de Cannes.
Je suis une légende réussit l’exploit de massacrer un des chefs-d’œuvre de la littérature fantastique de Richard Matheson. C’est du mauvais cinéma américain, du vrai mauvais à base d’effets spéciaux ridicules et d’un temps étiré sous la coupe d’un scénariste pour adolescents. C’est un crime contre la littérature et le rêve ! Lions et agneaux de Robert Redford se veut un affrontement moral sur le thème du devoir et de l’accomplissement. C’est lourd et pesant, chacun étant dans son rôle, et infligeant au spectateur de longs développements insipides (Tom Cruise en faucon politique, la journaliste en ex-révoltée lasse et doutant avec ésotérisme de tout, Redford en prof abscons chargé d’éveiller les consciences en les libérant). Ô Robbie, réveille-toi, tu dors ! Les promesses de l’ombre de David Cronenberg est génial. S’il y a un film à voir, c’est celui-là ! C’est un bijou sauvage et cela brille dans la nuit ! Interdiction de raconter l’histoire, filez vous rendre compte, c’est Maître Cronenberg, il nous le prouve de film en film ! 15 ans que Coppola n’avait plus tourné. Il aurait pu tenir encore quelques années avant de faire son come-back avec cet Homme sans âge ! C’est compliqué, un peu insipide, pas très bien tourné… mais c’est Francis Ford Coppola. Le cœur des hommes 2 est une superbe comédie douce amère de Marc Esposito. Les suites sont parfois bien en-deçà des espérances ! Ce n’est pas le cas pour ces retrouvailles émues. C’est comme si on n’avait jamais quitté les 4 éternels adolescents plongés dans leurs histoires de cœur, et cela fonctionne, encore et toujours. Pour le 3ème opus, prévoir les chaises roulantes ! Quant à L’Autre monde, avec Benoit Poolvorde, si on ne l’a pas encore découvert, inutile de s’y rendre, c’est une invention de critiques en mal de copies !
 
Sur Quelques livres.
Peu de temps pour la lecture. Entre les films, les spectacles et les voyages (plus un peu le travail !). J’ai quand même dévoré le dernier Harry Potter et les reliques de la mort. Il est temps que la série se termine, mais c’est toujours un plaisir de retrouver le petit Potter… même s’il grandit de livre en livre ! Un conseil : si vous ne l’avez pas lu, filez vous faire offrir par le Père Noël l’intégrale de Potter, vous ne le regretterez pas ! Patricia Macdonald et sa femme sans tête. Moi, j’ai un problème avec les polars. J’adore les lire mais j’oublie aussitôt ! Il s’agit ici d’un homme innocent de la mort de sa femme mais jugé coupable… petit relent du Fugitif…Et puis c’est parti, il meurt assassiné, l’enquête est reprise par sa fille et… J’ai l’impression que je suis en train d’oublier la suite mais ce n’est vraiment pas grave ! C’est comme le Mortel été de Molly Katz…J’ai complètement zappé l’histoire ! Le poids léger d’Olivier Adam m’a été conseillé par Julien O. C’est un auteur que les jeunes aiment, dans lequel ils se retrouvent. Je comprends pourquoi ! Au passage cela doit vouloir dire que je suis encore jeune ! Une histoire simple et tragique, écrite sans fioritures, entre le désespoir et l’espoir, en gris fauve avec une fin fermée à double tour sur tout bonheur… Le monde n’est pas vraiment un Disneyland dans lequel on peut s’ébattre en espérant que l’orage se calme avec Carla Bruni !
 
Sur quelques spectacles.
Aaron en concert à la salle Lino Ventura. Qui n’a pas chantonné la bluette de « Je vais bien, ne t’en fait pas » ?  Qui pensait que ce coup médiatique cachait les desseins inavouables d’un grand méchant showbiz ? Que Nenni ! Ils sont deux plus une ravissante violoncelliste un peu accessoire (mais pourquoi donc les violoncellistes sont toujours belles et délicieusement érotiques ?). Piano-guitare et voix. Les Aaron assurent un set excellent, possèdent une vraie voix chaude et une aisance sur scène remarquable. Ils embarquent le public dans un show particulièrement intelligent et efficace et démontrent à l’évidence que leur succès ne doit rien à personne, qu’ils sont partis pour durer ! A revoir en confirmant ! Les ogres de Barbac sont une énième mouture de cette veine néoréaliste à tendance tsigane, entre le caf’conç et la fête, la chanson à texte et l’énergie débridée d’une musique à danser. C’est plutôt réussi. Un bon moment parfois un peu verbeux !
Je ne vais pas vous parler de Cabaret Passion et de la Belle de Cadix. C’est à se demander qui a programmé ces spectacles (Merde, c’est moi !), par contre si Second Sexe est convenu et un peu trop frais, les Hushpuppies déroulent un rock de derrière les fagots à sentir toutes les notes hurler. C’est sauvage et rock de rock. Une belle surprise pour aller vers ces fêtes de fin d’année où l’on devrait enfin goûter le temps de souffler et de prendre son temps !
 
Bon Noël à toutes et à tous. Et vive la culture !
 
 
 

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Dance me (2)

Publié le par Bernard Oheix

Catégories : #Culture
Suite et fin des commentaires sur le Festival de la Danse de Cannes qui s'est déroulé du 24 novembrez au 1 décembre. Une semaine chargée mais ô combien passionnante !
 
Mercredi 28 novembre 18h30
Compagnie Najib Guerfi.
« Orphée et Eurydice ». (Création 2007)
« Les damnés »
On connaissait Les Damnés dont une première version avait été offerte au Monaco Danse Forum. Ancien de Kafig, Najib tente de faire fusionner le Hip-hop avec d’autres styles, d’y greffer des mythes et de garder de l’humour. C’était le projet d’Orphée et Eurydice.
Le moins que l’on puisse dire et que, dans cette création, il se prend les pieds dans le tapis, se roule en boule et se plante en beauté. La danseuse est aussi adaptée au rôle que votre serviteur nu en train de faire des claquettes, Najib, pour impressionnant qu’il soit, peine à arquer sa carcasse de vieux macadam runner des années de gloire dans des portés vacillants, c’est abstrait et prétentieux, tout semble faux et inabouti…même s’il reste les micropulsions pour faire illusion… dommage ! Il faut savoir revendiquer l’échec, cela fait partie intégrante de l’art… et en conséquence, Najib, ce jour-là, a été un grand artiste !
Les Damnés viendront remettre les choses en place. Bien sûr que Najib est un bon, bien sûr qu’il est un vrai chorégraphe, que ses Canaques ont une énergie de folie et qu’il est un metteur en scène bourré de talent ! Cette version est encore meilleure que celle du Monaco 2006. Salut Najib, l’artiste, tu retomberas sur tes pattes de chat et rebondiras encore et toujours comme un éternel « sauvageon », (le titre de ton excellent livre !) qui sait que la vie n’est pas là pour lui faire de cadeaux !
14h00 et 21h00
Europa Danse
« Picasso et la danse »
La première partie est composée de 3 pièces dont « Parade » remontée à l’identique sur l’argument de Cocteau, musique de Satie, chorégraphie de Massine, rideaux de scène, costumes et décors reconstitués à partir des maquettes de Pablo Picasso.
Sur le plan de la danse, Parade ne marquera pas l’histoire, on a connu des œuvres moins mièvres ! Mais la fraicheur et la naïveté de la mise en scène, le rôle désuet des accessoires, la jeunesse des danseurs en attente de trouver une grande compagnie donnent à ce ballet de 20mn un charme authentique. Cela renvoie à une époque où tout était possible… parce que beaucoup devait encore être inventé de la vie, parce que les génies précoces se croisaient et échangeaient leur passion et n’avaient pas besoin de s’enfermer dans des tours d’ivoire, parce que cette époque était ouverte à tout, même à l’horreur naissante ! C’est donc à une tranche d’histoire que nous étions conviés et nous l’avons feuilletée comme un vieux livre jauni au parfum suranné.
« Pulcinella » et « Mercure », deux créations de Stekelman et Malandain venaient compléter Parade. En 2ème partie, un flamenco pur et dur (pas comme Galvan !) avec filles en chair, garçons bondissants, les doigts en l’air, le derrière en l’air, la tête en l’air…et toujours ces attitudes hiératiques, les grincements de la guitare, le rauque de la voix… bon, vous l’avez compris, nouveau ou ancien, le flamenco m’ennuie !
Jeudi 29 novembre 18h30
The Guests Company-Yuval Pick
« Look white inside »  création 2007/coproduction Festival de Danse de Cannes.
Il y a un drap sur la scène, les danseurs s’agitent, dessous et dessus, à tour de rôle, y en a un qui a une queue, et un autre une couronne, mais on sait jamais pourquoi… et cela dure une heure, et les danseurs ont une gastro pendant tout le temps du spectacle ! C’est long une heure, c’est dur la gastro !
21h00
Sidi Larbi Cherkaoui/ A Filetta
« Apocrifu » (Coproduction Festival de Cannes/Théâtre de la Monnaie).
Qui a vu « In Memoriam » à Monaco sait combien l’alliance de la créativité de Sidi Larbi Cherkaoui (l’homme qui crée plus vite que son ombre !), la qualité des danseurs de Maillot (le chorégraphe des ballets) et les chants polyphoniques d’A Filetta peuvent se magnifier de s’enrichir mutuellement. In Memoriam était un chef-d’œuvre, qu’en serait-il de cette coproduction avec des Belges ?
D’abord, 3 danseurs (dont le chorégraphe Cherkaoui) cela ne vaut pas les Ballets de Monte-Carlo, un décor fagoté, une moitié d’escalier réussi grimpant vers le ciel en regard d’une maison hideuse sur un étage manquant singulièrement de charme ! Un thème ambitieux : Coran, Bible et Thora disent la même chose… différemment (!!). Las ! Le chorégraphe se noie rapidement dans une agitation qui alternera le bon, l’excellent et le surfait, le facile, l’à-peu-près !
On a beau posséder le don, aimer travailler sous pression, Apocrifu ne rend que peu de crédit au génie de son maître ! La faute à un manque de temps, à un travail trop superficiel, à la tendance suicidaire d’une fuite en avant. Certains passages peuvent surprendre et attirer, l’ensemble n’est que redite, bien souvent, de son propre travail. La chorégraphie ne se situant pas toujours à la hauteur du foisonnement de son auteur. Bon, on aura la prochaine création de Grasse ou celle de Nice en 2008 pour se consoler !
Vendredi 30 novembre. 21h00
Emanuel Gat Dance
« K626 »
Il y a des noms que l’on sent porter par une forte houle. C’est le cas d’Emanuel Gat, Israélien nommé à la tête de la Danse à Istres, précédé d’une réputation flatteuse, dont personne n’a vraiment vu le travail…ce qui n’est pas important puisque la rumeur publique affirme que c’est un génie. Cela sera donc génial puisque tout le monde (personne ?) l’a décrété ! Il ose le bougre avec ses 8 danseurs se colleter au Requiem de Mozart, s’embarque dans cette épopée avec aussi peu d’expérience que moi pour une transatlantique par force 8. Les bonnes intentions ne font pas forcément le talent. On sent quelque chose de plutôt sympathique, dans sa capacité à faire fusionner le groupe, à le faire se déplacer d’une façon atypique, mais l’ensemble manque cruellement de fluidité et de constance ! Si Pietragalla avait osé faire le dixième de ce que commet Gat, (les mains en l’air en éventail, le sourire niais, les doigts suivant mécaniquement la courbe du visage), il fait nul doute qu’elle eût été immédiatement brûlée vive en place de la Danse ! Gat, lui, s’en tirera avec les honneurs puisque les jeux étaient déjà distribués ! Dommage, il y a quelque chose d’intéressant dans sa démarche, mais les brûlures d’orgueil condamnent parfois au silence et au tarissement des sources les plus abondantes !
Samedi 1 décembre. 18h30.
Compagnie Grenade-Josette Baïz
« Les Araignées de Mars »
Très beaux décors, belle scénographie, lumières fantastiques, utilisation particulièrement astucieuse de draps immenses qui vont devenir à tour de rôle des cordes, des paravents, des éléments d’architecture…
Reste la danse. Les danseurs sont jeunes et beaux mais ils ont si peu à se mettre en mouvement que cela en est misère. Pourquoi les as-tu brimés ma Josette ? Pourquoi ne pas leur permettre d’utiliser cette technique dont on sent qu’elle ne demande qu’à s’épanouir ? Bon, ce n’est pas grave, moi j’aime malgré tout, c’est ma copine ! Tu aurais quand même pu te laisser aller et donner du souffle à ce qui ne demandait qu’à vibrer !
21h00
Les Etoiles de Ballet 2000
Où et quand la revue Ballet 2000 fait son show ! Quelques solistes des plus grandes compagnies venant exécuter des figures hardies dans une danse exhibitionniste où seule la performance compte ! C’est le lot des galas, celui-ci n’y coupera pas, sauf à dire que le néoclassique et le moderne ont aussi droit de cité, que l’aspect poussiéreux des galas traditionnels tend à disparaître et à fusionner avec un temps plus pressé, moins avide de salut et de ronds de jambe. Le petit Ukrainien Daniil Simkin du Ballet de l’Opéra de Vienne va éblouir et désarçonner dans les Bourgeois de Jacques Brel. Doté d’un talent, d’une énergie hors du commun, (on dit de lui qu’il est le nouveau Baryshnikov). Dans le Don Quichotte, il bondira vers des frontières insoupçonnées pour des sauts à ravir et à déclencher une Ola d’enthousiasme ! Aki Saito et Wim Vanlessen (Ballet Royal des Flandres) seront parfaits dans In the Middle, Somewhat Elevated… de William Forsythe.
Il y aura aussi le San Francisco Ballet, l’Opéra de Paris, La Scala… pour un spectacle finalement de bonne facture (un peu court au goût des spectateurs… payants !), dans lequel la cérémonie de remise du Prix à la carrière Irène Lidova à une Violette Verdy rayonnante aura été un moment d’émotion intense. Une grande Dame qui aura marqué son époque (elle fut une des danseuses attitrée de Balanchine qui créa spécialement pour elle de nombreuses chorégraphies !). Elle reste une observatrice aiguë de la danse et conserve un esprit frondeur et curieux.
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Bon, un cocktail plus loin, le Festival se termine…Enfin ! Il aura déclenché les passions sans aller jusqu’à la rupture, il aura vu 12 000 spectateurs, des critiques, des amateurs de danse, des artistes gigantesques et des usurpateurs, des flagorneurs et des humbles, des tordus et des belles, des bêtes et des sanguinaires… Il nous aura permis d’ouvrir une fenêtre sur la création du monde et de mieux comprendre où en est la Danse dans ce grand mouvement des idées qui brasse l’espoir d’un monde différent !
Voilà, le producteur du Gala, mon ami Richard Stephan, avait besoin de tendresse et d’encouragements ! Nous avons donc décidé, en un pari stupide, de nous baigner si la recette atteignait la barre fatidique des 50 000€. Malgré notre échec patent (elle fut de 49 680€ !), nous décidâmes de plonger dans la Méditerranée afin de mettre au frais nos ardeurs… mission accomplie ! Un festival de plus réalisé, un de moins à faire !
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Dance me to the end of love (1)

Publié le par Bernard Oheix

Catégories : #Culture
Un titre en hommage à Léonard Cohen
 
Une programmation de Yorgos Loukos, le directeur artistique du Festival de Danse de Cannes est toujours une aventure culturelle intense ! Il y a deux ans, il nous avait asséné une série de spectacles particulièrement éprouvante pour l’organisateur… et le public ! Risque d’un décrochage, on lui avait demandé de tempérer ses ardeurs, la suite et vérification en commentaires !
 
Ouverture le 23 novembre 21h 00 avec le Ballet de Marseille
« Silent Collisions »
Dans ce 3ème volet d’une trilogie sur l’architecture, (les deux précédentes avaient été présentées au festival), Frédéric Flamand, trace sa voie dans la recherche de la place du corps humain dans l’espace urbain.  La première partie balbutie, une gesticulation archétypale qui n’apporte rien à sa recherche, mais l’utilisation (comme toujours chez lui) d’un décor ambitieux (une ville dont les formes se déglinguent au fil du spectacle) lui permet d’introduire une dynamique intéressante dans la seconde moitié. Quelques trouvailles scénographiques, un rythme plus en phase avec le propos, des danseurs un peu figés qui se laissent malgré tout envahir par la tension d’une machinerie sophistiquée…Somme toute, le public, en recherche d’une danse pas trop hermétique, y aura trouvé son compte. A noter, un fossé qui semble se creuser entre un corps de ballet hérité de directeurs néoclassiques (Roland Petit et Marie-Claude Pietragalla) et le style de Flamand qui apparait en inadéquation avec la qualité intrinsèque des danseurs ! Ce qu’a réussi Jean-Christophe Maillot à Monte-Carlo (la mutation d’un corps de ballet et son corollaire, l’évolution du public) semble plus complexe à réaliser dans la Ville de Marseille !
Samedi 24 novembre. 18h30
Compagnie Cave Canem « Dromos 1et 2 »
Chorégraphie Philippe Combes.
Cela commence magiquement. Un drap comme un écran sur un échafaudage, derrière, dans des filets de lumières, la forme d’une femme se dessine comme en filigrane, fantôme du désir. Elle évolue avec grâce, dans une obscurité complice, filigrane de son corps nu, traces d’une féminité qui se dérobe pour mieux s’exhiber. Il y a un jeu subtil sur les formes, le mouvement, l’impossibilité pour le spectateur de s’ancrer dans une logique de « reconnaissance ». C’est somptueux et délicieusement érotique, ambiguë, un rien pervers.
Et puis, patatras !
Le chorégraphe décide de crever l’écran et de faire apparaître la femme ! Las ! Parfois les choses vont tellement mieux sans le dire. Ce qui était magique se dévoile dans son à-peu-près. Elle s’est rhabillée, le mouvement d’hiératique devient ennuyeux, le geste étiré rend insupportable le silence. Chaque doigt, chaque mouvement de tête est une torture ! C’est Mozart qu’on assassine !
Tans pis, on aura vécu la moitié d’un très beau spectacle !
21h00.
Compagnie Israel Galvan.
« La edad de oro »
Déjà le Flamenco… En plus, quand c’est du Nuevo Flamenco !!! Il paraît, à ouïr la salle, que c’était génial, iconoclaste, fantastique… Moi, après 15 minutes, j’avais compris le spectacle et une certaine tendance inclinait mon chef vers le dossier du fauteuil confortable de la salle Debussy qui n’y pouvait rien. Un chant très beau mais on avait l’impression que ses doigts se prenaient dans la porte en permanence et que cela lui faisait vraiment très mal, un morceau de guitare très beau avec plein de notes qui jaillissaient drues, serrées, tellement compressées que cela donnait l’impression que c’était toujours la même chose... Et puis, le seigneur Galvan se lève, il agite ses petits pieds en faisant un maximum de bruit, remue ses petits bras en moulinant comme Sancho Panca, tressaute du derrière et pousse son bassin pour affoler les filles, pour finir par une virgule ironique avec la main à la fin à la dernière note de musique. Tout cela avec l’air d’avoir enterré sa mère au cimetière de La Bocca le matin de sa prestation et en ressemblant à Wladimir Poutine ! Bon, c’est vrai, les gens avaient l’air vraiment content, on aurait dit qu’ils avaient mangé une bonne paella et bu du vino tinto !
Dimanche 25 novembre. 21h00
Ballet Biarritz Thierry Malandain
« Les Créatures »
J’avais adoré son hommage aux Ballets Russes, j’attendais avec une certaine impatience ses « Créatures ». Le ballet est beau, les danseurs évoluent avec cette grâce d’un néoclassicisme qui s’assume. Superbe composition initiale, danseurs qui sautent en cassant les jambes, qui fusionnent sur la musique de Beethoven et nous entraînent dans un univers de mouvements et de silhouettes se fondant dans un noir et blanc austère.
Et puis la mécanique ripe, le propos (trop) ambitieux se perd dans l’agitation et la répétition, les costumes lassent. Quelques idées viendront ranimer la foi en deuxième mi-temps (!), une femme avec de grands voiles, une boule transparente… mais c’est déjà trop tard, Thierry Malandain a presque perdu la partie et n’a pu imposer ce style néoclassique si décrié et snobé par les critiques et les balletomanes branchés… Il a raté une occasion d’affirmer son leadership et d’anoblir le genre. Peut-être que le fardeau était trop lourd à porter ! Le public amateur aura passé une belle soirée… nous savons nous… que avons raté une grande soirée de danse. Tant pis, ce sera pour la prochaine fois !
Lundi 26 novembre. Toute la journée.
Installation performance du Collectif Loge 22-Michel Pomero.
Bon, des boîtes d’œufs que l’on empile et qui s ‘écroulent, des galets qui roulent et la mousse…des marcheurs qui déambulent le long des murs… j’ai fait cela en 70 avec Ben et ses concerts fluxus de l’Ecole de Nice ! Autant rendre à César ce qui lui appartient et laisser le temps opérer son œuvre sans nous ennuyer !
21h00
Compagnie Maguy Marin.
Turba/ coproduction Festival de Danse de Cannes.
Je suis entré à reculons dans la salle. Je craignais le pire étant de ceux que les agressions récentes de Maguy Marin et de Denis Mariotte épuisent. Où est donc passé la femme capable de créer Cendrillon, May B ? Assurément, elle n’est plus dans le monde d’une danse qu’elle enterre en grande pompe dans cette œuvre somptueusement mortuaire ! Mais la magie opère !
Un « danseur » définitivement comédien s’approche du front de scène, dans un écoulement d’eau qui ruisselle sur des tables… Il va se vêtir d’oripeaux et lire en latin des extraits « de  la nature » de Lucrèce….. C’est beau et bouleversant. La scène en noir et blanc va se meubler de couleurs au fur et à mesure que les danseurs viennent évoquer par petites saynètes, les œuvres de Maguy Marin. Chacun déclame en toute langue des extraits de ce livre brandi. Quand les couleurs gagneront sur le noir, une tempête va se lever et briser l’ordonnancement des choses. Ce sera alors la cacophonie d’une inspiration désespérée, un renoncement général que deux portés et un duo étiré au maximum vont définitivement sceller. Maguy Marin, son double, va revêtir une couronne et laisser sa place aux jeunes dans une mort symbolique de son flux créatif. Testament crépusculaire. En cela, elle est redevenue cette immense dame d’images, même s’il lui reste le plus difficile à faire : rompre avec la danse dans les faits, et pas seulement par l’imagination.
Merci Madame Marin pour nous avoir offert ce poème somptueux, cette mort au travail, cette agonie de tous les idéaux. Il y a chez vous le génie du contre-pied et de l’entrechat. Vous errez dans un monde si particulier que votre sincérité ne peut que toucher ceux qui se dressent contre vous !
Mardi 27 novembre. 18h30.
Compagnie Pockemon Crew.
« C’est ça la vie !? »
En gros, la vie c’est d’être riche, de voyager, de voir plein de pays, de rencontrer des meufs, de kiffer grave… de rester très humble comme Zizou tout en faisant savoir que c’est nous, les Pockemon Crew… quand même !
Bon pour le reste, une absence de mise en scène à la Star’Ac, le showbiz avec ses gros sabots en un marketing soigneux, le public (très) jeune qui hurle les prénoms à s’en casser la voix et, disons-le, des danseurs plein de fougue, bourrés d’énergie et de talent. Ils méritaient peut-être mieux… mais c’est ça la vie !
21h.00
Sylvie Guillem et Russell Maliphant.
« Push »
Comment dire la grâce absolue, l’imagination sans limite, les lois de la pesanteur niées. Cela commence par 3 soli. Russel Maliphant à la recherche de son double en ombre. Sylvie dans les trouées de lumières qui écharpent la musique flamenco. Et « two », hallucinant, où la danseuse tente d’échapper à un cône de lumière, par la répétition et l’accélération, de briser sa prison dorée par le mouvement rythmé sur une musique électro envoûtante.
Et puis il y a « Push », un duo de 32 minutes qui amène le spectateur à un point de rupture introduisant la danse dans une dimension parallèle. Cela nous permet de gommer les lois élémentaires de la nature, de défier les normes et les alphabets. Imaginez le noir de la scène. Un rai de lumière vient lécher le corps d’une Sylvie Guillem perchée sur les épaules de son partenaire. Elle va glisser en s’enroulant autour de lui, attirée vers le sol. Quand elle y arrivera : noir. Quelques secondes et la lumière revient l’épingler dans un autre coin de la scène, toujours portée par Russell Maliphant. Et toujours, elle glisse vers le plancher, et toujours ses formes sont fières, droites, sans déroger à l’harmonie, quelle que soit l’orientation, la hauteur, le sens du mouvement des deux corps unis. C’est bouleversant et magique !
J’ai rarement, dans ma carrière de programmateur, pu ressentir un tel degré de perfection, une osmose aussi totale entre deux danseurs et le public, un environnement où rien ne semble déroger à l’harmonie des courbes, à la rigueur des lignes, à la tension des silhouettes, à la plastique des formes. Un corps théorique vers l’astre de la nuit. Le chemin d’un couronnement.
Merci Russell Maliphant pour ces chorégraphies et ces « portés » offerts à une déesse intemporelle, merci aux techniciens, merci au public… et merci avant tout à Sylvie Guillem d’exister et d’être la plus grande danseuse du monde ! J’étais le 27 novembre 2007 dans la salle Louis Lumière du Palais des Festivals, à Cannes, je peux vous le confirmer !
 
Voilà, la suite au prochain numéro…dans quelques jours. Vous aurez encore beaucoup de spectacles de danse à vous mettre sous la dent, encore de belles surprises et quelques « plantades » mémorables !. Juste un peu de patience et je les mets en ligne !
 
 
 
 

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La galère de Lutéce

Publié le par Bernard Oheix

Catégories : #Culture
 
Se rendre à Paris afin de visionner des pièces de théâtre pendant la semaine des grandes grèves était une proposition stupide… j’en conviens ! On ne se refait pas, attiré par l’odeur de soufre, les foules en colère, une France en décomposition, les patrons à l’agonie, un pouvoir d’achat qui ne baisse que pour les pauvres. Mon Dieu, mais (re)deviendrais-je un révolutionnaire luttant contre l’ordre juste, (excusez-moi, je mélange tout !), un anarchiste foulant au nom de ses idéaux utopiques la bonne marche d’une société dans laquelle chacun et chacune doivent savoir tenir sa place et rien que sa place !
 
Bof ! Ce que je sais, c’est que Paris en grève est une ville étrange, climat délétère, gens tendus mais résignés, froid perçant qui se glisse dans chaque encoignure, « vélibs » pris d’assaut (j’ai fait mon baptême et je vous assure que je préfère les Alpes entre Venise et Gdansk aux pavés luisants des rues parisiennes !), taxis introuvables, métros condamnés, bus aléatoires… et des kilomètres à pied à n’en plus finir, dans le bruit et la fureur d’une circulation multipliée, à regarder les numéros et les noms des rues comme si le salut éternel de mon âme en dépendait, à scruter une carte illisible afin de se retrouver dans le dédale d’une toile d’araignée qui nous étouffe. Vive Paris, vive le spectacle !
Tout cela pour une semaine très mitigée disons-le. Une vraie crise du spectacle avec des salles à moitié vides (en plus avec les grèves !) mais aussi une crise de la création et des propositions pas toujours intéressantes. Le monde du spectacle vit un séisme, un dérèglement réel qui va ensanglanter certaines planches de nombreuses scènes dans les années à venir.  Quant au public, il faudra bien que je vous livre un jour ce que j’en pense !
Victor et les enfants au pouvoir avec Lorant Deutsch pourrait faire illusion mais sonne presque « désuètement », comme si ce langage et ces situations venaient en écho d’un monde rêvé, il y a bien longtemps, par les surréalistes. Biographie sans Antoinette avec Lhermitte et Testud sur un texte de Max Frisch et une mise en scène de Hans Petter Cloos est un admirable exercice de style très convaincant, tant sur la forme que sur le fond. Un homme se voit proposé par un metteur en scène (Dieu !) de refaire sa biographie. Il va vouloir chasser une femme de sa vie mais elle reviendra, encore et toujours, parce que l’on ne peut gommer la vérité de son existence. C’est brillant, intelligent… mais cette pièce sera à Nice, au théâtre l’an prochain, donc pas à Cannes.
Et puis cela se gâte. Happy Hanouka, était présenté comme la comédie à la mode, son humour juif écrit par un dialoguiste avec les pieds en grève de talent, elle s’échoue sur les rives d’une vulgarité sans rémission. La vie devant soi, avec Myriam Boyer, tirée du roman d’Emile Ajar, nous donne l’envie irrépressible d’achever l’actrice afin de lui épargner le long calvaire d’une existence pour rien… et certainement pas pour l’attrait du spectateur. Les Chaussettes avec Desarthe et Galabru s’étirent en longueur et offrent quelques trous. La problématique est alléchante (théâtre de création et théâtre de comédie, public et privé, réunis en une création ultime par deux vieilles gloires dans leur genre respectif, à la recherche de leur prestige éteint), mais la pièce manque de finesse, les articulations sont trop évidentes et le jeu de Galabru (même en sourdine !) tonitrue à nos oreilles à la limite du supportable. Une occasion ratée malgré des efforts évidents pour parler à la tête !
Quelques lueurs d’espoir avec les monologues du vagin. Pièce devenue culte, à juste titre, les trois femmes (dont Nicole Croisille), nous entraînent dans un tourbillon de rires et d’émotions. L’homme rit aussi devant ces vagins abandonnés, trop sollicités, fiers, couards et c’est une admirable leçon d’histoire naturelle qui nous est dispensée avec « doigté » mais sans rien cacher. Vive les vagins monologuant !
Enfin pour la fine bouche, Bruno Solo dans un formidable Système Ribadier. Une histoire débile d’homme qui endort son épouse pour aller la tromper, d’ami amoureux transi de la femme qui la réveille volontairement, des quiproquos, chassés-croisés et autres variations, emmenés avec rythme, joués à la perfection, un vrai bol d’air d’un Feydeau monté sans temps morts, avec efficacité.
Ouf ! Il était temps de tenter de rentrer, à pied, à cheval, en TGV… mais dans la douleur toujours retrouver sa Côte d’Azur… sous les flots !
Et pendant ce temps, Stephan Eicher enchantait des hordes de femmes échevelées dans le Grand Auditorium du Palais des Festivals. Et son show était sublime d’après les quelques oreilles ennemies qui traînaient dans la salle. Et je n’étais même pas là ! Un conseil, achetez son dernier CD, il est génial !
La galère de Lutèce.
 
 

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Ah ! Rachid

Publié le par Bernard Oheix

Catégories : #Culture
Avant de partir à Paris, je tenais à vous mettre en ligne mes impressions sur un concert hors norme, un de ceux qui vous laisse pantois, désarçonné, plein de passion, écorché de musique. Rachid Taha, un maître, un grand, quelqu'un qui sait parler aux notes et les rendre vivantes !
Voilà, le mardi 13, je vais tenter de rallier Paris envers et malgré les grèves, histoire d'aller faire mon marché théâtral. Rendez-vous dans quelques jours pour un compte-rendu sur l'actualité théâtrale.
 
Oui, mon cher, tu ne ressembles pas à grand-chose quand la lumière vient t’enfermer dans sa cage dorée. Une grande pelisse dont les rabats trainent sur la scène, une « chapka » à étoile rouge sur la tête (qu’il ressortira sur « camarade », fièrement) laissant échapper une touffe de cheveux noir ébouriffés, petit et pas rasé, un informe sarouel rouge à carreaux et cette allure inimitable, entre l’aisance et l’abandon, la nonchalance et le je-m’en-foutisme, un côté décalé soigneusement entretenu qui va exploser dès que le groupe se mettra en branle.
J’avais eu le plaisir de le programmer en 2001 dans la première édition d’une Pantiero qui voyait Mathmata, Sinsémilia et d’autres, apporter un souffle d’air nouveau dans les programmations trop conformistes qui étaient mon lot quotidien de programmateur cannois. J’avais modestement ouvert un créneau sur les musiques du monde mais toujours reculé devant la jeune scène iconoclaste française. Il était temps de me lâcher et les élections m’avaient ouvert cette lucarne tant attendue. Début d’une aventure qui nous verra prendre des risques et ouvrir grand les portes de la nouveauté. Je me souviens d’un des plus beaux concerts qu’il m’ait été donné de voir. C’était dans la tournée d’un Made in Médina décapant. Je vous conseille ce disque, il doit nécessairement faire partie de toute discothèque intelligente !
Depuis, je savais que nos chemins se recroiseraient. Il avait été ébahi de jouer dans ce cadre magique, dans cette ville si décalée par rapport à son univers habituel. Il me l’avait dit dans un sourire en coin, entre deux verres en penchant sa tête sur le côté. Cannes, sa Croisette, ses petits vieux et leurs chiens en laisse… mais aussi Rachid Taha, l’enfant d’une douce France qui retrouvait ses racines pour inventer un rock nerveux, tribal, électro-ethnique, parfait exemple d’une mixité où le meilleur des deux cultures entrait en fusion.
Pour la petite histoire, c’est à ce concert du 14 août 2001 que j’ai vécu mon unique « baston » de toutes les soirées que j’ai pu organiser. Un public particulièrement chaud, une sécurité à fleur de peau et l’inévitable scène d’affrontement de coqs en colère, tee-shirts déchirés, hurlements et vagues du public partagé entre la violence des sons qui grimpaient au zénith et la bousculade et les coups qui pleuvaient.
Samedi 10 novembre. Il fait un temps superbe, l’équipe de Taha débarque de Strasbourg en bus. Ils sont sympas et décontractés, prennent possession de la salle et installent la technique. Rachid est à l’hôtel, dérangement gastrique à la clef.
Les réservations ne sont pas bonnes (150 ventes !) mais j’espère en la dernière vague, ceux qui ne réservent pas, vont au concert sans prendre leur billet ! Disons-le tout de suite, cela fera chou blanc, l’assistance remplira la salle de la Licorne pour un 320 qui permettra au concert de se dérouler dans de bonnes conditions (la capacité est de 450) mais qui m’empêchera de rêver à une recette miracle ! Encore un concert largement déficitaire, tout comme celui d’Arno. Il va falloir tenter de remédier à ce problème endémique d’objectifs non atteints sur la musique afin de conserver cette liberté de choix dont je dispose actuellement ! On sait bien que seule la réussite et le remplissage des salles empêchent l’effraction de pressions extérieures ! Mais bon, pour le moment, j’ai encore un répit grâce à quelques superbes réussites comme Brégovic, Archive et autres Migenes…
Sur le concert que dire ? Génial, superbe, fantastique et autres qualificatifs…Quelques morceaux de légende de ses précédents disques parsèment son show. Barra barra, Garab, Ala Jalkoum, Hey Anta et le sublime Médina. Tous des morceaux qui obéissent à une logique de monté vers la transe rock en une série de paliers qui font grimper l’intensité. Batterie, basse et clavier installent une rythmique, la guitare brode et cisèle les interstices, les articulations permettent un basculement et déclenchent la fusion. Rock in the Casba et de nouveaux morceaux tirés de Diwan 2 complètent le set, soutenu par une derbouka et une mandoline qui apportent des sonorités orientalisantes à ce rock progressif. Tous les musiciens qui l’accompagnent (à parité entre européens et arabes) sont en phase totale avec leur leader qui tient la scène et tangue. Sa voix éraillée de basse, rauque, déchire les pans de musique et vient se heurter aux instruments en soli. C’est un grand Rachid Taha qui opère en ce soir du 10 novembre 2007 pour un public définitivement acquis. Merci Rachid. En loge, goguenard, la bouche en coin, tu sais que tu a réussi ton coup, que tu as mis les spectateurs dans ta poche et que le métier a encore parlé. Tu reviendras, mon Ami, la scène cannoise  ne peut tolérer trop longtemps une aussi longue absence.
Bon, le bilan, même s’il est mitigé question nombre de billets vendus, reste exceptionnel quand à la qualité de ces concerts de la rentrée 2007/2008. Avoir accueilli Grand Corps Malade, Mano Solo, Archive, Arno et Taha…et en attendant Eicher, tout cela en un mois, nous donne la certitude d’avoir œuvré pour ceux qui cherchent à atteindre un pan de paradis et à fuir la morosité ambiante, nous rend heureux et persuadés d’avoir autorisé quelques moments de rêves pour ceux qui aiment la musique, la vraie, celle de toutes les passions, celle qui n’a pas de frontières et transgresse les normes.
Vive la musique des cœurs vaillants !
 

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